Cuando el río suena...agua lleva

Profesionalización YA!

2010-11-07T23:12:00.002+01:00

Ciclo de tres conferencias y un taller, organizado por AVVAC (Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló), a celebrar los días 11, en el Col·legi Major rector Peset y 18, 16 y 27 en el Octubre Centre de Cultura Contemporània de Valencia.

1_Contratación, remuneración y derechos morales en las artes visuales. El estatuto del artista

Conferencia / 11-11-2010 / 19.00 h. / Col·legi Major Rector Peset.

Florenci Guntin; secretario general de la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya y delegado de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales para el Estatuto del Artista.

Alexandre Devís Mainz; abogado de AVVAC y miembro del despacho Partners Estudio Jurídico.

Presenta: Nacho Paris.

Se abordarán en esta conferencia algunos de los aspectos fundamentales que desde AVVAC se defienden en el camino hacia la profesionalización de los artistas visuales: el respeto a los derechos morales del autor, la remuneración por el trabajo realizado, la normalización del contrato por escrito y el estatuto laboral y fiscal del artista. Florenci Guntin hablará de las buenas prácticas profesionales en las artes visuales; de la realidad social fiscal y laboral del artista en España en comparación con otros modelos, así como de la propuesta de “El estatuto del artista”. Alexandre Devis Mainz hablará desde una perspectiva legal sobre Los contratos en la práctica profesional del artista visual repasando los elementos básicos que todo buen contrato debe contemplar, con especial detenimiento en aquellos tipos que con mayor frecuencia se va encontrar el artista en su práctica profesional, así como las cuestiones que pueden resultar más relevantes tales como los derechos de autor, la protección y conservación de las obras o las relaciones con los centro de difusión de arte.

2_Licencias libres y artes visuales, el devenir de la cultura libre

Conferencia / 18-11-2010 / 19.00 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Natxo Rodríguez; Artista y profesor en la Facultad de BBAA de la Universidad del País Vasco EHU/UPV.

José Maldonado; Artista transmedia y profesor en la Facultad de BBAA de la Universidad Miguel Hernández de Elche. Diseñador y director de sitio on-line e-limbo.org.

Presenta: Teresa Marín.

Con la irrupción de las últimas nuevas tecnologías en el ámbito de la cultura, los modos conocidos de producción, distribución y acceso a la producción cultural contemporánea han cambiado radicalmente. Antes esta nueva situación y el cambio de paradigmas que conlleva, el autor-productor ha de tomar decisiones que afectan a su trabajo y a todo el sistema del arte, porque si no serán otros los que las tomen. En este nuevo contexto, Copyleft supone una herramienta conceptual y práctica que aporta beneficios al menos en tres direcciones: 1. Más libertad para el autor 2. Más libertad para el usuario y 3. Enriquecimiento del procomún.

Creative Commons (bienes comunes creativos) se desarrolló como una herramienta que ayudase a reducir las constantes barreras legales que se imponen a todas las vías y formas de conocer y de conocimiento. CC es, entre otras muchas plataformas y opciones colectivas o personales, un entorno a través del que garantizar cierto flujo de libertad para el conocimiento humano y el bien común. Una característica importante y esencial del conocimiento humano es la resiliencia. Ha garantizado la evolución del ser más allá de todo contra_tiempo y anti_espacio.

3_Encuentros con VEGAP

Conferencia / 26-11-2010 / 19.00 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Paula Jiménez de Parga; Directora Centro VEGAP Catalunya.

José Vicente Quirante; Director de la Fundación Arte y Derecho.

Presenta: Juan José Martín.

De acuerdo al convenio de colaboración establecido entre la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV) y la Fundación Arte y Derecho, y dentro del programa “Encuentros con VEGAP”, AAVAC organiza, una conferencia dedicada a la difusión de la entidad de gestión de derechos derecho de autor, “Visual Asociación de Artistas Plásticos” (VEGAP), que desde 1990 viene trabajando en la protección de los derechos de los autores de obras de la creación visual.

4_Taller de producción artística contemporánea

Taller teórico-práctico / 27-11-2010 / 10-14 y 16-20 h. / Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Carme Romero; Trabaja en Hangar (www.hangar.org) desde el 2000, donde ha producido y coordinado decenas de proyectos de artistas nacionales e internacionales. Su perfil, a medio camino entre la gestión cultural y la especialización técnica (arte electrónico, proyectos en Internet, videojuegos…), le permite implicarse en diferentes fases del desarrollo y mediar entre éstas y entre los equipos de personas involucrados en cada una

El taller hará un recorrido por diferentes herramientas y metodologías para la producción de proyectos artísticos a partir de casos de estudio y desde la experiencia de un centro especializado como Hangar. Se dedicará especial atención a la problemática de la gestión económica de un proyecto y a su planificación.

Asistencia al taller, previa inscripción vía email, info@avvac.net, hasta el día 23 de noviembre.

Estas jornadas están financiadas por: Fondo Asistencial y Cultural de VEGAP.

Las conferencias se emitirán en streaming en la web de avvac: http://www.avvac.net

Archivo digital intransit

2010-10-26T11:29:00.002+02:00

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid y coordinada por Pensart que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector. La plataforma se conforma como una convocatoria pública, un laboratorio de creación, unas jornadas de presentación de proyectos, un archivo digital en la red, un archivo físico instalado en el Centro de Arte Complutense y un conjunto de actividades participativas desarrolladas a lo largo del curso académico.

La Universidad Complutense de Madrid promueve intransit como un medio eficaz para realizar didáctica sobre la importancia del esfuerzo personal, el rigor en la práctica y la excelencia en el desarrollo de los procesos de investigación y creación. Con el objetivo de dar continuidad al proceso de formación y permitir la inserción de los creadores en las redes nacionales e internacionales de producción cultural, se ha creado el archivo digital que contiene los proyectos de los 20 artistas seleccionados en la convocatoria de 2010. Esta herramienta permite a cualquier profesional acceder de forma rápida y sencilla a la base de datos que contiene información detallada de cada creador.

Actividades:

Presentación plataforma intransit. Manuel Álvarez Junco. Vicerrector de Cultura y Deporte de la UCM.

Universidad y Excelencia. Josu Larrañaga. Decano Facultad de Bellas Artes de la UCM.

Presentación archivo digital. Objetivos y metodología. Pensart.

Feedback artistas participantes en intransit 2010 en conversación con los miembros del Comité de Selección, Alexis Callado, Virginia Torrente y Marlon de Azambuja.

Presentación de archivos y bases de datos en Madrid:

Archivo de Creadores Matadero Madrid. Manuela Villa.
Archivo SEACEX Sociedad Estatal para la Cooperación Exterior. Marta Rincón.
Base de datos AVAM Artistas Visuales Asociados de Madrid. Julieta de Haro y Raquel Cámara.

Nodos UCM:

Nodo Londres. Cristina Garrido. Wimbledon College of Art, University of the Arts London. Reino Unido.
Nodo Chicago. Marco Godoy. School of the Art Institute of Chicago. EE.UU.
Nodo Helsinki. GILFER. Producción cultural pública en Finlandia. HIAP Helsinki International Arts Program. Finlandia.

Presentación archivo digital intransit
Martes 2 de noviembre. De 18 a 21 h.
Espacio CAMON Madrid
Plaza de Moncloa, 1 (entrada por C/ Princesa) Metro: Moncloa [L3] [L6]

+ información en: www.intransit.es

Buenas prácticas en Andalucía

2010-10-23T09:45:00.002+02:00

El pasado 20 de octubre de 2010 se ha celebrado en Casa Mazal (Córdoba), la reunión de artistas y profesionales del arte por un código de buenas prácticas en Andalucía. Asistentes: Jacinto Lara, Juanjo Caro, Josefo Rodríguez, Manolo Garcés, Victor Bermúdez, Jesús Alcaide, Fernando Sendra, Fernando M. Romero, Angel Luis Pérez Villén, Miguel Gómez Losada, Tete Álvarez, Óscar Fernández, Javier Orcaray Vélez y Sergio Muñoz Rosal.

Se aboga por el uso de material ya existente como otros Códigos de Buenas Prácticas ya redactados por asociaciones de artistas de otras comunidades (Madrid, por ejemplo) y, en definitiva por establecer una retroalimentación complementaria entre el material e iniciativas que se desarrollen en Córdoba y las que se lleven a cabo a nivel andaluz, siendo esta una relación orgánica y natural con objetivos comunes.

Del mismo modo, el texto sobre el estado del arte contemporáneo en Andalucía redactado en Ars et Labora, se contempla como marco general sobre el que elaborar propuestas más concretas (enlace abajo).

Se plantea como objetivo principal el erigirnos en interlocutores en TODAS las iniciativas culturales y artísticas que se estén llevando a cabo y se vayan a llevar a cabo en el ámbito de Córdoba y provincia (2016, C4, becas y convocatorias, infraestructuras, etc.)

Se muestra preferencia por enfocarse en cuestiones en las que se puede influir (por ejemplo, el C4), y no en polémicas que ya no (eliminación del Programa Iniciarte, por ejemplo). Aunque también se plantea compatibilizar un trabajo más constructivo sobre cuestiones futuras con protestas y posicionamientos firmes sobre hechos recientes, aunque no tengan un efecto práctico más allá de la presión y la manifestación del malestar como colectivo ante los medios y las administraciones responsables.

Hay un consenso general en que todas las iniciativas deben ir orientadas a exigir y lograr el mayor grado de profesionalización del ámbito artístico en todos sus canales y estamentos.

Se plantea para ello adoptar alguno de los “Códigos de buenas prácticas” ya existentes o bien partir de alguno de ellos para adaptarlo a las circunstancias y particularidades de Córdoba y el momento actual.

En este punto surge el tema más polémico de la reunión al plantearse la cuestión de los honorarios de artista por el préstamo de obras para su exhibición. Algunos asistentes defienden el incluirlo como un punto irrenunciable en el “código de buenas prácticas” y otros asistentes discuten la “universalidad” de dichos honorarios y abogan porque cada caso debe ser estudiado individualmente, así como plantear límites claros y márgenes de decisión individual. La cuestión queda abierta a la espera de estudiar como otras asociaciones se han posicionado respecto al tema en sus respectivos códigos y de un debate más en profundidad. Hay prácticamente unanimidad en cuanto a incluir referencias sobre el “valor” del trabajo del artista, sin embargo es en la concreción y reglamentación del mismo donde surgen las discrepancias.

En este punto se plantea la posibilidad de no coincidir plenamente todos los que pertenezcan a la “plataforma” en todas las iniciativas que ésta lleve a cabo o apoye. En dicho caso se regiría por principios democráticos de mayoría o bien se plantea también la posibilidad de firmar determinados escritos no como plataforma sino de forma individual con nombre, apellidos y DNI siempre que tengan un respaldo lo suficientemente numeroso.

http://arsetlabora.blogspot.com/

Pensando y haciendo Medialab-Prado

2010-10-15T09:55:00.004+02:00

Sesiones de trabajo para analizar el estado actual del medialab y debatir sus posibles vías de continuidad, en relación a su futura ubicación en la antigua Serrería Belga. Esta actividad se escructura en torno a cuatro sesiones de trabajo que tendrán lugar a lo largo de 2010, en las que participan como invitados Miguel Álvarez-Fernández, Nerea Calvillo, Jordi Claramonte, Juan Freire, Jesús González Barahona, Antonio Lafuente, Juan Martín Prada, Carolina del Olmo, José Luis de Vicente, y miembros del grupo de los Viernes OpenLab. Paralelamente al programa de sesiones presenciales, se ha iniciado un proceso de recogida de información por parte de colaboradores y usuarios habituales acerca de lo que es y lo que podría ser el medialab en el futuro.

Tras casi tres años de recorrido en su sede actual de la Plaza de las Letras, Medialab-Prado se enfrenta ahora al traslado a una nueva sede, el edificio contiguo de la antigua Serrería Belga. Este cambio supone un reto importante, pues trae consigo unas condiciones diferentes a las presentes en cuanto a escala y contexto.

Parece por tanto un buen momento para abrir un espacio de reflexión y análisis sobre sus prácticas y modos de hacer, su contexto, públicos y usuarios, que nos ayude a proyectar el futuro a través de un proceso dialogado que recoja múltiples aportaciones y puntos de vista; un proceso inclusivo en el que tomen parte personas que han contribuido de manera esencial a configurar el proyecto, entre los que se encuentran colaboradores habituales y usuarios. Y que a su vez incorpore una mirada desde fuera y esté abierto a la participación de cualquier persona interesada en aportar ideas o en escuchar los debates.

Fecha de la próxima sesión: 16 diciembre, 2010

http://medialab-prado.es/

Mal rollo

2010-10-07T15:39:00.002+02:00

La Asociación Española de Directores de Museos y Centros de Arte Contemporáneo de España, el Consejo de Críticos de Artes Visuales, el Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo, el Instituto de Arte Contemporáneo y la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales, quieren manifestar su repulsa y extrema inquietud ante la más que posible desaparición del Centro José Guerrero de Granada y de su colección, así como ante el cese arbitrario de su directora.

No parece razonable que una institución artística consolidada, que ha desarrollado un programa de altísima calidad, con continuidad, rigor y gran eficacia a lo largo de sus diez años de existencia pueda estar en riesgo. Tampoco parece razonable que, en la actual situación de crisis económica que vivimos, la administración pública no haga todo lo posible por conservar lo que constituye una parte muy importante de nuestro patrimonio artístico, como es la colección de uno de los pintores españoles de mayor proyección internacional de la segunda mitad del siglo XX español.

Queremos expresar, una vez más, nuestra preocupación por la fragilidad de las instituciones artísticas en España, a las que ya ni siquiera les sirve ser reconocidas y respetadas por la inmensa mayoría del sector del arte contemporáneo español, así como reivindicar la necesidad de articular y dar seguridad a las relaciones entre el sector privado y el público en la misión de incrementar, preservar, estudiar y difundir el patrimonio artístico contemporáneo, área en la que el Estado español en general es altamente deficitario. No podemos permitir este continuo empobrecimiento de nuestra vida cultural con la desaparición de colecciones artísticas de primer orden y de centros estables y consolidados. Por todo ello, las asociaciones abajo firmantes consideran que las diferentes administraciones implicadas en la tutela del patrimonio artístico de nuestro país (granadinas, andaluzas y estatales) deberían abrir negociaciones con los herederos de José Guerrero que conduzcan a la creación definitiva de una fundación que permita un futuro viable para el centro y que esté regida por el Documento de Buenas Prácticas, de manera que se garantice su estabilidad y autonomía e impida que la obra de José Guerrero abandone definitivamente la ciudad de Granada.

Igualmente, queremos denunciar que el cese de Yolanda Romero como directora del Centro José Guerrero se ha producido de una manera políticamente incomprensible. De una parte, los máximos responsables de la Diputación de Granada han reconocido públicamente estar muy satisfechos con el trabajo realizado por la directora, para posteriormente cesarla sin motivo alguno. Este proceder no hace sino reflejar que esta decisión política es arbitraria y responde a criterios de dudosa índole. En definitiva, se trata de un cese que actúa por completo en contra de los criterios de valoración de la gestión profesional establecidos por el Documento de Buenas Prácticas.

Además, el cese se ha producido en el momento más inoportuno, justo cuando se estaban llevando a cabo las negociaciones entre la Diputación y los herederos de José Guerrero para la creación de una fundación (regida por el mencionado documento en todos sus aspectos, incluido el concurso para la plaza de dirección) que garantizase la continuidad del museo y de los fondos pictóricos depositados por la familia en Granada.

Las asociaciones abajo firmantes ponemos de manifiesto nuestra inquietud por la situación en la que ha quedado actualmente el Centro José Guerrero: sin un director que vele por el correcto funcionamiento del museo, sin visos de que vaya a cubrirse el puesto de acuerdo con el Documento de Buenas Prácticas en un tiempo razonable y sin garantías de que se vaya a cumplir con la programación comprometida.

La situación es incomprensible, el daño, irreparable y las decisiones, políticamente contradictorias. Es en el nivel de la política, por tanto, donde se deben resolver los malos entendidos que se hayan producido hasta ahora, sin buscar subterfugios ni chivos expiatorios. Todas las decisiones tomadas en relación con este asunto deben revocarse, restituyendo en la dirección del Centro José Guerrero a Yolanda Romero hasta la constitución de una fundación.

Asociación Española de Directores de Museos y Centros de Arte Contemporáneo de España

Consejo de Críticos de Artes Visuales

Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo

Instituto de Arte Contemporáneo

Unión de Asociaciones de Artistas Visuales

Democracia cultural y transformación social

2010-09-30T08:42:00.002+02:00

Interacció 2010 se plantea afianzar en la próxima edición, su carácter de referente en el mundo de las políticas y la gestión cultural a través de una cuestión que está generando un vivo debate en el mundo cultural: la participación activa de la ciudadanía en la creación y la difusión de la cultura. Este concepto se refiere a la cultura que se crea socialmente en entornos comunitarios o asociativos que no aspira, de entrada, a la profesionalización. El sentido del ámbito cultural participativo es, por tanto, muy amplio, pero en cualquier caso presenta como característica fundamental el hecho de que los ciudadanos son sus protagonistas y que conforman la cultura desde el interior mismo de las relaciones sociales. Por otro lado, no es necesario insistir aquí en los lazos profundos que unen esta cultura participada o participativa con los fenómenos amateurs, los cuales abarcan el ejercicio de un amplio abanico de actividades artísticas como el teatro o la música, otras que a partir de nuevas herramientas tecnológicas configuran la mayoría de las propuestas emergentes o bien la propia cultura popular y tradicional.

Es necesario propiciar en la actualidad una reflexión sobre el papel de la cultura en los barrios y municipios. Ha llegado la hora de apostar por una cultura más imbricada en el tejido social de nuestras poblaciones, que haga protagonistas a los ciudadanos y a sus asociaciones y que permita, al mismo tiempo, que las ideas y los proyectos encuentren una concreción en el territorio que los ha visto nacer. Éste es el sentido de la democracia cultural. Un sentido que está relacionado de manera directa con la cohesión social, el fortalecimiento de las asociaciones, con la gobernanza y con la valoración de los ciudadanos para con sus municipios.

Cataluña cuenta con una rica tradición asociativa, que arranca del siglo XIX, la cual se traduce en los ateneos, los Cors de Clavé, las asociaciones obreras y, posteriormente, las agrupaciones, clubs, casas regionales y organizaciones solidarias. Las entidades son una base muy importante para la cultura popular junto con las nuevas formas de trabajo a través de proyectos culturales y cívicos y las asociaciones no formales. En cualquier proyecto de cultura participativa siempre hay una serie de relaciones sociales que pueden traducirse en la formación de una asociación o bien agruparse por intereses concretos. Ese concepto también liga con el de las artes vinculadas a la democracia cultural, un ámbito que hay que replantearse de manera crítica para ver si se adecua en todos los casos a los criterios artísticos y, también, a los de impacto real en la sociedad. El cualquier caso, la democracia cultural tiene que hacer aflorar la creación emergente en nuestros municipios. Y no está de más recordar que esta creación emergente será la que en un futuro no muy lejano definirá el arte de nuestro país. Si a todo ello le añadimos una voluntad de transformación social, de dinamización y de suma de voluntades, no resulta demasiado atrevido afirmar que la cultura y la creatividad pueden situarse en el centro del nuevo paradigma, no únicamente social sino también económico.

Interacció 2010 se organiza en torno a tres ejes temáticos que se desarrollan a través de sesiones plenarias y sesiones simultáneas. A las sesiones plenarias asisten todos los inscritos, mientras que para las sesiones simultáneas será necesario inscribirse en uno de los ámbitos en que se dividen. Las sesiones simultáneas pueden tener un carácter práctico (presentación de experiencias) o teórico, o bien fomentar el debate entre los participantes.

Fecha: 19 de octubre de 2010 hasta 22 de octubre de 2010
Lugar: Centre d'Estudis i Recursos Culturals Pati Manning. Montalegre, 7. Barcelona

http://www.diba.cat/cjs/jornada.asp?id=1180

e-ciudades

2010-09-24T15:29:00.002+02:00

Las e-ciudades son plataformas que plantean y cuestionan la capacidad de autorregulación de la sociedad en contextos de discusión y crí tica cuando se desactivan los mecanismos de control social y las regulaciones impuestas por los medios tradicionales. Se trata de herramientas de uso colectivo y de implantación local que pretenden influir en determinados contextos a través de la fuerza que crean la complicidad colectiva de personas o colectivos, que se hallan dispersas, pero que tienen la capacidad de operar, especular, o desarrollar un nivel de conocimiento colectivo.

e-madrid se ha planteado desde su puesta en marcha como una plataforma abierta no sólo al debate, sino también a la inclusión de contenidos. Nació, y continúa siendo, un espacio desregulado, con vocación de que la comunidad de usuarios se apropie de él: e-madrid no pertenece a ningún colectivo en particular. Dos sesiones de taller bajo el título Medios hiperlocales en tiempos de twitter cruzaran el modelo de medio de comunicación hiperlocal y el modelo e-madrid, con vocación de terminar el proceso de cesión de la plataforma a la ciudadanía interesada.

Programa

Miércoles, 6 octubre: 17:00h a 20:00h: Presentación de las diferentes e-ciudades. Debate sobre el modelo de e-ciudad, los modelos de e-ciudad.

+ e-valencia
+ e-norte
+ e-sevilla
+ e-barcelona
+ e-madrid
+ e-ciudadreal

Jueves, 7 octubre: 11:00h a 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (I)

Taller sin inscripción previa sobre medios hiperlocales, periodismo ciudadano y periodismo cultural en Madrid. Se intercambiarán modelos de funcionamiento técnico y organización de este tipo de medios, criterios de edición y selección de noticias, escala y alcance de la información. [+info]

16:00h a 20:00h: ¿A dónde vas, Madrid? Debate sobre política cultural en Madrid.

Mesa 1. Instituciones culturales municipales.
Mesa 2. Eventos culturales con entidad propia.
Mesa 3. Formaciones independientes y privadas.

Con intervención de representantes de instituciones culturales que hablarán sobre la institución a la que pertenecen desde tres acercamientos: presupuesto, organización (funcionamiento interno, objetivos...), y trabajo en red (relación con las instituciones).

Viernes, 8 octubre:

10:00h a 14:00h: Medios hiperlocales en tiempos de twitter (II)

Taller sobre cómo montar una e-ciudad, cómo funciona técnicamente e-madrid y cómo formar parte de la comunidad e-madrileña.

http://medialab-prado.es/article/eciudades

Una Bienal de referencia

2010-09-13T13:25:00.004+02:00

Manifesta 8 es un evento de arte contemporáneo itinerante que muestra la obra más innovadora de artistas y comisarios de Europa y otros lugares del mundo. Abierta al público desde el 9 de octubre de 2010 y con una duración de 100 días, Manifesta 8 se celebrará en edificios históricos, museos y espacios no convencionales de las antiguas ciudades de Murcia y Cartagena.

Desde su primera edición hace 15 años, Manifesta se ha centrado en la idea de romper barreras, cruzar fronteras y construir puentes. Al incorporar exposiciones, performances, eventos multimedia e intervenciones en medios de comunicación, Manifesta 8 destaca lo mejor del pensamiento, la investigación y la experimentación artística, prestando este año especial atención al diálogo entre Europa y el Norte de África.

La elección de Murcia y Cartagena como sedes de Manifesta 8 está motivada fundamentalmente por la riqueza derivada de la mezcla de culturas, islámica, judía y cristiana, en la región, por su situación como enclave estratégico en el Mediterráneo y, sobre todo, por constituir un crisol cuyo patrimonio cultural abarca desde destacados ejemplos de arquitectura romana (como el anfiteatro de Cartagena, hasta ciudades visigodas, medinas árabes, iglesias barrocas o ejemplos de arquitectura modernista. Dada la atención internacional suscitada por temas como la migración, la condición de refugiado, el transnacionalismo y las nuevas fronteras de Europa, tanto geográficas como psicológicas, la Región de Murcia constituye una plataforma privilegiada para proyectos en los que los artistas contemporáneos pueden plantear estas cuestiones situándolas en un contexto histórico más amplio.

El 85% de los obras de artistas presentes en Manifesta 8 son producciones específicamente realizadas para ser expuestas en las doce sedes que M8 tiene en las ciudades de Cartagena y Murcia, una característica inusitada dentro del contexto de las bienales de arte. De esta manera, Manifesta 8 privilegia la producción de piezas que tengan relación con el contexto en el que serán presentadas, así como con el concepto que preside esta edición: el Diálogo con el Norte de África.

Otra singularidad de esta edición de Manifesta es el comisariado colectivo desarrollado por tres grupos curatoriales procedentes de diferentes partes de Europa y áreas del Mediterráneo como África, Oriente Medio y Europa central: Alexandria Contemporary Arts Forum (Egipto), Chamber of Public Secrets (Escandinavia, Italia, Reino Unido y Oriente Medio) y tranzit.org (Centroeuropa), responsables tanto del enfoque temático como de la selección de artistas. Los tres colectivos curatoriales darán respuesta al reto planteado por la pregunta en torno al diálogo transregional y transcontinental utilizando distintos formatos: desde una serie de debates televisados (incluyendo dos episodios de un conocido programa de entrevistas de la cadena árabe Al Jazeera) hasta la publicación de un libro de 420 páginas centrado en las condiciones, imaginarios y narrativas comunes tanto a países post- coloniales como post-comunistas, o la creación de una “incubadora” que investigará el potencial productivo de una Bienal Panafricana itinerante.

Otra de las características de Manifesta 8 es que muchos de los artistas que participan en la Bienal no proceden sólo del mundo del arte visual sino de otras diversas áreas. Son productores cinematográficos, escritores, filósofos, especialistas en medios de comunicación, activistas sociales, etc., de manera que esta circunstancia proporciona una extraordinaria variedad en las diferentes producciones (algo nada común en la mayoría de las Bienales).

La organización de Manifesta 8 es muy consciente de su responsabilidad social -especialmente en tiempos de crisis económica-en relación a la necesidad de construcción de una infraestructura artística regional que perdure en el tiempo más allá de las fechas de celebración de Manifesta 8. Es por ello que se trabaja en el sentido de desarrollar efectos sostenibles en el periodo posterior a la Bienal, tanto en términos de preparación de profesionales locales en diferentes aspectos de mediación, producción cultural y administración, como del acondicionamiento de espacios históricos para su utilización posterior en actividades culturales. Por otra parte, la influencia de Manifesta 8 ha sido calculada en términos del beneficio que el turismo cultural internacional producirá al permanecer varios días en la Región durante su visita a las sedes expositivas.

manifesta8.es

La prueba del algodón

2010-09-09T12:53:00.002+02:00

Sólo el 15% de los 51 museos analizados, aprueban el test sobre "transparecia en la red" al que les ha sometido la Fundación Compromiso Empresarial en un nuevo informe sobre el tema, publicado bajo el título de "A través del espejo", que puede consultarse íntegro en este enlace. Los ocho museos mejor valorados, sin alcanzar nota, son, por este orden, el Teatre-Museu Dalí, el Artium - Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo, el Museo del Prado, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el Museo Colegio de San Gregorio - Museo Nacional de Escultura, el Museo Patio Herreriano, el MARCO - Museo de Arte Contemporáneo de Vigo y la Fundación Museo Jorge Oteiza. Cierran la lista, en este caso con las peores calificaciones, el CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporaneo y el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, entre los museos de arte contemporáneo.

Este nuevo informe se enmarca dentro de la iniciativa de la fundación denominada "Transparencia en la Red", que busca impulsar la transparencia y la rendición de cuentas en la red de algunas instituciones públicas y organizaciones no lucrativas que tengan especial impacto en la sociedad. En términos generales, el informe reconoce que los museos publican satisfactoriamente la información sobre las actividades -el 90% lo hacen-, pero se muestran opacos a la hora de exponer públicamente las cuentas financieras -sólo el 20% aportan información sobre decisiones relacionadas con adquisiciones y préstamos de sus colecciones y apenas el 4% ofrecen una referencia general sobre ingresos y gastos- y la información sobre sus visitas -el 82% no ofrece ningún dato sobre el número de visitas y un 88% no aporta información alguna sobre las opiniones de éstos-. Entre los datos reunidos, se señala que si bien el 63% de los museos analizados citan el nombre del director general, este porcentaje disminuye al 39% en el caso de los responsables de los diferentes departamentos y de sus miembros de gobierno.

Informe completo en:

http://www.fundacioncompromisoempresarial.com/images/informemuseos.pdf

Madrid en un saco

2010-09-06T19:19:00.005+02:00

Al calor de los numerosos proyectos iniciados en Madrid con el objetivo de cartografiar y comprender las dinámicas que sigue la vida cultural de la capital, nace el proyecto Redada Madrid: sobre metodologías de investigación en cultura.

En los últimos dos años hemos sido testigos de la aparición de iniciativas como Mapear Madrid desde el Centro 2 de Mayo, la publicación del libro Madrid ¿la suma de todos? del Observatorio Metropolitano, el trabajo de cartografía realizado por CARTAC, las jornadas Atravesad*s por la cultura, la iniciativa Madrid City Murmur desarrollado en el marco de Visualizar o las jornadas “¿Qué pasa con Madrid? ¿Qué pasa con el Patio?“. También han aparecido interesantes herramientas de análisis cultural como el Kultu-o-rmeter o el OpenStreetMap que nos permiten visualizar y comprender mejor algunos procesos que acontecen en el seno de las ciudades. Redada Madrid quiere coger el testigo de muchas de estas iniciativas planteándose cuáles son las metodologías y herramientas que se pueden desarrollar para analizar la cultura como un proceso dinámico y cambiante.

Interesa debatir las premisas y métodos que desarrollan muchos de estos procesos de investigación para detectar metodologías y herramientas comunes y negociar entre todos y todas horizontes de resultados deseables. Es necesario conciliar la búsqueda de datos cuantitativos con métodos cualitativos de interpretación y análisis de la cultura. Introducir una mirada intensiva sobre la textura extensiva de la ciudad, entender la cultura como una red de instituciones, empresas, prácticas independientes, procesos autoorganizados, políticas públicas, presupuestos recortados, dinamizadores anónimos y sujetos activos que se cruzan en diferentes puntos de la ciudad.

El proyecto Redada Madrid se lanza sobre esta realidad en un intento de generar una investigación colectiva que tome a la cultura metropolitana como caso de estudio. Tres ejes de investigación servirán para estructurar varias sesiones de trabajo:

1) El papel de las instituciones culturales y su relación con la ciudad

2) Las industrias creativas como modelo económico

3) Las formas de gobernanza cultural que emergen en la ciudad

El proyecto se divide en dos partes, primero y durante una semana un equipo de YP YProductions se reunirá con personas y colectivos que hayan trabajado o se encuentren trabajando en procesos de investigación y análisis de la cultura de la ciudad. Estas sesiones servirán para determinar el momento en el que se encuentran las diferentes investigaciones y para recoger datos y metodologías que se pondrán en práctica a lo largo de la segunda semana.

La segunda semana se realizaran tres talleres públicos en los que se plantearán formas de analizar e investigar los tres ejes. Estos talleres culminarán en presentaciones abiertas de las herramientas, metodologías y proyectos.

Durante la semana habrá presentaciones que estarán estrechamente vinculadas a cada uno de los tres bloques de trabajo determinados. De esta forma, entre todos y todas las asistentes se constituirá un think-tank abierto en el que ahondar sobre la investigación de la cultura con personas que se encuentran inmersas en proyectos de investigación cultural.

Taller Redada Madrid

Días: 15, 16 y 17 de septiembre de 2010 de 17 a 20h

Espacio CAMON. Plaza de Moncloa, 1. Madrid

Actividad gratuíta. Plazas limitadas.

Si quieres inscribirte envía un email a yp@ypsite.net explicando tu interés y vinculación con el tema.

+Info:

http://www.ypsite.net/redada.madrid/?p=1#more-1

Broadcasting Art II

2010-09-02T15:13:00.005+02:00

Radio 3, el programa Fluido Rosa y El Centro Párraga de Murcia lanzan la nueva convocatoria del Concurso Internacional de Arte Sonoro Broadcasting Art. Se convocan 3 piezas de Arte Sonoro para esta edición de BROADCASTING ART. Las obras deberán estar generadas desde la práctica del arte sonoro en su versión más abierta y contemporánea entendiendo que exista referencia en ellas a todos aquellos aspectos estéticos, narrativos y técnicos generados a partir de las nuevas tecnologías, tanto analógicas como digitales.

La primera edición de BROADCASTING ART se realizó en el año 2006 en colaboración con el MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Léon y en la misma participaron 223 artistas de 21 países distintos. Los componentes del jurado fueron Lorenzo Benedetti, Director del Museo de Arte Sonoro de Roma (Italia), Lina Dzuverovic, Directora de la Agencia Electra, Londres (Reino Unido), Christina Kubisch, Artista sonora, Berlín (Alemania), Carlos Ordás, Coordinador de proyectos del MUSAC, Rosa Pérez, Directora del programa Fluido Rosa de RNE3 y Javier Duero, Comisario independiente, Madrid (España).

El fallo del jurado se pronunció durante un evento de presentación que se celebró en el hall del MUSAC, acompañado por la actuación de la artista multimedia norteamericana Laurie Anderson. Se concedieron tres premios, dotado cada uno de ellos con 4.500 euros, a las obras:

Untitled #188, de Francisco López (Madrid, España)
Arquitectural Commentary, de Marc Behrens (Alemania)
American Mosque, de Javier Iriso (León, España)

Y tres accésit por su calidad a las siguientes obras:

Up in the Air, de Matthew Sansom (Reino Unido)
Hive, de Joe Colley (Estados Unidos)
Who Can Tell If I´m Inventing, de Rosa Barba (Alemania)

Con un total de premios de 13.500 €, el plazo de presentación de piezas para la edición BROADCASTING ART II finalizará el próximo 30 de octubre de 2010.

+Info y Bases en:

http://www.rtve.es/noticias/20100607/bases-broadcasting-art-2010/334463.shtml

Manifiesto por la cultura popular

2010-07-22T17:44:00.005+02:00

Hace ya tiempo que se puede observar el repliegue de lo social, de modo bastante significativo, en el espacio público. El espacio privado se ha convertido en el bastión de los ciudadanos que sólo participan en la construcción social a través de ritos convenientemente reglados por la lógica del consumo, en un escenario atravesado por la subsunción por parte del capital de toda actividad y donde se alude a lo público, al interés general, exclusivamente en términos instrumentales. La situación política de Madrid en los últimos años se ha regido por una voluntad, por parte del Ayuntamiento, de definir un modelo o imagen de marca. Baste recordar aquí la campaña olímpica de la ciudad, construida sobre una hiperinflación del diseño que abarca operaciones urbanísticas megalómanas [proyecto M30 por ejemplo], una regulación efectiva y estructural de la actividad del espacio público [normativización y control de su uso, imposibilitando a través del urbanismo y el mobiliario urbano ciertas prácticas inconvenientes] y, consecuentemente, el diseño y puesta en marcha de experiencias que pretenden substituir a otras de carácter autónomo.

Así, desde el Ayuntamiento de Madrid se puso en marcha, como alternativa al obviamente molesto botellón, otro tipo de actividad para la organización de la experiencia juvenil tutelada, en un recinto deportivo-disciplinario [polideportivos municipales] que, bajo la denominación La Tarde y La Noche más Joven, mantuvo estos recintos abiertos los viernes hasta la madrugada procurando una opción más concordante con la imagen de la juventud propia del modelo de ciudad definido por el Ayuntamiento.

Parece que a este tipo de iniciativa que no concitó demasiado entusiasmo entre los jóvenes madrileños —¿por qué será?— pertenece la apuesta, en el terreno cultural, de la adopción del proyecto norteeuropeo de La Noche en Blanco. En pleno furor de la campaña contra el botellón, en sus vertientes de control policial y de regulación de experiencias alternativas, el Ayuntamiento dio el paso de instituir en Madrid este evento.

La Noche en Blanco, programa de indudable rentabilidad política en términos de atención mediática y construcción de imagen de ciudad, difunde, sin embargo, un pésimo concepto de lo artístico, en particular, y de lo cultural, en general. La apuesta por un acto celebratorio-espectacular, asociado a la idea de consumo compulsivo, propio de la industria cultural, no deja de ser un intento más de regulación de toda experiencia posible en el marco del espacio público, respondiendo a la necesidad de competir con otras ciudades por ocupar un lugar de relieve en el imaginario colectivo global que, a la postre, se vincula con el imperante. Es decir, pretende construir un simulacro de identidad colectiva para su venta en el mercado doméstico e internacional. Seguramente el casi millón de euros invertidos en este evento podrían tener un mejor destino en un ámbito donde usualmente los artistas trabajan en condiciones de precariedad.

Es la misma precariedad que muchas veces obliga a participar en modelos que, más allá de tentativas reformistas, merecerían el rechazo de unos productores culturales que en estos ámbitos operan como cómplices de la ceremonia de la confusión ya que, al fin y al cabo, sin su concurso LNEB tendría difícil su legitimación, supervivencia y consolidación.

Estos actores, a menudo autoproclamados independientes, entran aquí en escena reforzando, legitimando e instituyendo un teatro y una representación colectiva de la producción de sentido que condenan a la invisibilidad a cualquier intervención realizada en este contexto, con el agravante de que la participación generalizada sumerge a la colectividad en un consenso tácito de tolerancia acrítica.

Es por esta cuestión estructural que toda participación, sea de corte crítico o integrador, sirva al doble propósito de desactivación de sentido y de refuerzo del propio mecanismo de mediación. Así, la financiación pública de la cultura aparece ante nosotros como el dispositivo que junto al consenso y participación universal, destierra definitivamente a la cultura misma, entendida como un entramado de relaciones sociales.

En este punto nos situamos explícitamente en oposición a La Noche en Blanco, fuera del consenso de tolerancia, pidiendo a todos una participación activa en este proceso de negación. Un acto de resistencia ante la instrumentalización, a la vez que señalamos las enormes consecuencias que para un proceso de construcción social conlleva el apoyo y la participación en LNEB.

Manifiesto y adhesiones:

dinoalanocheenblanco.wordpress.com

Plataforma Complutense

2010-07-07T12:15:00.002+02:00

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector. La plataforma se conforma como una convocatoria pública, unas jornadas de presentación de los proyectos con actividades participativas, un archivo físico instalado en el Centro de Arte Complutense y un archivo digital en la red.

Con esta iniciativa la Universidad Complutense ofrece a los creadores, la visibilidad y difusión de su trabajo y labor creativa, entre la comunidad artística, el sector de la mediación cultural y los medios de comunicación.

En la convocatoria dirigida a todos los creadores relacionados académicamente con la Universidad Complutense de Madrid se recibieron 108 proyectos. Los 20 proyectos seleccionados fueron elegidos por una comisión técnica independiente formada por especialistas en creación emergente.

Artistas: Bárbara Fluxá, Cecilia Sancho, Daniel Silvo, Javier Fresneda, Cristina Garrido, Alicia Martínez, Mutiu, Grupo de Investigación Eyjafjajallajökull, Marta Alonso, Virginia Lázaro, Francoise Vanneraud, Mario Espliego, Irene de Andrés, Marco Godoy, Karlos Gil, Sole Parody, Maillo, Julio Adán, Alejandro Bombin, Almudena Lobera, Aida Bañuelos.

Comisión técnica: Virginia Torrente, Alexis Callado, Marlon de Azambuja.

Speed Arting: Lurdes Fernández y Flavia Introzzi [Off Limits], Pedro Medina [Istituto Europeo di Design], Manuela Villa [Matadero Madrid], Alberto Saáchez Balmisa [Editorial EXIT], Juan Arana [Galería Arana Poveda], René Esteve [Elsinor], Juan Curto [Galería Cámara Oscura], Kamen Nedev [Productor Cultural], Key P. Kawamura y Ali Ganjavian [Studio Banana], Carlos Vidania [La Tabacalera de Lavapiés], Daniel Villegas [Universidad Europea de Madrid].

Speaker´s Corner: La Pieza, Colectivo La Montonera, Colectivo UHF, Asociación RetroACCION, Colectivo Enterarte, David Archilla, ConFUSSION Group, Daños Colaterales, Mediodia Chica, Monoperro, Zuloark.

Actividades: Globos Sonda, Post_inicionate, Pitonisa Bola, Tesoros Urbanos, Pictionary.

Conversaciones con artistas: Revista Claves de Arte.

intransit. Presentación de proyectos
13, 14 y 15 de Julio de 2010. De 11 a 20 h.

c a r t e c
Centro Arte Complutense
Avda. Juan de Herrera, 2. 28040 Madrid

Como llegar:
Metro: Ciudad Universitaria [L6] – Moncloa [L3]
Autobuses: U, G, 46, 82, 83, 132, 133, 162

+Información y programa de actividades en:

www.intransit.es

Innovación universitaria

2010-07-01T12:10:00.005+02:00

Por primera vez en la historia de la universidad española, la ANECA (Agencia que regula los títulos universitarios en España) acaba de dar la verificación positiva, siguiendo los criterios de Bolonia, a varios títulos oficiales que refuerzan los lazos entre creatividad e industria cultural.

El Grado en Arte Electrónico y Digital, creado por la Universidad Europea de Madrid, actualiza la oferta de formación para aquellos artistas que necesitan las herramientas propias del siglo XXI como las tecnologías digitales y ofrece una salida creativa a los ingenieros con inquietudes más imaginativas. Este grado aúna la formación de Ingeniería (60%) y de Arte (40%) a lo largo de una carrera de 4 años, necesarias para la creación artística con nuevas tecnologías. Este grado ofrecerá formación en áreas específicas como audiovisual, sistemas y electrónica, programación y redes, teoría e historia, proyectos artísticos, etc

Así mismo, la UEM ha obtenido la verificación positiva del Grado en Artes Escénicas y Mediáticas.

Por otro lado, la Universidad Camilo José Cela, en su campus de Madrid-Arturo Soria, incorpora a su oferta académica una titulación superior en diseño de videojuegos.

La iniciativa, que viene a cubrir un vacío en la oferta académica de Grado Superior y da respuesta a las demandas de una industria emergente de ocio interactivo digital, en la que nuestro país comienza a tener un protagonismo internacional, sigue las directrices del Plan Bolonia en la definición y creación de nuevas carreras y salidas profesionales y se suma a la tendencia iniciada por otras grandes Universidades de Europa y América.

El Plan Académico del nuevo Grado Universitario en Diseño y Desarrollo de Videojuegos consta de cuatro cursos con un programa curricular que incluye disciplinas como el diseño, la creación, la programación, el tratamiento digital de la imagen, la animación, la infografía y el modelado en 3D, la animación en 3D, la producción y la postproducción, el diseño y tratamiento del audio o el marketing del videojuego.

+Info:

Grado en Arte Electrónico y Digital 60% Ingeniería + 40% Arte
Facultad Politécnica + Facultad de Artes y Comunicación
Universidad Europea de Madrid
www.uem.es

Grado Universitario en Diseño y Desarrollo de Videojuegos
ESNE Escuela de Diseño
Universidad Camilo José Cela
www.esne.es

El gusto por el trabajo

2010-06-10T11:40:00.003+02:00

No arriesgamos demasiado si afirmamos que el anhelo de un trabajo libre y autónomo nos ha salido un poco rana. El deseo de emancipación y de liberación de un trabajo segmentado y repetitivo ha acabado por convertirse en la principal fuente de inspiración del actual modelo de trabajo flexible y precario. El hecho de tener la posibilidad de trabajar en lo que se quiere, decidir el horario de trabajo, encontrar placer en la actividad que sirve de sustento económico, realizar tareas diferentes y entender el trabajo como una vía para la autorrealización; todas estas aspiraciones han sido reconvertidas y transformadas en el motor del actual modelo laboral postfordista. En este sentido, no dejan de asaltarnos muchas dudas respecto a si acaso no hemos estado escribiendo la hoja de ruta de las nuevas formas de trabajo del capitalismo tardío, ¿Cómo enfrentarnos a esa normalización de un modelo de trabajo que nació desde prácticas de éxodo? ¿Qué pasos podríamos dar para construir una esfera de verdadera autonomía laboral? ¿Se puede ser libre trabajando?

La huida de un trabajo “normal”, el desprecio de unas condiciones regidas por medidas disciplinarias, parecen haber forjado ese extravagante espíritu del trabajador creativo cuyo principal problema no es tanto estar bien o mal pagado como poder disfrutar del trabajo. Tal y como afirma Isabell Lorey, “las prácticas y discursos de los movimientos sociales de los últimos treinta o cuarenta años no sólo han sido resistentes y se han dirigido contra la normalización, sino que también, al mismo tiempo, han formado parte de las transformaciones que han desembocado en una forma de gubernamentalidad neoliberal” (Lorey, 2006). ¿Hemos asimilado el trabajo precario como una vía para la obtención de mayor libertad o autonomía? ¿Es la actual crisis un buen momento para visibilizar estas contradicciones?

Por otro lado, lejos de pensar en esta situación como producto de una elección propia, parece que nos sometemos a un discurso que nos “invita” al autoempleo y a la autoempresarialidad. La figura del emprendedor ha sido fijada como modelo de subjetivación, como mecanismo para la autoresponsabilización de aquellas y aquellos que no encontramos sustento a nuestra práctica laboral (situación que, obviamente, no es exclusiva del trabajo creativo). Vida y trabajo se funden, empresario y trabajador se aglutinan en una mismo agente que se ve obligado a comportarse como una “máquina competente” (Lazzarato, 2007), pero ¿Para quién trabajamos realmente? ¿Nos autoexplotamos o trabajamos intensamente en los que nos apasiona? ¿Acaso es malo disfrutar trabajando?

Y sin embargo, en las nuevas formas de trabajo parece que se ha desarticulado cualquier posibilidad de organizarse colectivamente, de emprender una nueva maniobra que actualice las prácticas sindicales conforme al nuevo estado de cosas. ¿Existen experiencias de innovación política que podamos tomar como referente? ¿Qué tipo de conflictos pueden situarnos en un frente reivindicativo común? Y también: ¿podemos tomar ya algunos modelos empresariales como embriones de formas autónomas de colectivización del trabajo? ¿Nos pueden servir algunos nombres como “empresas políticas” o “empresas del procomún”?

PROGRAMA

-Sede MediaLab Prado

·Seminario La Riqueza de las Redes

Dirigido por Yochai Benkler

Del 29 de junio al 1 de julio.

-Sede Traficantes de Sueños

·Conferencia. Captura y resistencia del trabajo creativo. Del emprendizaje a la autonomía

YProductions (Barcelona)
Serpica Naro (Milán)

Viernes, 2 de julio.19.30h

·Taller para los que disfrutan trabajando (¿o no tanto?). Del malestar a la autoorganización

11: 00 Autoevaluación de las condiciones de trabajo

17: 00 Formas de organización y colectivización del trabajo

19: 30 Nuevas formas de empresa

Sábado, 3 de julio.

Los talleres son cerrados, se ruega inscribirse en caso de estar interesado en:

disfrutamostrabajando@gmail.com

+Info: http://paraquienesdisfrutamostrabajando.net

Playful & Playable

2010-06-07T20:56:00.002+02:00

Es un programa de actividades que aborda las nuevas relaciones entre el ámbito de los videojuegos y la cultura contemporánea desde la postura de autores, creadores y colectivos independientes. En estos procesos fuera de las corrientes más mayoritarias y comerciales, la experiencia de juego trasciende los espacios lúdicos y jugables para instalarse en el territorio de la actividad crítica y creativa.

El programa, que se extiende durante todo el segundo semestre del 2010 con encuentros, talleres, live acts y proyecciones sobre el análisis y la prospección del videojuego como proceso cultural, comienza con una muestra de proyectos que abordan la relación dialógica entre jugador y autor-diseñador-desarrollador de un modo diferente al habitual. Desde esa cercanía que aporta la distribución digital de contenidos, que evita intermediarios innecesarios y a veces perniciosos para esta comunicación, se construyen nuevos tipos de procesos lúdicos que integran contenidos más libres y experiencias más sofisticadas.

La Narrativa Interactiva, que surge del maridaje lógico entre los relatos hipertextuales y el videojuego como medio, es una corriente emergente dentro de la comunidad de desarrolladores independientes contemporáneos. Al igual que ocurre con la música, el lenguaje vernáculo del videojuego tiene mucho que ver con la sinestesia.

PLAYFUL & PLAYABLE Crítica y Experimentacion con Videojuegos

Proyecto Amarika.

Comisariado: Lara Sánchez Coterón

Del 24 de junio al 15 de septiembre 2010, Vitoria-Gasteiz.

http://www.amarika.org/play/

2010-05-20T08:46:00.002+02:00

La Escuela de Junio es un laboratorio experimental sobre arte y educación organizado por el grupo de trabajo Co·labor. La Escuela de Junio es un conjunto de actividades dirigidas a desarrollar nuevos enfoques didácticos en la educación artística y se celebrará del 2 al 5 de junio en Rampa, espacio de producción independiente ubicado en Madrid.

Rampa acoge la presentación pública de Co·labor, un proyecto del Aula de Propulsión Escópica. Co·labor es un grupo de trabajo para la puesta en marcha de un programa de estudios independiente orientado hacia la experimentación de metodologías investigadoras y a la producción de conocimiento divergente. El grupo, formado por artistas y creadores madrileños, viene reuniéndose en privado desde febrero de este mismo año, e inicia ahora en Mayo su actividad pública a través de su web, la presentación de su boletín y los encuentros planeados para junio y la temporada de otoño.

La Escuela de Junio se compone de varias actividades en las que cada miembro del grupo de trabajo pondrá en práctica los contenidos y metodologías de su propia línea de trabajo. Para ello invitamos a todo investigador, estudiante o profesional interesado a participar en la escuela a generar debate sobre el interés, los contenidos o la viabilidad de la iniciativa.

Sobre el evento: http://proyectorampa.net/laescueladejunio/

Sobre Co·labor: http://escopica.net/colabor/

Museos y futuro

2010-05-18T12:24:00.002+02:00

Un año más, los museos de todo el mundo celebran el 18 de mayo el Día del Museo, una jornada en la que se quiere recordar a la sociedad que las tareas que tienen asignadas derivan del mandato de colaborar en el desarrollo de una ciudadanía instruida, crítica y democrática. Pero la de hoy no es exactamente una jornada de celebración, pues en estos últimos tiempos poco hay que celebrar en los museos de casi todo el mundo, sino una jornada de recuerdo del compromiso con las obligaciones culturales y cívicas que la propia sociedad ha establecido que los museos tengan.

La lógica económica, hasta ahora, ha hecho que las crisis y sus consecuentes reducciones presupuestarias se ceben con los sectores menos productivos, considerados incluso ornamentales por la sociedad y por los poderes públicos. Entre ellos, sin duda, se encuentra la cultura en general y los museos en particular (en 2010 las reducciones en los presupuestos de los museos de arte contemporáneo en España han oscilado entre un diez y un treinta por ciento). Sin embargo, en un momento económico como este en el que estamos inmersos, la lógica utilizada hasta hoy no es la que debería aplicarse a la cultura: necesitamos un cambio de modelo productivo, y parece que todos estamos de acuerdo en esto.

Se ha demostrado que la cultura, en los últimos años, es un sector en crecimiento (de hecho, hace ya tiempo que se habla de industrias culturales), capaz de aportar, según el avance ofrecido por la Cuenta Satélite de la Cultura, casi un cuatro por ciento al producto interior bruto. Por sectores, las artes plásticas se sitúan en el cuarto lugar de las aportaciones con las que se mide dicho índice. Es indudable que en la última década los museos se han convertido (en especial los dedicados al arte contemporáneo) en elementos articuladores de numerosas empresas relacionadas con el sector: galerías de arte, empresas de transporte y montaje, gabinetes de diseño, empresas de restauración, imprentas, revistas de arte, etc. Quiere decir esto que, por fin, los museos hemos empezado a quitarnos el sambenito de la falta de productividad en términos económicos; pero, además de empezar a valorarnos como un sector que tiene mucho que aportar a la nueva economía, debe añadirse lo que realmente aportan los museos a la sociedad: creatividad, innovación, educación, investigación, conocimiento y conservación del patrimonio colectivo. Es esta la verdadera contribución social de los museos, una contribución cuyo valor se mide en el largo plazo y no en el inmediato. Invertir en cultura, invertir en patrimonio, conocimiento y educación es construir futuro.

Por todo ello insistimos en la necesidad de mantener el apoyo institucional y social a las estructuras museísticas, que aún están en pleno desarrollo; cortar su impulso, castigando sus ya escasos presupuestos, es cercenar un futuro mejor para nuestra sociedad.

Lo celebramos el 18 de mayo, sí, pero todos los días que los museos abren sus puertas y ofrecen contenidos valiosos son el Día del Museo porque, en el fondo, todos los días son el Día del Público.

Comunicado oficial de ADACE (Asociación de Directores de Arte Contemporáneo).

http://www.adace.es

Mujeres en las artes

2010-05-13T09:23:00.004+02:00

Una mirada al organigrama de los museos de arte en España evidencia que responden a una estructura piramidal, jerarquizada según un modelo masculinizado. Mientras en dirección y en patronatos las mujeres son minoría, sin embargo, el porcentaje se invierte en términos de género en un arco comprendido entre el 85% y el 95% para los cargos subordinados que desarrollan toda la actividad de estas instituciones, ocupados sistemáticamente por mujeres como conservadoras de sección, coordinadoras, departamento didácticos y de comunicación, etc.

En un análisis más detallado sobre la dirección de los museos de arte destaca que la disminución de profesionales mujeres en puestos de dirección se acentúa cuando se trata de museos de alto rango, de más importancia y prestigio y mayores presupuestos económicos. Quizás este pueda ser el motivo de que en Madrid, las veinte instituciones principales estén copadas mayoritariamente por profesionales hombres.

Con ocasión del Dia Internacional de los Museos a celebrar el próximo 18 de mayo, la Asociación de Mujeres en las Artes Visuales Contemporáneas (MAV) -compuesta por 200 profesionales, y que cumple ahora un año de su constitución- ha elaborado un informe que denuncia el "modelo masculinizado" que rige la gestión institucional del arte contemporáneo en Madrid, donde -se recuerda- sólo uno de los 20 museos contemplados -incluídos también museos de arte antíguo- está regido por una mujer mientras que en Barcelona son 4 las mujeres que dirigen alguno de los 15 centros analizados.

Como consecuencia de estos datos, desde MAV se preguntan "si puede atribuirse a este 'modelo masculinizado' la carencia de arte producido por artistas mujeres en las colecciones públicas, debido a la escasez de adquisiciones y, por tanto, la consecuente distorsión en el mercado artístico. ¿Depende de la pertenencia de los directivos al género masculino que expongan tan pocas artistas mujeres en sus instituciones, que en las colectivas sean casi siempre 100% artistas hombres, o que muy pocas comisarias puedan realizar exposiciones en Madrid?

www.mav.org.es

Manifest-Acción!

2010-05-12T17:14:00.003+02:00

¿Eres artista y no estás de acuerdo con el pago mínimo o nulo por tu trabajo? ¿Cansado de la falta de apoyo a la creación por parte de las instituciones? ¿Hastiado de los procesos de legitimación del mundo del arte?

Ven a Manifest-Acción!, jornada reivindicativa para reclamar por unas estructuras de trabajo y apoyo a la creación más próximas a las necesidades de l@s artistas contemporáneos.

17 h. Pintada de pancartas e impresiones en vestimentas. Terraza de Off Limits.

18 h. Performance-conferencia sobre la construcción del índice de precariedad artística (I.P.A)

19 h. Acción colectiva, frente al Museo del Prado y el Museo Reina Sofía, en rechazo a la precarización de las prácticas artísticas.

¡¡YO NO QUIERO TENER BUENA SUERTE, AGÁRRATE FUERTE, VEN A LA MANIFEST-ACCIÓN!!

Viernes 14 de mayo.
Espacio Off Limits
Calle de la Escuadra, 11. Madrid.

www.offlimits.es

intransit

2010-05-09T20:17:00.004+02:00

La evolución de la compleja situación socio-económica actual obliga a realizar, por parte de la institución universitaria pública, una labor de concienciación a la ciudadanía sobre el valor del trabajo creativo. Entender la cultura como una actividad principal que nos permita aspirar a disponer en un futuro próximo de estándares productivos homologables a los de los países más avanzados, que desde hace décadas se sirven de modelos de crecimiento basados en la educación y el conocimiento.

Es una necesidad imperante el hacer visible este rico capital simbólico y permitir que los creadores realicen su devolución a la sociedad. Los artistas jóvenes, son la cantera de la industria cultural del país, que ya aporta en torno al 4% del PIB nacional.

Sin embargo, las salidas profesionales a sus propuestas son insuficientes, su trabajo se realiza en un contexto de precariedad, y no se da el necesario reconocimiento social a su labor.

La visita al lugar donde el artista trabaja es una práctica habitual dentro del esquema de relaciones e intereses profesionales que se generan entre los creadores y los diferentes agentes culturales durante el desarrollo de su vida profesional. Esta forma de aproximación a la obra de los artistas está ligada a la existencia de residencias, espacios de producción y talleres de trabajo, que facilitan el encuentro y la puesta en común de ideas y estrategias. Esta práctica, ampliamente extendida en muchos países europeos, es un elemento clave en el desarrollo de las carreras profesionales de los artistas, especialmente de los jóvenes y emergentes.

intransit es una plataforma creada por la Universidad Complutense de Madrid que apuesta por establecer pautas profesionales de trabajo entre la comunidad artística universitaria y los agentes culturales que operan en cada sector.

La plataforma se conforma como una convocatoria pública, una exposición de proyectos y un archivo digital en la red.

_Convocatoria pública. La selección de proyectos se realizará mediante convocatoria pública por un comité independiente de expertos que evaluará los trabajos presentados y entrevistará a los creadores candidatos.

_Exposición en el Centro de Arte Complutense. La presentación de proyectos irá destinada a profesionales del sector de las artes visuales como: medios de comunicación especializados, galerías de arte, directores de museos, comisarios de exposiciones, programadores de centros culturales, responsables de plataformas independientes, etc.

_Archivo digital de creadores universitarios. A través de la convocatoria se va a generar una herramienta digital en formato archivo web multimedia que permita dar visibilidad a los trabajos de los creadores. Con este fín, los seleccionados no renuncian a sus derechos sobre el material gráfico y audiovisual, autorizando de forma temporal y sin carácter de exclusividad su publicación.

www.intransit.es

Los artistas del barrio

2010-05-06T16:48:00.003+02:00

Los próximos días 8 y 9 de mayo se celebrará en Madrid la séptima edición de "Los Artistas del Barrio", cita bienal que ofrece al público contemplar arte fuera de los circuitos en los que éste se muestra habitualmente. Sólo durante el próximo fin de semana abrirán sus puertas a los visitantes interesados 46 casas, talleres y espacios culturales donde viven y crean más de un centenar de artistas, mostrando de primera mano, no sólo su producción, sino también su forma de vida y sus mecanismos de trabajo.

Entre los creadores participantes, que emplean disciplinas y formatos muy heterogéneos, destacan veteranos en esta muestra como Susan Mowbray o Charles Orlsen y autores emergentes como el fotógrafo Zdenek Tusek, el colectivo Bonus Extra o la editorial La Más Bella. Algunas galerías y espacios de arte alternativos de la zona (como Columpio, Espacio Espora o E-4 Arte) también se unirán a esta propuesta, así como grupos de intervención urbana como La Pluma Electrik y Esta es una Plaza.

En dos puntos de encuentro preparados para la ocasión, la Casa de los Jacintos y el bar Badulake, el público podrá adquirir una guía de los artistas participantes en este certamen y un mapa donde poder localizarlos.

Este innovador concepto de exposición nació en Bruselas de la mano de Eponine Franckx, y antes de su entrada en Madrid ya había sido implantado con éxito en otras capitales europeas, como París o Barcelona.

www.losartistasdelbarrio.net

Trabajo, excelencia y rigor

2010-04-30T15:45:00.004+02:00

El director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, ha sido designado miembro la American Academy of Arts and Sciences (Academia Americana de las Artes y las Ciencias). Se une así a una inmensa lista de personalidades célebres, que han pertenecido (la Academia se creó en 1780) o pertenecen a la prestigiosa organización: John Adams, James Bowdoin, Benjamin Franklin, Thomas Jefferson, George Washington, Alexander Graham Bell, Charles Darwin, Albert Einstein, John F. Kennedy, Martin Luther King, Henri Cartier-Bresson, Winston Churchill, Pablo Neruda, Laurence Oliver o Alexander Solzhenitsyn.

Los miembros, según la Academia, “han destacado por su pensamiento innovador en todo tipo de materias y profesiones; entre ellos se incluyen más de doscientos cincuenta premios Nobel y Pulitzer”. A la hora de elegir un nuevo miembro, la Academia tiene en cuenta, y así rezan sus estatutos, su aportación de cara a “la innovación intelectual, con el fin de preservar el arte y la ciencia y que ello represente un avance para la independencia, y la dignidad social”.

La Academia Americana de las Artes y las Ciencias, con sede en Cambridge (Massachussets, EEUU), fue fundada en 1780. Es un centro de investigación independiente que lleva a cabo estudios multidisciplinarios sobre problemas complejos y emergentes. Los miembros electos son personalidades de reconocido prestigio en diversas disciplinas: las artes, las ciencias y los asuntos públicos.

La Academia tiene varios objetivos: La promoción de acciones y el estudio mediante el análisis de críticos e intelectuales de cuestiones sociales y el desarrollo de alternativas de política práctica; fomentar la participación pública y el intercambio de ideas a través de reuniones, conferencias o simposios, aportando perspectivas para el examen de cuestiones de interés común. Asimismo, se interesa por la creación y promoción de una nueva generación de estudiosos y pensadores a través del Programa de Investigadores Visitantes y del Programa de Becas Hellman.

http://www.amacad.org

Miedo y crisis

2010-04-29T19:23:00.004+02:00

La intervención-exposición de DosJotas "Cerrado por quiebra", programada del 20 de abril al 3 de mayo en la sala "Espacio F", situado en el mercado de Fuencarral en Madrid, ha sido censurada por el centro comercial debido a que daba mala imagen.

El proyecto, consistía en colocar un cartel en la puerta de la sala de exposiciones "Espacio F", en el Mercado de Fuencarral, centro comercial de Madrid, con la frase "cerrado por quiebra".

Durante el tiempo que durase la exposición la sala debía de permanecer cerrada.

Esta situación duró un día, el propio centro Mercado de Fuencarral, decidió que ese cartel podía crear confusión entre sus consumidores y a su vez dañar la imagen del propio mercado, por lo que decidió quitar el cartel y abrir la sala, sin preguntar o dar explicaciones al artista o a la organización del espacio expositivo.

La obra pasó de "cerrado por quiebra" a "censurado por mala imagen".

DosJotas es el alter ego de un artista madrileño que viene convirtiendo meros peatones en espectadores de obras de arte urbano que invitan a reflexionar sobre la sociedad de masas, la seguridad. DosJotas focaliza su trabajo sobre el arte urbano, un arte “low-cost” , en algunos caso al limite de la legalidad y en muchos casos auto subvencionados.

http://www.publico.es/culturas/306424/arte/politico/toma/calle

Arquitectura y precariedad

2010-04-27T17:41:00.004+02:00

Las empresas de arquitectura constituyen un conjunto empresarial altamente especializado que goza de una tradición y un prestigio social sólidos, y que ha vivido recientemente una época de gran prosperidad. Sin embargo, los trabajadores/as de este sector (la base de la pirámide) ha sido y es maltratada en materia laboral. Las prácticas laborales ilegales contra profesionales de estas empresas son generalizadas. De manera inconsciente los estudios de arquitectura se han adentrado en la precariedad y el subempleo, arruinando el prestigio social y la idea de calidad inherente a la profesión.

A pesar de que algunos colegios profesionales han hecho esfuerzos importantes, (COAM, COAC) parte del problema es que carecen de algunas competencias necesarias para ello, como por ejemplo, la negociación colectiva, siendo éstas explícitamente reconocidas por la Constitución a los sujetos protagonistas del conflicto, sindicatos y patronal.

Por ello, el SAE fue constituido el 2 de noviembre de 2009, por un grupo de arquitectos y arquitectas que llevaban tiempo trabajando, desde diferentes frentes, en la defensa de los intereses del sector.

Un paso muy importante en la defensa de los derechos laborales de los arquitectos/as y demás profesionales de la Arquitectura, que complementará las acciones informativas que algunos Colegios de Arquitectos (Madrid, Barcelona) y el CSCAE (Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España ) han llevado a cabo para la erradicación del empleo ilegal y la precariedad laboral en el ámbito de la arquitectura.

El ámbito profesional del SAE es el de arquitectos/as y profesionales de la arquitectura, en un sentido amplio, definiéndose éste en sus estatutos. Aunque el sindicato nace de un colectivo de arquitectos/as, el ámbito profesional se ha abierto al resto de trabajadores/as empleados/as en empresas del mundo de la arquitectura, entendiendo el sindicato como una corporación de defensa de intereses generales de los trabajadores/as de estas empresas.

¿Qué tipo de Arquitectos? Becarios, Profesores , Investigadores,empleados contratados, arquitectos en promotoras o empresas de tasación, falsos autónomos, arquitectos autónomos, arquitectos autónomos en pequeños estudios de arquitectos asociados, etc.

Presentación SAE. Jueves 29. a las 19.30
Madrid Hub, C. Gobernador 26, (detrás del Caixa Forum)

www.sindicatoarquitectos.es

¿Quién está detrás de la cultura?

2010-04-23T17:44:00.002+02:00

La producción estética actual se ha integrado en la producción de mercancías en general. Las prácticas artísticas generadas en el Estado español a finales del siglo XX y principios del XXI, así como las políticas culturales impulsadas por las instituciones, deberían analizarse teniendo en cuenta las transformaciones producidas en la relación entre economía y cultura y el nuevo rol asignado a las llamadas industrias creativas.

Los efectos de estas transformaciones se pueden apreciar en Andalucía a través de la puesta en marcha de una serie de iniciativas que, presentadas como apoyo e impulso al arte "más innovador", esconden la aplicación de recetas de corte neoliberal al ámbito de la producción cultural: estímulo de la forma-empresa y la inversión privada, fortalecimiento de la figura del emprendedor cultural, externalización de funciones de lo público, extracción de rentas inmobiliarias a través de planes aplicados a los llamados "distritos creativos", etc. En este mismo marco hay que situar la celebración de bienales, la creación de nuevos centros de arte, espacios, programas, la organización de congresos y encuentros sobre industrias culturales o algunas reestructuraciones administrativas.

Con el propósito de superar este marco de trabajo e imaginar una transformación de la actual situación, en el año 2008 se constituye REU08, una plataforma que pretende: estimular la creación de proyectos colectivos que trabajen por lo común; amortiguar la polarización que, en estos momentos y en diversos ámbitos, se produce entre prácticas políticas y prácticas estéticas; desarrollar una coinvestigación sobre las condiciones (tanto reflexivas y propositivas como de sustento de la vida) en las que se mueven lxs creadores y sobre las políticas institucionales que les afectan. Crear, en definitiva, una estancia o espacio de transacción que ayude a revisar conceptos, promover puntos de acercamiento, equilibrar capacidades enunciativas, establecer cierta referencialidad, activar aquellas prácticas que generan imágenes, alegorías y textos que resaltan las dimensiones pedagógicas y cognitivas de la cultura.

Las Jornadas de presentación del proyecto REU08 en Sevilla, tendrán lugar los días 28, 29 y 30 de abril de 2010 en la sede del Rectorado de la UNIA.

www.r08.es

6 Euros

2010-04-23T17:08:00.003+02:00

Presupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad es una exposición de los proyectos seleccionados en la convocatoria del mismo título, una denuncia creativa de Cabello/Carceller.    

A pesar de que en gran parte de la sociedad permanece asentada la idea de que el arte y los artistas ocupan un espacio económicamente boyante, se trata de un contexto en el que los modos de hacer están cada vez más extendidamente precarizados. La exposición se plantea como una propuesta abierta desde la consciencia de que esa situación debe mejorar así como de la necesidad de su denuncia para poder pensar el presente.   

Artistas invitados: Jana Leo y Daniel G. Andújar.  Artistas participantes: Art to Complete, Bonifacio Barrio Hijosa, Ángela Cuadra, Ignacio Chávarri, Alberto de Pedro, colectivo 3x2, colectivo Daños Colaterales, colectivo Dientes de Ojo, Momu & No Es, colectivo Sécolectivoforzoso, Javier Cruz, Fermín Diez de Ulzurrun, DosJotas, colectivo: [E.G+Y.M], Juan Gil Segovia, Juan Gimeno Ramallo y Antonio Díaz Correa, Albano y Cristina González, Nuria Güell, José Jurado Gómez, José Antonio Juárez Seoane, Natalí Larriera Glasserman, Ana Matey, Sofía Misma, Daniela Ortiz, Elvira Palazuelos, Alfred Porres Pla, Anna Raimondo, Miranda & Mirón, Ben Roberts Eclectiktronik, Mikel Telleria y Alejandra Valero.

Exposición en Off Limits
Presupuesto: 6 euros. Prácticas artísticas y precariedad
Del 23 de abril al 21 de mayo L a V 12 a 20 h S de 12 a 14 h

Artículo de Bea Espejo en El Cultural:

http://www.elcultural.es/noticias/ARTE/427/Bajo_minimos-_Es_el_arte_precario

+Info:

www.offlimits.es

Interreg

2010-04-06T14:35:00.002+02:00

El programa Interreg Ciudades 3.0 ha cerrado su primer año de funcionamiento con un balance más que satisfactorio. En el marco de este proyecto, las ciudades de Huesca, Tournefeuille y Olot movilizan y mutualizan recursos culturales y socios artísticos en relación con todas sus redes internacionales, para convertirse conjuntamente en lugares de experimentación cultural. En esta perspectiva, el proyecto es realmente transnacional. Fue concebido conjuntamente mediante numerosas reuniones e intercambios de textos, ideas, propuestas durante todo el año 2007. Su realización y evaluación se hará también conjuntamente.

Elaborado a partir de las políticas culturales de las tres ciudades, el proyecto abarca las grandes directivas de la Agenda 21 por la Cultura y de la declaración de la UNESCO sobre la diversidad cultural. En esta óptica, se busca sistemáticamente la creación o consolidación de empleos, el respeto del medio ambiente y del desarrollo sostenible, la igualdad de oportunidades y el uso de las nuevas tecnologías de la información y de la comunicación.

La ciudad se convierte así en un laboratorio urbano donde se construye una nueva centralidad, una nueva relación entre el arte, el territorio y los habitantes, en un proceso de experimentación compartida, involucrando ideas y acciones, responsables políticos y artistas, gestores y escritores, arquitectos y artistas plásticos, diseñadores y coreógrafos, músicos e inventores, urbanistas y escenógrafos..., para inventar la ciudad de mañana, la ciudad versión 3.0.

Este proyecto se inscribe en la continuidad de una acción llevada a cabo entre 2004 y 2006 por las ciudades de Huesca y Tournefeuille, en el marco del Interreg IIIa. En términos de valor añadido, ahora se intenta consolidar las estructuras, los equipos y las acciones en estas dos ciudades, a la vez que todo ello se extiende a una tercera ciudad, Olot.

Según la evaluación del primer proyecto, se decidió que Ciudades 3.0 abarcaría un importante dispositivo de transferencia de buenas prácticas, desde un punto de vista teórico (reflexión, estudios, ideas, intercambios sobre logros y dificultades, formaciones transnacionales, etc.) y también práctico (acciones transnacionales de concepción y realización exclusivamente conjunta para mutualizar los recursos y los medios y realizar conjuntamente lo que una ciudad sola no podría).

Ciudades 3.0. LaboratorioCulturaFuturo encaja perfectamente en el objetivo de "Estructuración territorial" del eje 3 del programa operacional de cooperación territorial España-Francia-Andorra (Interreg IVa).

A fecha de hoy, este programa operativo de cooperación territorial que cuenta con un presupuesto de más de un millón y medio de euros, ya ha ejecutado el 48% del montante económico total.

www.ciudades3-0.eu

Madrid Procesos

2010-03-15T10:45:00.002+01:00

AVAM, Artistas Visuales Asociados de Madrid, con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, convoca un concurso para la selección de cuatro proyectos artísticos inscritos en Madrid Procesos 10. Esta convocatoria es una iniciativa promovida por AVAM para la mejora de las condiciones de producción y creación de los artistas plásticos y visuales.

Los objetivos de Madrid Procesos 10 son, ofrecer apoyo en la coordinación y financiación de los proyectos artísticos objeto de la ayuda, favorecer la experimentación y los procesos de producción, analizar y visibilizar diferentes modelos de producción artística contemporánea, destacando los condicionantes que van determinando su desarrollo, respetar los derechos profesionales y de autor y favorecer la creación artística madrileña y su difusión, promoviendo una cooperación internacional activa.

Las líneas de actuación la constituyen un programa de apoyo a la coordinación y asesoramiento para la producción de los proyectos artísticos, un programa de movilidad con ayudas para producción artística y su difusión internacional, en colaboración con la Sociedad Karl Hofer (Berlín) y finalmente un programa de difusión, visibilización de la investigación, utilización de recursos y ejecución de los proyectos seleccionados para Madrid Procesos, a través de su difusión en medios de comunicación, y la publicación de un catálogo digital.

+Info: www.avam.net

El profesor abre la espita...

2010-03-10T15:03:00.007+01:00

Por primera vez en la Comunidad Valenciana, el sector de la cultura se ha unido sin fisuras para denunciar el acto de censura cometido por la Diputación de Valencia y que supuso la posterior dimisión de Romà de la Calle como director del MUVIM Museu Valencià de la Illustració i la Modernitat. Artistas, galeristas, críticos y periodistas culturales han arropado a De la Calle, catedrático de Estética en la Universitat de València y presidente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, en un acto convocado por la Asociación Valenciana de Críticos de Arte -AVCA, la asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón -AVVAC y Ciutadans per una Cultura Democràtica i Participativa, en el propio museo y a través de comunicados públicos y manifiestos de apoyo.

El presidente de la Asociación Valenciana de Críticos de Arte, José Luis Pérez Pont, ha reclamado una gestión cultural sin más ingerencias políticas, ha pedido consenso para seleccionar al futuro director del Muvim. "Si la plaza queda vacante con motivo de la dimisión del profesor Romà de la Calle, exigimos que se abra un concurso público para cubrir la dirección del mismo; bajo ningún concepto estará bien visto por nuestra parte que se admita otro tipo de nombramiento que no pase por un concurso de buenas prácticas conforme al sector de las artes visuales viene reclamando a nivel nacional". De hecho, ha recordado que ese sistema ya se ha empleado por partidos políticos de diversos colores en museos como el Reina Sofía de Madrid, el Musac de León, el Macba de Barcelona.

La exposición Fragments d'un any 2009, que la Unió de Periodistes Valencians decidió retirar del Muvim tras la censura de diez de sus fotos, se exhibirá en su totalidad en una galería de arte de Valencia. Según ha anunciado la Unió, la exposición podrá verse en la galería Tomás March durante un mes y posteriormente viajará a otros puntos de la Comunidad Valenciana y a Madrid. Desde que el pasado viernes la Diputación de Valencia, titular del museo, retirara las fotos políticas de la muestra, varias instituciones, entidades y ayuntamientos se han ofrecido a acogerla. Entre ellas, la Asociación de la Prensa de Madrid, que ha ofrecido su sede para acoger la exposición que, por séptimo año, resume la actualidad de 2009 a través de 91 instantáneas de 38 fotógrafos.

Desde numerosas plataformas de todo el país se han realizado muestras de apoyo, incluida la del Instituto de Arte Contemporáneo IAC y es ya un clamor en el sector de la cultura que el comportamiento de Romà de la Calle, que ha preferido abandonar su cargo y defender su honorabilidad y su dignidad, le convierte en un ejemplo a seguir, en una demostración de que es posible defender la dignidad y la ética profesional como un valor contra la censura y la ausencia de prácticas democráticas en la gestión del arte y la cultura.

http://www.iac.org.es/ante-la-dimision-de-roman-de-la-calle-en-el-muvim

La Tabacalera de Lavapiés

2010-03-09T18:36:00.004+01:00

El centro social La Tabacalera se está abriendo por medio medio de unos grupos de trabajo que se autorganizan según la fases de desarrollo del proyecto. Por ahora, un grupo de gentes diversas, denominado núcleo duro, se ha ocupado de tirar las primeras líneas y allanar, mediante negociaciones y acuerdos, la entrada con el Ministerio de Cultura, responsable del edificio, y con la gente que van a habitarlo: colectivos, vecinos, etc. En estas primeras labores, ya se han llevado a cabo tareas de comunicación y de documentación.

Tras la asamblea celebrada el pasado 3 de Marzo en Traficantes de Sueños y la última reunión del nucleo duro con el Ministerio de Cultura al dia siguiente, algunas cosas comienzan a perfilarse. Con la idea de poner en marcha el proceso de la forma más abierta y participada posible se ha propuesto la entrada al edificio por fases:

Fase 1 (2-3 semanas): se centraria en los trabajos de acondicionamiento de seguridad, con un acceso “restringido”, sin actividad pública y que sería el tiempo de organización inicial en grupos de trabajo que preparen y piensen la fase 2.

Fase 2 (2-3 semanas): acondicionamientro colectivo del espacio y sesiones, talleres y reuniones de discusión y diseño de las líneas principales de definición del funcionamiento, ordenación y gestión del espacio. Esto va a ser un proceso permanente, pues uno de los objetivos del “experimento” es tratar de diseñar un modelo participado de gestión democrática de la producción social, política y cultural, sobre el valor de lo común y la cooperación. Se trata en esta fase, de establecer las bases mínimas de funcionamiento así como las líneas de interes a trabajar a medio-largo plazo. Las decisones serán, por tanto, revisables, en la medida en que se experimente en la práctica su acierto o error.

Fase 3: Apertura con actividad pública. A partir de este momento, el acceso será público, se generará programación y se pondrá en marcha la maquinaria experimental de funcionamiento. Aproximadamente a mediados-finales de abril.

Los cinco grupos de trabajo iniciales que se proponen, cuya definición y convocatoria de reunión se irán publicando en la web, para poder sumarse a uno o varios de ellos son:

-grupo1 de diseño y adecuación espacial.
-grupo2 de recuperación del patio central
-grupo3 de diseño del proceso colectivo.
-grupo4 comunicación-documentación.
-grupo5 “cocinillas”.

Más información sobre las primeras convocatorias de conformación de grupos, otros materiales de interes para el proceso (como los generados en el proceso de reivindicación de la tabacalera de hace 5 años, planos elaborados, enlaces a proyectos de gestión del común afines, etc) que ayuden a pensar y generar líneas propias de trabajo.

www.latabacalera.net

Mapear Madrid

2010-03-02T09:17:00.007+01:00

MAPEAR MADRID. Una cartografía sobre el sector de las artes visuales en Madrid

Presentación de la plataforma digital www.mapearmadrid.net

CA2M Centro de Arte Dos de Mayo. 9 de marzo a las 13:00 h.

Los creadores contemporáneos se enfrentan a un contexto global que requiere de la unión de la comunidad artística. Es necesario crear redes colaborativas eficaces que permitan el desarrollo de proyectos acordes a las exigencias del arte actual (nuevas tecnologías, equipos multidisciplinares, unión de recursos y comunicación entre los mismos).

A partir de este contexto se propone Mapear Madrid, una investigación técnica concebida para trazar una cartografía general del tejido cultural y las estructuras artísticas, además de identificar los diferentes sectores y agentes involucrados.

Por medio de dicho estudio, se busca crear una plataforma que interrelacione a los profesionales de la cultura con la universidad, los movimientos sociales, la ciencia, la industria y la ciudadanía; potenciando la proyección cultural, nacional e internacional, de Madrid.

La plataforma digital, www.mapearmadrid.net, que estará disponible a partir del próximo 9 de marzo, tendrá una doble utilidad para los profesionales de las artes visuales:

1) Mostrar la cartografía del sector que identifique sobre el territorio los agentes que actúan en la Comunidad de Madrid. Dicha visualización estará basada en cuatro indicadores: Nodos, Vectores, Temperatura e Intensidad.

2) Proporcionar una herramienta de trabajo para proyectos futuros. Ésta facilitará información categorizada y ordenada sobre otros agentes, espacios alternativos, formas de producción, actualidad de proyectos en curso y financiación de los mismos.

Mapear Madrid es un proyecto iniciativa del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y desarrollado por PENSART.

DIRECCIÓN
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda. Constitución, 23
Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org

INDICACIONES DE ACCESO
Metro: L12 Pradillo
Cercanías: C5 Móstoles (23' desde Embajadores)
www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/el_centro/ubicacion.html

+ Info: www.madrid.org/centrodeartedosdemayo/actividades/pensamiento/mapear.html
www.pensart.org/index.php/proyectos/ver/8/

Jóvenes pensando Tabakalera

2010-02-23T13:20:00.002+01:00

T-kosistema es un proyecto diseñado por Amasté en formato de talleres para Tabakalera Donostia con el objetivo de activar mecanismos informales de participación desde/con l*s jóvenes respecto al futuro de Tabakalera. Se trata de un espacio de encuentro, acción y reflexión, donde poner en juego las inquietudes, gustos, deseos e iniciativas de cada cual respecto a la cultura audiovisual, explorando nuevas fórmulas de actuación.

Así que, si vives en Gipuzkoa, tienes entre 15 y 25 años, te interesa el cine, el arte contemporáneo, la creación en general, haces vídeos, vas a conciertos, participas en festivales, posteas en un blog, tocas música con cualquier cosa, organizas eventos, subes tus fotos a internet o, simplemente, quieres hacer que en tu entorno pasen cosas que te gusten. Entonces, eres parte de T-kosistema.

Cuatro talleres, los días 25 y 26 de febrero, y 4 y 5 de marzo, de 18 a 20 horas en Tabakalera (Donosti).

TBK-topolariak
Investigador*, ¿qué cuentan estos muros? Analiza las pruebas y construye tu historia. Explora el edificio y captura vídeos, toma fotos, escribe textos, dibuja mapas, etc.
25 de febrero de 2010.

TBK-zenosia aztertzen
La riqueza del T-kosistema está en su diversidad. ¿Quiénes forman TBK? Encuentra sus organismos.
26 de febrero de 2010.

Sare TBK-trofikoa
Nutrición, relación, producción, transformación… ¿Cómo funciona
T-kosistema? Establece su funcionamiento.
4 de marzo de 2010.

TBK-sfera eraikitzen
TBK no está sola en la biosfera donostiarra. ¿Qué otros ecosistemas se relacionan con ella?
5 de marzo de 2010.

Apúntate mandando un e-mail a: info@tabakalera.eu

Más info en:

http://www.tabakalera.eu/Actividades/proximas/t-kosistema-pensando-tabakalera-paradesde-los-jvenes/subsubseccion,0/subseccion,12&actividad=73/

Salones y cocinas

2010-02-22T20:39:00.004+01:00

No teníamos suficiente con uno, para que encima quieran hacer otro, con el propósito de repetir esa supuesta fórmula de éxito que supuso el primero. La Diputación de Bizkaia se ha propuesto impulsar en Urdaibai una nueva franquicia, pese a quien pese, enfrentándose al Gobierno Vasco, su socio en Bilbao, junto al que en breve deberá renegociar las condiciones de renovación o no del contrato con la fundación Guggenheim de Nueva York.

Así, se está viviendo una paradógica controversia política (escenificación del enfrentamiento del PNV con el PSE), económica (agudizada por la crisis) y ecológica (el enclave es una reserva de la biosfera), en la que como suele pasar, de lo que menos se habla es de cultura. Porque en realidad, lo cultural no es más que la excusa y la caja de la que sacar el dinero, para esquilmar aun más, los ya de por si pobres presupuestos dedicados a otras actividades culturales que no sean meramente instrumentales y/o espectaculares.

Un crudo debate que se está manteniendo a nivel institucional, amplificado mediáticamente y que desde el Foro Cultura Abierta se quiere acercar a la ciudadanía en general y a los agentes culturales en particular, promoviendo un debate más democrático y participativo, con el proyecto del Guggenheim Urdaibai como excusa, para hablar sobre qué políticas artísticas y culturales deben desarrollarse en este contexto.

La idea de ampliar el Museo Guggenheim a la Reserva de Urdaibai y convertirlo mediante una cuantiosa inversión en un elemento motor de la economía de la zona, está generando una nueva controversia de índole política, económica, ecológica y cultural. Hasta ahora tal polémica se ha circunscrito sobre todo al ámbito institucional y al mediático; sin embargo, desde el foro Cultura Abierta se quiere promover un debate orientado a la sociedad y, de modo más específico, a la red plural de creación y de investigación, y a otros agentes culturales.

Para ello, se ha organizado un encuentro abierto, para hablar sobre distintas cuestiones, que directa o indirectamente tienen que ver con las políticas culturales, la práctica artística, la necesidad de re-definir la idea de museo y otras grandes instituciones culturales, el turismo frente al empoderamiento ciudadano, la proliferación de las industrias culturales y creativas y la adopción de determinados modelos socio-económicos como apuesta de futuro.

Ponentes:

Joseba Arregi / ex consejero de cultura del Gobierno Vasco
Xabier Laka / artista y profesor en la Facultad de Bellas Ar tes
Miren Jaio / crítica de arte y profesora de la UPV-EHU

Biblioteca de Bidebarrieta. Bilbao
26 de febrero, viernes, 19.30 h.

http://kulturabierta.org

Mástil de proa

2010-02-14T20:00:00.005+01:00

El próximo 19 de febrero se presentan conjuntamente en Off-limits, espacio alternativo de Madrid, los 3 proyectos más representativos y prestigiosos del desarrollo en España del campo de los estudios críticos y visuales.

ESTUDIOS VISUALES es la revista de carácter ensayístico y universitario publicada bajo el patrocinio del CENDEAC (Centro de Estudios Avanzados en Arte Contemporáneo, Murcia) que se dedica a explorar y promover el desarrollo de los nuevos estudios de crítica de la cultura visual y las formaciones de imaginario, analizando la vida social de las imágenes y su decisivo papel en el mundo contemporáneo.

www.estudiosviuales.net

:: salonkritik :: es la revista de crítica artística y cultural más prestigiosa y leída (35000 páginas vistas mensuales) en el momento actual en castellano. Publicada en formato blog desde 2004, busca conciliar el rigor del análisis cultural y la teoría crítica con el reto que para su desarrollo supone el estar y ejercerse “en línea”.

www.salonkritik.net

Las 3 eras de la imagen: imagen-materia, film, e-image, es el más reciente libro de José Luis Brea, profesor de Estética y Teoría del Arte Contemporáneo de la Universidad Carlos III de Madrid, y el sexto libro que se presenta dentro de la colección Estudios Visuales de la editorial AKAL.

www.akal.com/materias/Estudios-visuales/459/

+Info: www.offlimits.es

Rascar el desconchado

2010-02-13T20:13:00.004+01:00

La PLATAFORMA CRÍTICA SOBRE LA INSTITUCIÓN ARTE EN ESPAÑA se presenta como un foro de debate sobre las instituciones, grupos de poder, programas expositivos y políticas culturales en España. Se quiere así dar visibilidad a una discusión todavía incipiente y que se considera necesaria en la consolidación constructiva y argumentada de un espacio fuera de los intereses de los agentes culturales habituales.

Esta plataforma es ajena, por un lado, a espacios web que amparan el anonimato, que se presentan como cauces de un malestar difuso y que perpetúan la falta de legitimidad de las instancias críticas y de las instituciones culturales en España. Frente al comentario anónimo, que es simétrico en su impunidad a la evasión de responsabilidades de los agentes culturales a los que alude, se ofrece como un foro de debate identificado donde los discursos críticos están sostenidos por sus productores.

La aspiración internacionalista que han mostrado casi todas las nuevas instituciones ha eludido la articulación de los contextos específicos en los que se implantaban y se ha mostrado como proyección narcisista de los agentes que las dirigían. El abandono de los públicos y los territorios en los que han sido creadas convierte a estos centros en símbolos de una perversa comunión de intereses entre la clase política y el circuito “profesional” de los gestores culturales, gestores privados que de manera creciente y alarmante están ocupando parcelas de poder desde el amiguismo, el clientelismo y las prácticas contrarias al derecho.

De estas premisas se derivan algunos de los ámbitos de discusión que propone Brumaria, abierta a colaboraciones de agentes externos:

- Después de ingentes inversiones en promoción artística, la proyección internacional de nuestros artistas sigue siendo nula.

- Los ritmos que marcan el devenir del arte español vienen marcados desde los espúreos y cortoplacistas intereses de los partidos políticos en el ejercicio del poder.

- El papel de la Universidad española en lo que a cuestiones artísticas se refiere es un asunto que sigue sin ser tratado por la crítica en su conexión con los demás déficits del sistema.

- Ante el silencio de la academia –espacio que desde su independencia está llamado a generar investigaciones rigurosas al margen de la mercadotecnia cultural–, las instituciones parecen decididas a escribir la historia reciente del arte en España.

- Las agencias que nacieron con el fin de establecer un diálogo crítico con las instituciones (asociaciones profesionales, espacios independientes) han sido inmediatamente neutralizadas por aquéllas.

Se ofrece un nuevo foro de debate abierto a la intervención y a la réplica de quienes son protagonistas de las prácticas artísticas y críticas en la actualidad.

www.brumaria.net

Una herramienta indispensable

2010-02-11T15:46:00.002+01:00

La LABoral Centro de Arte y Creación Industrial presenta un nuevo espacio. La Mediateca_Archivo está concebida como un lugar para la investigación y la difusión del arte actual y las industrias culturales experimentales. Es un espacio de acceso libre dedicado al estudio y la consulta de fondos especializados en el ámbito de arte, ciencia, sociedad y tecnología. La Mediateca_Archivo ocupa un espacio de unos 165 metros cuadrados en el Centro de Arte. La concepción del mobiliario y distribución de espacios han sido realizados por la arquitecta asturiana radicada en Milán, Patricia Urquiola. La sala dispone de 18 puestos de consulta/lectura y ocho puestos multimedia para consulta y acceso al directorio de contenidos, así como al visionado y audición de los documentos.

Inauguración: Mediateca_Archivo de LABoral

FECHA: martes 2 de marzo de 2010
HORARIO: 18 horas
LUGAR: LABoral Centro de Arte y Creación Industrial

www.laboralcentrodearte.org

Lavapiés, digestión e inmigración

2010-02-05T18:30:00.004+01:00

Los proyectos artísticos de Josep-Maria Martín están centrados en crear, desde el arte, nuevas estrategias de intervención en ciertas estructuras consolidadas en la sociedad actual, pero no por ello carentes de fisuras. El artista cuestiona y critica la realidad sobre la que decide trabajar. Sus piezas hacen hincapié en la idea de proceso, investigación, participación, implicación, negociación y proposición, haciendo que los agentes identificados para cada proyecto se conviertan en verdaderos generadores de un proyecto común.

Para el proyecto "Una Casa Digestiva para un piso patera en Lavapies" se realizó durante varios meses de investigación, un trabajo de campo en el que se realizaron más de 40 entrevistas a profesionales especializados (antropólogos, sociólogos, médicos del aparato digestivo, arquitectos, psicólogos, trabajadores sociales, urbanistas...) y personajes claves del barrio de Lavapies; se localizó a Mouhamadou Bamba Diop (senegalés que vive hacinado junto con otros 16 compatriotas sin papeles en el barrio de Lavapies).

El artista le propuso reflexionar acerca de cómo vivían en el piso patera y que contara su vida en Senegal, su viaje en cayuco y el sueño de todos ellos de volver a su país a crear un futuro para los jóvenes de Kayar (pueblo pesquero senegalés desde donde parten los cayucos)

La intención original del artista de trabajar sobre el piso patera terminó concretándose en proponer a Bamba un contrato que lo incorporara al proyecto permitiéndole legalizar su situación. En enero viajaron a Senegal para dar comienzo a un proyecto socio-económico en Kayar. Madrid Abierto 2010 será una primera fase de esta propuesta.

Programa de actividades:

Proyección del documental y encuentro con la comunidad senegalesa
Terraza de La Casa Encendida, Madrid
Sábados 6 y 20 Febrero 19:30 – 22:00

Proyección del documental
Terraza de La Casa Encendida, Madrid
Domingos 7 y 21 Febrero 19:00

Entrada libre. Aforo limitado.

Os esperamos.

Muchas gracias a todos !!

www.casadigestiva.net

Despegue

2010-02-04T22:31:00.004+01:00

RAMPA es un nuevo espacio de producción independiente en la ciudad de Madrid. Ubicado en el barrio de Carabanchel,
nace de la iniciativa de cinco personas por crear un lugar híbrido que funcione como espacio de trabajo personal y como punto de elaboración e intercambio cultural en el ámbito de la ciudad. Su intención es dar respuesta a la escasez de espacios de exposición, debate y creación cultural no institucionalizados; de esta manera, RAMPA propone un lugar donde idear, albergar y co-producir proyectos que, entre otras cosas, cuestionen los propios formatos de la cultura contemporánea.

RAMPA es una iniciativa de Teresa Solar, Paloma Checa, Carlos Fernandez Pello, Alberto Franco y Antonio R. Montesinos.

El viernes 5 de febrero se inaugura el espacio RAMPA con un evento al que estaís todos invitados.

Será un buen momento para presentar el espacio, las intenciones de trabajo y la programación prevista para el futuro cercano.
Además, habrá charla y baile al son de las melodías de DJ González Sinde Ministry of Sound.

El lugar se encuentra en pleno barrio de Carabanchel, al lado de la parada de metro Urgel, en una zona conocida por su concentración de estudios de artistas.

Dirección: c/ Peñafiel 5 | 28019 | Madrid

+Info: www.proyectorampa.net

Esta es una buena noticia para tod@s !

Arte y economía

2010-01-23T14:13:00.003+01:00

Panorama [New Economy] es un proyecto "in progress" del artista visual Mira Bernabeu. Su primera fase documental pública se realizará en el contexto de Performing ARCO 2010 mediante la realización de 5 acciones específicas:

Este proyecto documental investiga el sistema del arte contemporáneo, tomando como punto de partida el contacto directo y la participación de los diferentes estamentos que lo componen: artistas, galerías, coleccionistas, instituciones y críticos, sin olvidar al espectador/usuario. A través de la colaboración de profesionales de todos y cada uno de estos estamentos se plantea la problemática existente entre los procesos de institucionalización del arte y el papel que juegan en esa legitimación las mediaciones tanto de los “media” como de los “públicos”, en una sociedad que se ordena a través de los medios de comunicación y la producción de servicios. Por tanto, se trata de reflexionar no sólo sobre aquellos factores económicos, políticos y sociales que han influido a lo largo de la historia en la legitimación social del arte, el cual ha tenido y tiene en el patrimonio y el coleccionismo su corolario, sino también sobre las transformaciones del sistema que han provocado las condiciones actuales y que afectan profundamente tanto a la producción como a la gestión o la comercialización.

La centralidad que la cultura exhibe desde los años 80, ha posibilitado fenómenos como las ferias de arte, el boom de los museos y equipamientos culturales o el denominado “bienalismo”, con la activación de economías orientadas a los servicios, la asesoría o la consultoría. Sin embargo, esto no quiere decir que haya aumentado el interés y el conocimiento por las prácticas artísticas, o que haya aumentado el valor social de lo patrimonial, sino que cada vez se recibe el arte como el resultado de las actividades de un sector económico como cualquier otro. La producción de visibilidad y el espectáculo que generan los escenarios del arte se han visto incrementados exponencialmente, siendo un factor importante a la hora de entender la cultura como un recurso económico más sin perder (aparentemente) el estatus que tradicionalmente le venía correspondiendo, es decir, su aura.

Esta nueva situación (aunque ya no tan nueva debido a que se viene produciendo desde los últimos veinte años) refuerza por partida doble la idea principal de este proyecto: por un lado la decisión de que el objetivo último del proyecto es la producción/collage de imágenes y vídeos de carácter documental; y por otro, al desarrollarse el trabajo en el ámbito de Arco, señalar a las ferias de arte como las únicas estructuras de difusión, promoción y comercialización del arte, capaces de competir con el bienalismo, financiado prácticamente en su totalidad con dinero público.

Programa:

Performance Coleccionistas - Miercoles 17 febrero, 13 h.

Performance Artistas - Jueves 18 febrero, 12.30 h.

Performance Instituciones - Jueves 18 febrero, 13.45 h.

Performance Comisarios - Sábado 20 febrero, 12.30 h.

Performance Galeristas - Domingo 21 febrero, 12.30 h.

Todas las acciones se realizarán en ARCOmadrid. Los Angeles 2010

IFEMA. Pabellón 6

Sección Performing

INFO Convocatoria mediadores Performing:

www.pensart.org

Aceite lubricante

2010-01-22T09:22:00.003+01:00

El Ministerio de Economía está dispuesto a ser coherente con su nombre y ha decidido economizar recursos de la cultura. El ajuste llega a la dirección general del Patrimonio del Estado y, a través de ésta , a las tres sociedades estatales que se encargan de la proyección de la cultura española en el mundo, SEEI, SEACEX y SECC, que van a ser fusionadas en una agencia única en los próximos meses.

El entramado institucional del Estado para la imagen española en el exterior y la promoción cultural se asienta en tres sociedades anónimas. Por un lado, la SEEI Sociedad Estatal de Exposiciones Internacionales, que ha estado de actualidad en los últimos días, no sólo por la presentación del pabellón de España en la Exposición de Shanghai, sino también por el cese de su presidente en vísperas de la Exposición Internacional, que ha provocado un relevo azaroso en la presidencia estatutaria de la Sociedad. El nuevo responsable es el diplomático José Antonio Salarich Fernández Valderrama, que desempeñaba hasta ahora la Dirección General de Política Exterior para Asia y Pacífico.

Por otro lado, la SEACEX Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, presidida por Charo Otegui y que tiene como objetivo la difusión de la cultura española en el exterior y participa, por ejemplo, con muestras en las ciudades europeas de la cultura, festivales, etc. Por último, la SECC Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, presidida por Soledad López, se encarga de actuaciones relacionadas con efemérides históricas, culturales y aniversarios de personajes españoles de proyección internacional.

El proyecto de fusión de las tres sociedades, que se maneja desde la anterior legislatura en el Ministerio de Economía y Hacienda, no sólo tiene el objetivo del ahorro o la mayor eficiencia de los recursos, mediante la actuación frente a proveedores o suministradores, sino que es coherente con una gestión global, aunque especializada, de la imagen exterior de España. Se trata también de una integración en la gestión ya que, hasta ahora, el funcionamiento de las sociedades ha sido autónomo y sólo existe una coordinación "de facto" a través de mecanismos informales. Es vox populi entre profesionales del sector las reticencias y competiciones absurdas que se han dado en algunas ocasiones, aparte de la notable duplicidad de funciones y los problemas de "ego institucional" de algún responsable.

Las sociedades estatales que se van a fusionar manejan presupuestos variables que, en parte, dependen de la agenda de actividades asignadas. En el caso de la SEEI, se consideran que el periodo de exposiciones internacionales requiere en conjunto unos 40/ 60 millones de euros, cuya cadencia de gasto está vinculada al progreso del proyecto representativo español. En esta sociedad trabajan actualmente medio centenar de personas. Las otras dos sociedades de proyección cultural SEACEX y SECC cuentan con unos presupuestos de entre 20 y 30 millones de euros y cada una de ellas tiene una plantilla de entre 30 y 35 personas.

Con la llegada a la presidencia de la SEEI hace unos días de José Eugenio Salarich Fernández de Valderrama el proyecto de fusión no se interrumpe aunque la inmediatez de la Exposición Internacional de Shanghai puede producir un frenazo la actividad administrativa. A pesar de lo reducido de las plantillas respectivas, se puede retrasar todavía mas el proceso la negociación de la salida de trabajadores que la fusión lleva implícita. Se trata de personal laboral, aunque hay algunos funcionarios en excedencia contratados.

Una vez concluidos los trabajos en Shanghai y celebrada la inauguración de la exposición internacional, la fusión de las tres sociedades será una realidad.

La importancia del vinito y la tapa

2010-01-20T08:37:00.005+01:00

En Sevilla el arte contemporáneo sobra, o eso parece a juzgar por cómo se tratan las obras de arte en el espacio público. La ciudad vivió su clímax particular durante la Exposición Universal de 1992, cuando la isla de La Cartuja se convirtió en un lugar de referencia por las instalaciones que grandes artistas internacionales crearon para los diferentes espacios públicos. Un importante legado que, en su mayoría, ha padecido la desidia de las administraciones.

Parte de este valioso conjunto ha sido derribado por las excavadoras, como la torre-fortaleza de Anish Kapoor y David Connor; o destruido por el vandalismo, lo que ha ocurrido con el gran mural de cerámica de Roberto Matta o con la pintura de Ilya Kabakov; o robado, como la escultura de madera de Stephan Balkenhol, o desmantelado y vendido fuera de España, destino que tuvo la obra de Jesús Soto, uno de los precursores del arte cinético.

Agesa, la sociedad encargada de gestionar los activos del Estado cuando terminó la Expo 92, asegura que traspasó en junio de 1993 a la Junta de Andalucía, al Ayuntamiento de Sevilla y a la sociedad gestora Partecsa, las 18 obras de artistas internacionales que estaban colocadas en espacios abiertos y que, como se había decidido, permanecerían en esos mismos lugares.

"Edificio para un Vacío", una torre de base elíptica de 15 metros de alto y 10 de ancho que firmaban el angloindio Anish Kapoor y el británico David Connor ha sido destruida. Kapoor es uno de los artistas más cotizados en la actualidad, con obras como la escultura del Millennium Park de Chicago, una pieza de acero inoxidable de 110 toneladas bautizada como The bean (La judía) y que es ya el emblema de la ciudad.

También han sido responsabilidad primero de Partecsa y luego de Isla Mágica (desde 1993 hasta 2009) las cuatro piezas que se colocaron en el Jardín del Guadalquivir, obras del alemán Stephan Balkenhol, la austriaca Eva Lootz, el danés Per Kirkeby y el italiano Ettore Spalletti. En ese jardín, que ha estado cerrado al público desde 1995, alguien entró a finales de 2002 y serró del pedestal Hombre con camisa blanca y pantalón negro, una escultura de madera policromada de 240 centímetros de altura total, obra de Balkenhol. Christie's subastó el año pasado una pieza similar del artista, titulada Grosser mann, por más de 100.000 euros.

El Jardín del Guadalquivir volvió a su anterior dueño, la Junta de Andalucía, en verano de 2009. El proyecto, cofinanciado por la Confederación Hidrográfica del Guadalquivir y el Ayuntamiento de Sevilla, ha incluido la restauración de las obras que estaban cubiertas de graffitis y dañadas en parte.

Media esfera azul y verde, del venezolano Jesús Soto, en la Puerta de Triana, formaba parte de una fuente que se desmontó en 2007 porque estaba en el terreno en el que se construye hoy la Torre Pelli. La semiesfera, de cuatro metros, se vendió a la Fundación Atelier Soto en París.

En cuanto al mural de cerámica Verbo América, del chileno Roberto Matta (40 metros de largo por 3,6 de ancho), está destruido casi en un 70% por vandalismo. Igual suerte ha corrido la obra de Kabakov El plato azul, que los niños usan como portería para sus partidos de fútbol.

Vitaminas

2010-01-18T08:55:00.003+01:00

¿Conserva el arte crítico su efectividad una vez se halla dentro del museo? ¿Neutraliza el sistema toda propuesta política al transformarla en mercancía? A estas y otras cuestiones calientes del arte actual responden los cuatro ensayos que componen Neutralizados.

El arte como propaganda (del sistema y contra el sistema), la cultura de masas, las nuevas tecnologías de producción, la cultura del shock, la democratización del arte, el star system cultural, la creación colectiva y en red, la resistencia colectiva e individual, la teoría institucional del arte, las industrias creativas, la distinción y disolución del arte realista no representativo, la neutralización del discurso. Pablo España, José Otero, Avelino Sala y PSJM, artistas plásticos que escriben sobre arte de forma habitual, nos ofrecen un excitante y heterogéneo entramado teórico que surge de la praxis. Una visión agridulce del mundo simbólico que vivimos.

Se puede adquirir la edición en papel o descargar gratuitamente el pdf en:

http://www.bubok.com/libros/12924/NEUTRALIZADOS-Ensayos-de-artistas-que-escriben

Los puntos sobre las íes

2010-01-11T14:25:00.006+01:00

Carta enviada a Alberto Ruiz Gallardón, Alcalde de Madrid, por el espacio Patio Maravillas y redactada en su asamblea celebrada en la nueva sede de la Calle Pez 21.

"Lo primero es que nos alegra oírle hablar de nosotros y nosotras en los medios de comunicación tras dos años y medio de silencio. Así que finalmente es la presión social, y no su buen talante y disposición, lo que hace que los políticos hablen.

Dice que nos habla para “animarnos” a presentar el proyecto del Patio Maravillas a concursos públicos. Cuando la empresa Triball y su ayuntamiento empezaron a trabajar en la llamada remodelación del “triangulo de Ballesta” -aumentando con ello los alquileres en el barrio de Malasaña, maquillando de “cultura emergente” lo que no es más que una operación especulativa, desplazando a los vecinos y acabando con los pisos de renta antigua- ¿qué concurso público ganaron?.

¿Qué modelo de participación ciudadana propone su ayuntamiento que convierte el diálogo social en un formulario? ¿Ahora va a venir usted a defender lo público? ¿Después de entregarle la renta de todos los madrileños a la iniciativa privada para construir infraestructuras que no necesitamos y jamás solicitamos?.

Por último, ¿qué concurso público le otorgó al propietario de Acuerdo 8 el derecho a una dotación social privada, la cual ha mantenido cerrada durante más de diez años? ¿Qué defensa de lo público ha llevado a cientos de antidisturbios a la Calle Acuerdo el pasado 5 de Enero?.

No. El Patio Maravillas ya ganó su propio concurso hace dos años y medio. El Patio Maravillas no le pertenece a la administración pública ni a la propiedad privada, sino a la sociedad civil de Madrid. Solo a ella, que le ha dado vida estos años. Para conquistar derechos civiles y sociales, la ciudadanía madrileña no necesita presentar una solicitud en ningún registro.

Para rellenar proyectos y formularios que legitimen su modelo de ciudad busque en otra parte. Nosotros tenemos otra corazonada. Pueden, como han hecho hasta ahora, intentar “desintegrarnos”, y hacernos desaparecer, pero sepan que la sociedad civil madrileña, la ciudadanía rebelde que anda las calles de esta ciudad ya ha decidido. Y en cuanto a hacernos desaparecer… no se ofenda, pero creemos que, por el momento, vamos ganando.

Nosotros y nosotras no okupamos el inmueble de la Calle Acuerdo nº8 y el de la calle pez 21 para limitarnos a alzar nuestra voz y que se nos oiga con la esperanza de que el ayuntamiento repare en nuestra presencia y nos deje participar en su modelo de ciudad, sino para construir en común otras vidas y otra ciudad. Sufrimos diariamente el paro o la precariedad laboral, la desintegración de los mínimos espacios de defensa colectiva que crearon nuestros padres y madres, abuelos y abuelas. Vivimos la violencia en forma de fronteras de todo tipo o a través de la privatización sistemática de los servicios, la cultura, etc. Sabemos perfectamente lo que es estar “integrados” en su mundo. No nos habéis dado ninguna alternativa al respecto. Lo que se nos ofrece desde el ayuntamiento no es nuevo, es la canción que cantáis cada mañana y la nana que nos ofrecéis cada noche antes de dormir. Y nosotros y nosotras estamos aquí para cantar otras canciones y bailar otros bailes. Así que a su propuesta de “seguir como hasta ahora” nosotros y nosotras decimos que no.

Asi que no, sin respetar nuestra autonomía, sin respetar nuestras formas de organización, pretendiendo reducir esta experiencia a la de un centro cultural público no hay negociación ni acuerdo posible. Si quieren hablar de cómo garantizar la permanencia del proyecto del Patio Maravillas tal y como las gentes de esta ciudad lo viene demandando desde su apertura, aquí nos tiene para sentarnos y hablar. Sería una bonita forma de empezar a hacer lo que cualquier miembro de la administración debería hacer: Mandar obedeciendo”

http://defiendelo.patiomaravillas.net/

Un día de reyes...estrellados

2010-01-05T11:24:00.005+01:00

El centro social okupado (CSO) más emblemático de Madrid puede llegar a su fin. La Policía Nacional ha intentado desalojar esta mañana el Patio Maravillas, un espacio polivalente autogestionado de referencia en la capital que había logrado crear una red de colaboradores alternativos e institucionales que para sí ya quisieran muchos centros de arte "oficiales".

El Patio Maravillas inició sus actividades como centro social autogestionado hace dos años y medio. En el espacio se han impartido clases de castellano para extranjeros, funciona como asesoría jurídica, sirve de lugar para organizar reuniones con entidades sociales y vecinales, es sede del movimiento Bicicrítica, se han realizado actividades relacionadas con ciberactivismo, talleres sociales, etc.

Un espacio que ha trascendido más allá de nuestras fronteras y que la wikipedia define como: A Multi-purpose Autonomously-governed Space situated at Calle Acuerdo 8, in the Malasaña district of downtown Madrid. It is housed in a building that was formerly a school that had been closed for 7 years. It started life in the summer of 2007, at which time work began on fixing up the building and organizing different activities to involve people living in the neighbourhood.

Its philosophy, both campaigning and respectful, allows participation by a large number of different groups and individuals that have joined one by one and made it their focal point. Access is free, and there are several permanent activities such as the Bicicritica bicycle repair workshop, video and documentary screenings (Cinema Maravillas), a free-access Internet room-Hacklab, a cafeteria that serves as a meeting point and cultural and social exchange, English classes, remedial classes, a storytelling and creative writing workshop, subversion point (political and feminist discussion), the "chikiasamblea" (children's activities and games room), a photography workshop (Foto Patio), legal advice, rap workshop, and others.

There are also theatre, painting, music, audiovisual, and immigration groups, that meet, rehearse, and carry out their activities. There are also special activities such as concerts, exhibitions, neighbourhood meetings, talks about health and consumer issues, and meetings of different groups. There have also been performances by groups and soloists including Grande Marlaska and Amparanoia.

Alguien da más por menos ?

Cultura de base, pensamiento crítico y compromiso social en la ciudad de Madrid ya!

Alcalde Gallardón: suspenso y carbón!!!

Apoyo:

http://www.facebook.com/group.php?gid=51176461026&ref=nf&v=info

Info:

www.patiomaravillas.net

De sentido común

2010-01-05T01:27:00.005+01:00

Algo que todos sabíamos y que era evidente desde cualquier punto de vista es lo que un informe elaborado por el Ministerio de Cultura ha venido a dictaminar; que la alcaldesa Rita Barberá destruye el patrimonio valenciano. El Gobierno de España ha paralizado el Plan Especial de Protección y Reforma Interior (PEPRI) del Cabanyal-Canyamelar, con el que el Ayuntamiento de Valencia pretendía partir en dos el tradicional barrio ubicado en el distrito Marítimo.

El Ministerio de Cultura ha emitido un informe técnico en cumplimiento de la sentencia del Tribunal Supremo que obligaba a pronunciarse sobre el supuesto expolio al patrimonio que suponía el plan urbanístico de Barberá, que implicaba prolongar la avenida de Blasco Ibáñez hasta la playa de las Arenas a través del barrio valenciano, que todavía mantiene una peculiar traza urbana paralela al mar. Y el informe de los expertos consultados por Cultura determina la paralización inmediata de las obras de ampliación.

"El Ministerio declara la obligación de los titulares de los bienes integrantes del conjunto histórico del Cabanyal de proceder a la suspensión inmediata de la ejecución del PEPRI hasta que dicho Plan no se adapte y garantice los valores histórico-artísticos del barrio valenciano", se asegura en el comunicado que ha lanzado el Gobierno. Y añade que "el ministerio requiere a la Generalitat Valenciana para que suspenda de manera inmediata todas las actuaciones administrativas relacionados con el PEPRI".

La decisión del ministerio está avalada por informes técnicos, entre los que destacan los presentados por el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España, la Real Academia de la Historia, por el Museo Nacional de Cerámica González Martí y por el propio Ministerio.

Lo mas fuerte de todo es que con esta medida del Gobierno central, no se hace más que ratificar el informe negativo sobre el PEPRI que ya realizó en el año 2000!!! la Inspección del Patrimonio Histórico de la Dirección Territorial de Cultura y Educación del gobierno regional.

Alcaldesa de Valencia: sorda y suspenso!!!

70 años no son nada

2009-12-28T20:20:00.003+01:00

¿Qué tienen Sigmund Freud, Alphonse Mucha o Antonio Machado en común?

Muy sencillo, que llevan exactamente 70 años muertos.

El tiempo que debe pasar desde la muerte de un autor para poder "utilizar" sus obras es de 70 años. Desde el colectivo madrileño Left hand Rotation se comprometen a facilitar cada final de año un listado con aquellos artistas, filósofos, políticos y demás personajes populares que han fallecido justo 70 años antes. Por tanto, tomando como referencia este año 2009, acaban de publicar el listado de aquellos ilustres muertos en 1939, donde destacan personalidades como MUCHA, MACHADO o FREUD. Ya se puede ir pensando como reinterpretar sus obras, descubrimientos y discursos. Una propuesta interesante y alternativa para evitar tener problemas con la SGAE.

Eston son los ilustres que ya pertenencen al "común":

- Antonio Machado, Poeta español
- José de Zubimendi, Poeta, periodista y músico guipuzcoano
- Louis Wain. Artista inglés famoso por sus dibujos de gatos
- González Bernal. Pintor, escritor y pensador
- Alphonse Mucha. Pintor y artista decorativo checo
- Manuel Penella. Compositor español
- Havelock Ellis. Sexólogo, medico y activista social británico
- Pablo Gargallo. Escultor español
- Sigmund Freud. Médico y neurólogo austriaco, creador del psicoanálisis
- Stanislaw Ignacy Witkiewicz. Escritor, fotógrafo, filósofo y pintor polaco
- Marlene Grey. Bailarina francesa
- Jörg Mager. Músico alemán
- José Gola. Actor argentino
- Howard Carter. Arqueólogo y egiptólogo Inglés, famoso por descubrir la tumba de Tutankamón
- Arthur Rackham. Ilustrador de libros inglés
- Norman Bethune. Psicólogo e innovador médico canadiense
- Elzie Crisler Segar. Historietista estadounidense, creador de Popeye
- Joseph Roth. Novelista y periodista austríaco
- Armand Nicolet. Creador de la marca de relojes Nicolet
- Walter Leslie Wilmshurst. Escrito inglés
- Orestes López. Músico orquestista cubano
- Harvey Spencer Lewis. Ilustrador y autor de temas esotéricos
- Ford Madox Ford. Novelista y editor inglés
- Jules-Félix Coutan. Escultor francés conocido por el grupo escultórico en la entrada de la Grand Central de New York
- Stefan Zweig. Escritor austríaco
- Gertrude "Ma" Rainey. Primera gran cantante de blues

http://lefthandrotation.blogspot.com/

Creatividad y conciliación de derechos

2009-12-16T12:47:00.005+01:00

En noviembre de 1987 se aprobó la Ley de Propiedad Intelectual. Han transcurrido más de veintidós años y esta Ley se ha visto modificada solamente para adaptarse a las Directivas comunitarias en la materia. La regulación que afecta a los artistas visuales es deficiente e incluso, en algunos casos, discriminatoria con relación a los demás autores y al derecho comparado con otros países. VEGAP aboga desde hace años por su revisión. Por otra parte, el Congreso de los Diputados ya ha creado una subcomisión para estudiar una reforma de la Ley.

La Fundación Arte y Derecho y la Universidad Rey Juan Carlos organizaron el 18 y 19 de Noviembre pasado, un Seminario para reflexionar sobre la conveniencia de esta reformar legal y la posible orientación de la misma. El acto inaugural contó con las intervenciones del Vicerrector de la Universidad Rey Juan Carlos, David Ortega, el Presidente de la Fundación Arte y Derecho, Alberto Corazón y el Director del Seminario, Javier Moscoso del Prado.

El primer ponente fue Antonio Delgado. Su intervención fue minuciosa y rigurosa. Este prestigioso jurista, que fue uno de los expertos que contribuyeron en su día a la redacción de la Ley de Propiedad Intelectual, definió con detalle qué aspectos de la Ley han de ser reformados para resolver las dificultades que su aplicación práctica está presentando en los Tribunales de Justicia. Entre otras cuestiones, Antonio Delgado criticó la regulación del Derecho de Participación mediante una ley especial al margen de la Ley de Propiedad Intelectual y la eliminación de la condición de derecho sometido obligatoriamente a su gestión en forma colectiva, pues en la actualidad, con la eliminación de este carácter, no es posible atender a su función social a través del Fondo de Ayuda a las Bellas Artes.

Carmen Tomás y Valiente abordó en su ponencia la posible reforma de la regulación de los delitos contra la Propiedad Intelectual y se centró en la deficiente redacción del artículo 270 del Código Penal para la persecución del plagio. La participación del público generó un interesante debate sobre cuestiones como el intercambio de archivos a través de la Red, la penalización de las actividades de distribución de artículos pirata en el sistema denominado "Top Manta" y las características específicas y diferentes del plagio de las artes plásticas, en los que el plagiario no se atribuye como suya la obra de otro, sino que atribuye a otro una obra que ha hecho él.

José Miguel Rodríguez Tapia examinó la Ley actual desde la óptica de los creadores visuales, analizando las discriminaciones negativas que actualmente se contienen en la Ley española, tanto en la regulación del derecho moral como en el establecimiento de límites a los derechos de explotación. Coincidió con Antonio Delgado en censurar la actual Ley 3/2008 del Derecho de Participación.

El Seminario terminó con una mesa redonda que había generado una gran expectación. La misma estaba formada por los portavoces parlamentarios en la Mesa de Cultura del Congreso de los Diputados, José Andrés Torres Mora, del PSOE y José María Lasalle del Partido Popular, el Subdirector General de Propiedad Intelectual del Ministerio de Cultura, Carlos Guervós y el Director General de VEGAP, Javier Gutiérrez Vicén.

En la mesa se generó un intenso debate sobre la necesidad de adoptar una postura prudente a la hora de reformar la Ley, respetando y protegiendo a quienes crean. Se incidió en la necesidad de contar con un tratado Internacional que regule las actividades en la Red. Además, se hizo hincapié en la urgencia de modificar la Ley de Comercio Electrónico ante la dificultad de perseguir eficazmente los actos ilícitos como consecuencia de la falta de responsabilidad de las empresas proveedoras de internet y aquellas que gesionan los servidores que alojan los datos.

La Fundación Arte y Derecho va a publicar las ponencias en un próximo ejemplar de su Colección Editorial.

www.arteyderecho.org

Infraestructuras emergentes

2009-12-14T09:56:00.004+01:00

En 2007, el panorama cultural valenciano estaba en un punto muerto en el que llevaba ya demasiado tiempo instalado, fruto de las políticas que al respecto se habían venido aplicando, políticas más bien orientadas a la producción de espectáculo frente a un posible fomento de una cultura de base.

A pesar de esta desestructuración de partida, ese año fueron emergiendo diferentes propuestas que permitieron pensar en una reactivación de la producción cultural. De hecho, fueron ejemplos como los de LaTejedoraCCEC, Otro Espacio, la Sala Naranja; o hechos paralelos como la consolidación definitiva del Octubre Centre de Cultura Contemporània como un nodo activo de dinamización cultural o, en otro orden de cosas, la reactivación de iniciativas como el Festival de videocreación Mínima, la primera convocatoria de Perifèries o de La Impropia, los que han permitido seguir diciendo que, sí, más allá de la America’sCup o la Fórmula Uno, hay vida inteligente en la tierra valenciana.

La creación en 2008 de la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC) no ha hecho sino confirmar el resurgimiento de una voluntad de colaboración también a ese nivel. Esta asociación, presente ya en la mayoría de las comunidades, intenta paliar una de las muchas carencias que lleva arrastrando, carencias que han sucitado proyectos de análisis del territorio con nombres tan explícitos como “Tomándole el pulso a un cadáver”.

En este contexto, surge en marzo de 2008 la primera propuesta de proyecto cultural Infraestructuras Emergentes. Para ello, se programaron jornadas de debate, talleres y exposiciones a realizar en diferentes espacios de la ciudad, desde museos a universidades pasando por centros de cultura y salas alternativas. Un gran número de actividades que pretendían generar un debate crítico con el que abrir nuevas vías para la gestión cultural independiente, la creación artística y la generación de redes a diversos niveles.

Las jornadas de debate tuvieron lugar en el MuViM y se articularon en cuatro líneas de fuerza. Su estructura combinó las ponencias de antropólogos, filósofos, artistas, profesores y críticos que participaron en las distintas sesiones a lo largo del día, con los foros de la tarde, en los que intervinieron representantes de diversos colectivos de creación, gestión artística y activismo cultural. Estas líneas de fuerza giraron en torno a planteamientos como los modelos de educación del arte, las prácticas artísticas independientes, o los nuevos espacios que suponen las comunidades en red.

A raíz de estos encuentros, surgió la necesidad de constituirse como asociación que trabajara específicamente diseminando estos modelos de producción cultural en diferentes ámbitos y a través de varios soportes, con la intención de multiplicar los focos de creación y difusión por el territorio. Igualmente, la necesidad de articularse en redes con todos los demás nodos de emergencia resultó más fácil ya que las jornadas propiciaron el mutuo conocimiento de los diferentes participantes así como la motivación para trabajar en sinergia.

Barra Diagonal, en tanto asociación orientada hacia la producción de conocimientos, ha estado llevando a cabo una serie de jornadas, seminarios y talleres a lo largo de este año y tiene planificadas otras tantas actuaciones que siguen la misma línea conceptual de cultura de base para el año entrante. Partiendo de una noción básica de educación expandida en la que, desde una posición externa, colabora con instituciones, centros de producción o espacios culturales así como con plataformas autogestionadas de producción cultural, y pretende seguir llevando a cabo una diseminación de acciones comunicativas y de intercambio de conocimientos por el territorio.

Presentación del libro "Infraestucturas emergentes. Sobre producción, gestión y difusión artística"

Viernes 18 de diciembre. 20 horas.

Salón de actos del Octubre CCC. Valencia.

Link descaraga publicación (PDF):

http://www.mediafire.com/?njmnlojzyaz

http://barradiagonal.wordpress.com

Innovación y capital simbólico

2009-12-10T20:15:00.003+01:00

Durante los últimos años el concepto de innovación ha sido introducido en la esfera cultural importando algunos de los
significados y connotaciones heredadas de su paso por el mundo de la teoría económica y la gestión. De forma paralela con este desplazamiento ha encontrado nuevos significados y formas de comprenderse que pueden resultar sumamente interesantes. Nos interesa explorar esa noción de innovación que presupone que la cultura es un espacio de producción de conocimiento fruto de procesos de cooperación e interacción entre diferentes agentes. Esto ocurrirá en un espacio en los que los agentes se encuentran conectados, en los que las instituciones públicas, las universidades, los agentes culturales y el sector privado crean circuitos virtuosos capaces de producir y transferir conocimiento e ideas.

La innovación se concibe como un contexto y no como un objeto, es fruto de la inteligencia colectiva y necesita de las cuencas creativas urbanas para nutrirse. Esta noción de la innovación implica un dominio público rico y accesible. Para fomentar esta visión de la innovación, que YProductions denomina “innovación emergente”, es necesario replantear la función de las instituciones y políticas públicas para la cultura. ¿Pueden verdaderamente las instituciones promover una visión emergente de la cultura en detrimento de las formas de producción jerárquicas que han defendido hasta ahora? Esta forma de innovación que se ha inspirado en movimientos como el software libre, sigue modelos cooperativos y no competitivos de generación de cultura, implica modelos de auto-organización e inaugura una reflexión en torno a los valores de la cultura. Esta realidad supone un reto a la política cultural acostumbrada a una idea de cultura como un elemento estático, como una acumulación de objetos que necesitan ser expuestos y protegidos

Simposio internacional ATACD: Changing Cultures, Cultures of Change

Organizado por Goldsmiths University y la Universidad de Barcelona con el apoyo de Arts Santa Mònica y Nederlands Instituut voor Mediakunst, Montevideo/TimeBased Arts, Holanda

Topología, Innovación y Política Cultural

Monika Fleischmann- http://fleischmann-strauss.de/

Jaromil- http://jaromil.dyne.org/

Ronaldo Lemos- http://www.ypsite.net/blog/?p=1199

Artur Serra- http://www.linkedin.com/myprofile?trk=hb_side_pro

Jose Luis de Vicente- http://elastico.net/

Arts Santa Mònica de Barcelona
La Rambla, 7 Barcelona
Sábado 12 de diciembre a las 17 horas

http://www.atacd.net

Run BCN, run...

2009-12-04T18:03:00.003+01:00

Ya han sido elegidos por concurso los directores del Picasso (Pepe Serra), Historia de la Ciudad (Joan Roca), La Virreina (Carles Guerra), Macba (Bartomeu Marí), MNAC (Maite Ocaña) y HANGAR (Tere Badía).

El que ha generado más expectativas en los últimos tiempos, por fín, se ha desvelado. El nuevo director del Canódrom, es Moritz Küng.

Mortiz Küng es un comisario independiente, nacido en Suiza y residente en Bélgica, actualmente jefe del Departamento de Exposiciones de deSingel, Centre International d’Art d’Anvers. Entre otros, ha sido comisario del Pabellón Belga en la Bienal de Sao Paulo (2002) y de la Bienal de Arquitectura en Venecia (2008). Ha comisariado exposiciones individuales de los arquitectos Abalos & Herreros, R&Sie-François Roche, Christian Kerez y de los artistas Dominique Gonzales-Foerster, Joëlle Tuerlinck y Heimo Zobernig, entre otros. En Barcelona, en la Sala Montcada, comisarió una exposición con Lara Almarcegui y Adrian Schiess (2004).

Enhorabuena desde aquí!

Hangar...up !

2009-12-03T21:54:00.007+01:00

El patronato de la Fundación AAVC (Artistas Visuales Asociados de Catalunya) ha elegido a la investigadora y gestora cultural Tere Badia como nueva directora de Hangar. En el concurso para la dirección de Hangar (2010-2014) han concurrido treinta y dos candidatos, de los cuales dieciséis son residentes en Catalunya, nueve en España, cuatro de países de la Unión Europea y tres centroamericanos. El citado patronato se entrevistó con los cinco finalistas.

Tere Badia (México DF, 1964) tiene una sólida formación académica y se ha dedicado a la investigación en ámbitos como las políticas culturales, las redes, la cooperación cultural internacional y la búsqueda, desarrollo e innovación en la producción artística. Profesionalmente ha estado vinculada a la Fundación Interarts (Barcelona), a la agencia de comunicación Goetzinger + Komplizen (Karlsruhe), y ha redactado el Pla Integral de R+D+i a les Arts Visuals, Catalunya Laboratori, por encargo de AAVC. Actualmente coordina el programa Disonancias en Catalunya, una plataforma de mediación e impulso de las relaciones entre empresas, centros de investigación o entidades públicas y artistas para estimular la innovación.

El programa que ha presentado Badia para los próximos cuatro años (2010-2014) reestructura los actuales servicios del centro atendiendo a las tres fases de la producción artística, la preproducción que contempla formación e investigación, la producción que plantea la ampliación y mejora de los servicios habituales de Hangar (oferta de espacios de taller, espacios polivalentes, asistencia técnica, laboratorio y residencias en el extranjero) y la postproducción entendida como un acompañamiento de los proyectos realizados. El programa de Tere Badia tiene como líneas argumentales su deslocalización (el centro sin paredes), la transversalidad, la política de redes, la transmisión/retroalimentación de conocimientos y la ampliación conceptual de Hangar que va más allá de los artistas, incluyendo a otros agentes como los gestores, los teóricos y los mediadores, y del mismo sector artístico, intentando buscar colaboraciones con otros sectores.

Hangar es un centro de producción de artes visuales gestionado por los propios artistas. Fue creado por la Associació d’Artistes Visuals de Catalunya en el año 1997 y en la actualidad tiene personalidad jurídica de fundación. Ofrece espacios, talleres y platós para la creación y servicios de producción en tecnología digital (edición de video y audio, medialab y laboratorio). En los últimos años ha generado programario libre (software no comercial) aplicado a la creación. Colabora con los museos y centros de arte de Catalunya y del Estado y mantiene un programa de intercambios y residencias de artistas en los cinco continentes. Forma parte del programa Fàbriques per a la Creació que impulsa el Ayuntamiento de Barcelona, de la Xarxa d’espais de producció d’arts visuals de Catalunya, y cuenta con la financiación del CoNCA (Consejo de las Artes de Catalunya).

www.hangar.org

Trabajar en red

2009-11-30T11:07:00.004+01:00

Ya no es una novedad en nuestro país la emergencia y relativo afianzamiento —dentro de la precariedad— de proyectos que se mueven flexiblemente entre lo artístico, lo político y lo pedagógico, por mencionar sólo algunos de los territorios que transitan. Lo que se precisa todavía es una reflexión teóricamente informada sobre los mismos desde una posición comprometida, que a su vez sirva para construir un corpus de documentación y debate imprescindible para consolidar este campo de estudio e intervención.

El Centro José Guerrero presenta, del 1 de diciembre al 14 de febrero, una muestra de los casos de estudios que se incluyen en el Archivo Relacional del proyecto: Center for urban pedagogy (New York), Peter Dunn + Loraine Leeson + Community Poster Project (Londres), Wochenklausur (Viena), Fátima Group United + City arts (Dublín), Plattform (Londres), Ala Plástica (Argentina), Temporary Services (Chicago), REPOhistory (Nueva York), AREA (Chicago), Atelier d'architecture autogérée (ParÍs), Oda projesi (Galata, Estambul), Learning Site (Copenhague), Aulabierta (Granada) + Cartografía experiencias nacionales. Dentro de este marco general, se pretende investigar y activar iniciativas en las que se articulen de manera flexible las prácticas artísticas, la intervención política y la educación a partir de la acción de colectivos interdisciplinares.

Paralelamente, del 2 al 4 de diciembre, se llevará a cabo el seminario dialógico internacional Negociaciones culturales. Articulaciones de las pedagogías colectivas y las políticas espaciales, en el que varios de los colectivos presentes en la exposición presentarán sus proyectos.

TRANSDUCTORES surge a partir de la invitación del Centro José Guerrero a Aulabierta para colaborar en la construcción de un proyecto pedagógico y relacional que tomase las pedagogías colectivas, las políticas del espacio y las redes locales como elementos de trabajo para conformar un archivo de casos y un programa que contribuyese a expandir las acciones del museo en la provincia de Granada. El reto era cómo superar un modelo ya conocido de comisariado relacional y de archivo como el que se vio en Democracy de Group Material, Collective Creativity de What, How & For Who (WHW), la exposición de NGBK en Berlín sobre Loraine Leeson Art for Change: Loraine Leeson. Works from 1975 to 2005, o la celebrada entre nosotros Desacuerdos, coproducido por el MACBA, Arteleku, UNIA y el Centro José Guerrero, con su gama de acciones y redes sociales implicadas. Con dicha voluntad de superación se concibió el archivo como un elemento orgánico y pedagógico, algo vivo que debería enraizarse en lo local y relacionarse con otros grupos y situaciones. Lo cual suponía alejarse de un modelo de gestión cultural más formal, o sólo centrado en la recopilación de materiales de proyectos situados dentro del marco conceptual apuntado para pasar a construir y gestionar colectivamente precisamente aquello que se trataba de estudiar y recoger en el proyecto.

TRANSDUCTORES. Pedagogías colectivas y políticas espaciales es un proyecto del Centro José Guerrero de Granada, ideado desde Aulabierta, y coproducido por la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento y el Ministerio de Cultura, que incluye la puesta en marcha de seminarios y talleres de formación, la construcción y exposición de un archivo relacional, el trabajo con agentes locales y la edición de diversas publicaciones.

www.centroguerrero.org

Estrategia común...por fín!

2009-11-20T12:21:00.004+01:00

El ministro de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Miguel Ángel Moratinos, y la ministra de Cultura, Ángeles González Sinde, han firmado en el Congreso de los Diputados un convenio para el desarrollo de un plan denomidado "Estrategia Reforzada para la Promoción de la Cultura Española en el Exterior". Con esta iniciativa, ambos ministerios pretenden impulsar una estrategia coordinada que promocione la cultura española más allá de nuestras fronteras a través del trabajo conjunto, la coordinación interministerial, la transparencia y la profesionalidad. Esta estrategia abordará, entre otros, el futuro Plan Nacional de Acción Cultural en el Exterior, cuya elaboración será responsabilidad de una Comisión de Trabajo conjunta que, de manera bianual, fijará las áreas y sectores prioritarios para la promoción de nuestra cultura en el mundo.

Además, se reforzará la coordinación interministerial en varios aspectos. De esta forma, el Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación se interesará por la opinión del de Cultura en el proceso de selección de los consejeros culturales de las Embajadas de España. Por su parte, el departamento de González-Sinde creará un programa de becas de especialización en gestión y promoción de la cultura. Por último, se reforzarán las actuaciones de ambos ministerios para promover la cultura española en Europa y para impulsar también la cultura europea en el mundo.

En diciembre de 2008 el entonces ministro de Cultura, César Antonio Molina, reclamó públicamente la coordinación de toda la actividad cultural del Estado: "La cultura abre mercados, extiende las relaciones diplomáticas, por eso es necesario que la promoción de ésta en el exterior se realice con la coordinación debida entre todos los que intervienen en ella. Dicha coordinación debe ser única". Molina tildó de "absurdo" el hecho de que ese mando único no dependiera de su departamento. Pero el ministro de Cultura fue más allá: "Industria no tiene un ministerio para la política interior y otro para la exterior. Defensa, tampoco. Pues nuestra cultura se rige de manera diferente en el interior que en el exterior. Es el único sitio en el que ocurre eso".

Se sabe en círculos políticos que ese posicionamiento público de Molina apostando por un mando cultural único generó tensiones tanto en el gobierno como en el PSOE (no hay que olvidar que Leire Pajín, su secretaria general, fue secretaria de estado de Cooperación). El Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación cuenta con el Instituto Cervantes (al que aporta el 90 por ciento de su presupuesto) y la Sociedad Estatal de Acción Cultural en el Exterior (SEACEX). Ahora, ambos departamentos consideran que la acción cultural exterior constituye una parte esencial y de creciente importancia en el marco de la proyección de las relaciones internacionales de España; y es, además, un factor esencial en la percepción de nuestro país, por lo que constituye un elemento fundamental de la diplomacia pública. La asunción de esta importancia estratégica en la política cultural por parte de exteriores le costo en su día el puesto a Molina.

Es de esperar por tanto, que una vez que se ha cerrado esta vieja polémica competencial, los mecanismos de coordinación que se creen entre los dos ministerios sean eficaces desde el primer momento y se genere una estrategia con la misma dirección.

PROFORMA

2009-11-10T18:45:00.003+01:00

Proyecto desarrollado por los artistas Txomin Badiola (Bilbao, 1957), Jon Mikel Euba (Bilbao, 1967) y Sergio Prego (San Sebastián, 1969) para el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, consistente en una cuarentena, una reclusión de 3 artistas del 8 de febrero al 20 de marzo en sus exposiciones junto a un grupo de 15 voluntarios, con un programa de 30 ejercicios para ser completados en 40 días. Esta experiencia de trabajo artístico, dentro de un dispositivo de exposición, tendrá como objetivo la transformación, tanto de las personas implicadas como de las propias exposiciones.
Los agentes que internamente compondrán PROFORMA serán: sus 3 directores -Badiola, Euba, Prego-, un grupo de 15 voluntarios y los recursos humanos del MUSAC.

PROFORMA será una producción que funcionará en base a un programa de 30 ejercicios distribuidos en módulos horarios de 2 horas (ejercicios de 2, 4 o 6 horas). Los ejercicios consistirán en la realización de un acto productivo, es decir, de un momento generador de experiencia, de pensamiento o de cuerpos físicos. Estarán vinculados a obras en la exposición, respecto a las cuales representarán su posibilidad de desarrollo y transformación.

Se buscan personas vinculadas a la práctica del arte –no necesariamente sólo de las artes plásticas– interesadas en la participación activa en una experiencia del arte como modo de conocimiento y comunicación. A los participantes se les pedirá un compromiso con el exceso que PROFORMA representa; un exceso, tanto en la duración de sus actividades presenciales (40 días 8 horas al días), como en la intensidad marcada por el ritmo de los ejercicios, por las condiciones de aislamiento y concentración. Será imprescindible la presencia continuada de los participantes durante 6 semanas de lunes a sábado en jornadas de 8 horas diarias.

Para cualquier consulta: primerproforma2010@musac.es

Más información en

www.musac.es

Arsgames

2009-11-10T17:35:00.003+01:00

Arsgames 09 es un festival de cinco días de duración, cuya sede principal será La Casa Encendida, con actividades en el Instituto Cervantes y el espacio OffLimits. Arsgames 09 es el primer festival de estas características en España, con todo tipo de actividades multidisciplinares abiertas al público (salvo los talleres). Cuenta con la participación de los colectivos más interesantes de Europa (A MAZE, Zemos98), bajo la dirección del grupo homónimo, Arsgames.

El colectivo Arsgames pretende acortar la brecha entre el fenómeno de los videojuegos y su importancia en el mundo de la cultura contemporánea. Mediante eventos, publicaciones y un intenso enfoque a las posibilidades de internet a la hora de salvar distancias geográficas, el colectivo cuenta con especialistas en todas las áreas de la investigación y difusión cultural: un equipo cuya actividad y energía pone las semillas del primer movimiento propio del siglo que habitamos.

Conciertos, mesas redondas, talleres, proyecciones, actividades escénicas… Entre el martes 17 y el domingo 22 de noviembre, el colectivo Arsgames saca a los videojuegos de los confines de las pantallas de las consolas y los ordenadores para acercarlo al público más inquieto.

Durante cinco días, todas las disciplinas artísticas tienden la mano al medio cultural más interesante del siglo XXI, con la intención de establecer un diálogo entre tecnología y arte, entre el juego digital y el espectador del nuevo milenio. Una intensa programación dirigida a todos los públicos, abarcando desde formatos tan novedosos como el machimina (la unión entre cine y videojuegos) hasta sesiones de chiptune (música electrónica basada en las consolas de la Generación Nintendo).

Mesas redondas a cargo de las figuras más influyentes del arte basado en videojuegos, talleres destinados a abrir nuevos horizontes en la cultura digital, proyecciones inéditas, conciertos inspirados en la adrenalina y el frenetismo del videojuego clásico… Todo repartido en un plantel de invitados nacionales e internacionales, con la colaboración de La Casa Encendida, el Instituto Cervantes, el Goethe Institut y Medialab Prado, con un sólo objetivo: redefinir la relación entre arte y videojuegos en el evento cultural más interesante del mes.

http://arsgames.net

Madrid toma nota

2009-11-07T12:03:00.004+01:00

El pasado mes de agosto, un grupo de alrededor de 200 artistas alemanes encabezado por Daniel Richter, ocuparon una docena de edificios deshabitados en el histórico distrito de Hamburgo llamado “Gängeviertel”, cuya venta y demolición estaba oficialmente programada. Entraron en ellos y comenzaron a establecer estudios y galerías de arte, declarando que "existiendo tanto sitio vacío disponible en la ciudad portuaria, el gobierno debería proporcionar un espacio accesible a los artistas que viven allí, además del hecho de que los edificios históricos deben ser conservados, en lugar de derruidos".

A día de hoy, los artistas siguen ahí instalados, han recibido en sus improvisados espacios a más de 10.000 visitantes y han obtenido más de 20.000 firmas solicitando la conservación de los edificios, que ya han sido vendidos a una empresa holandesa, llamada Hanzevast, quien a su vez tiene aprobados sus planes para demolerlos y convertirlos en nuevos edificios de oficinas, apartamentos de lujo, tiendas y cafés.

El hecho es que aunque no se ha conseguido garantizar la salvación del distrito, sí se han logrado algunos avances significativos encaminados a la posibilidad de adquisición de estudios y galerías a un precio asequible para los artistas.

Recientemente, Christine Ebeling, representante del grupo, llamado "Komm in die Gänge", anunció que las autoridades de la ciudad se habían ofrecido a cederles el uso de espacios vacíos propiedad del gobierno, a cambio de que el grupo accediera a abandonar los ahora ocupados en el barrio de Gängeviertel, que deben ser entregados a la compañía propietaria legalmente.

A pesar de que Ebeling ha declarado que "Aún no hemos decidido nada", tanto el grupo de artistas como Hanzevast han expresado su disposición a reunirse para discutirlo. De momento, la mesa redonda que estaba prevista para esta semana en la que participarían los artistas, los propietarios y varios representantes del gobierno, ha sido cancelada. Seguiremos atentos a estos hechos para informaros.

Podría pasar algo así en una ciudad española?

En Madrid se presentan la próxima semana los estudios para artistas promovidos por el ayuntamiento de la ciudad y gestionados por AVAM. El número inicial es raquítico (4 estudios) pero abren una esperanza de institucionalizar, via presupuestos y propuestas accesibles de suelo, la necesidad urgente de espacios para artistas y colectivos que trabajan con el tejido cultural de Madrid.

El acceso a los mismos será por convocatoria. La primera convocatoria de TALLERES AVAM para artistas plásticos y visuales tiene como objetivo facilitar el acceso de los creadores a espacios de trabajo en la ciudad de Madrid para el desarrollo de su actividad profesional.

TALLERES AVAM es fruto de la colaboración entre el Ayuntamiento de Madrid, a través del Área de Las Artes y la Empresa Municipal de Vivienda y Suelo, y la asociación de Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM).

www.avam.net

Premio super-merecido

2009-11-04T20:07:00.003+01:00

Nacho Criado ha ganado el Premio Nacional de Artes Plásticas que concede anualmente el Ministerio de Cultura y está dotado con 30.000 euros.

Criado pertenece a ese grupo de artistas españoles como Isidoro Valcárcel Medina o Esther Ferrer que, sin centrarse en un arte para el mercado, "no se ha entregado a ornamentos ni a camuflajes. Su arte no está pensado para ser mercancía", agrega el crítico. En sus inicios mediado de los años 60 se preocupa por el reduccionismo formal, el comportamiento del material así como aspectos procesales y espaciales en su obra que mas tarde lo aproximaran a tendencias conceptúales, minimalistas o povera siempre desde una concepción muy personal. Desde 1970 las constantes de su trabajo se dirigen hacia una ampliación y liberación de lenguaje que le permita adecuar de manera abierta y precisa la idea y su materialización dando con ello prioridad a aspectos tales como la experiencia del tiempo, la identidad y la condición híbrida de la práctica artística.

El jurado del Premio ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, y ha estado integrado por Esther Ferrer, Premio Nacional de Artes Plásticas de 2008; Agustín Pérez Rubio, director del MUSAC Bartomeu Marí Ribas, director del MACBA, Anna María Guasch Ferrer, crítica de arte; Isabel Tejeda Martín, crítica de arte y Mariano Navarro Herranz, crítico de arte, por la Revista "Artecontexto".

Desde aquí.....Enhorabuena Nacho!

Cambio de rumbo

2009-11-04T11:31:00.002+01:00

María Inés Rodríguez es desde el pasado 1 de noviembre la nueva conservadora jefe del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León), y nuevo miembro de su Comité Asesor. Rodríguez nació en Colombia, estudió Bellas Artes en la Universidad de Los Andes de Bogotá y realizó un postgrado en la École Supérieure d’Art Visuel en Ginebra.

Durante 2008 y 2009 ha sido comisaria de la Programación Satellite del Jeu de Paume de París (Mario García Torres, Vasco Araújo, Agathe Snow, Irina Botea, Christophe Bruno, Andreas Angelidakis y Angelo Plessas), y ha dirigido el seminario Modelo para armar, con Cuauhtemoc Medina, Magali Arriola, Sofía Hernández Chong, Julieta González, Pablo León de la Barra, Lisette Lagnado y Tania Bruguera.

También ha sido editora de la publicación de arte francesa Point d’Ironie en París (fundada en 1997 por Agnès b., Christian Boltanski y Hans-Ulrich Obrist). Desde 2008 es comisaria de la Colección Berezdivin– Espacio1414- en San Juan de Puerto Rico. Desde 2006, también forma parte del Comité Curatorial Artist Pension Trust de Latinoamérica. María Inés Rodríguez es miembro de CIMAM, el órgano internacional más importante dedicado exclusivamente a los Museos y Colecciones de Arte Moderno.

Como comisaria independiente y crítica de arte, Rodríguez ha trabajado en exposiciones y promovido proyectos en torno a las estrategias de apropiación del espacio público en diferentes espacios de arte contemporáneo, relativos al arte, diseño, arquitectura y urbanismo. En 2007 y 2008 comisarió Sueño de Casa Propia (con Pablo León de la Barra) que se exhibió en BAC/Centre d’ Art Contemporain - Centre d’édition contemporaine, Ginebra; Casa Encendida, Madrid; Casa del Lago, Mexico City y Vimcorsa, Córdoba)

Interesada en las ediciones impresas, ha organizado conferencias y exposiciones relativas al tema. En 2004 creó Tropical Paper Editions, con el objetivo de desarrollar proyectos de ediciones de artistas. También ha publicado los periódicos Instant City y Bogotham City.

María Inés Rodríguez ha recibido las becas Fondation Patiño - Ville de Genève en 1994, American Center Foundation en 2006, y una residencia en Apex Art Center en New York en 2007.

Convocatoria proyectos

2009-11-02T12:40:00.001+01:00

Espacio Abisal seleccionará hasta tres proyectos para su programación de 2010 con el fin de apoyar aquellos trabajos que provengan de artistas jóvenes o colectivos artísticos, se vinculen a una investigación curatorial o cuyo formato sea distinto al tradicional espacio expositivo, siempre que todos ellos se enmarquen dentro de la producción artística contemporánea y presenten un alto grado de experimentación.

Los dossieres incluirán una breve descripción del proyecto, así como toda la información necesaria para su comprensión, fotografías de las obras a presentar, un esquema de su colocación en sala, la ficha de inscripción debidamente cumplimentada y el documento de aceptación de las bases de esta convocatoria firmado (ambos descargables de la página web de Espacio Abisal).

Será obligatorio presentar el dossier en formato PDF en la dirección espacioabisal@gmail.com con el asunto “convocatoria 2010” (si además fuese necesario un dossier “físico”, éste será enviado al apartado de correos 1042 de Bilbao)

La fecha límite de recepción de proyectos será el 30 de noviembre de 2009.

DESCARGA LAS BASES EN:

http://www.espacioabisal.org/es/varios.php

Prints are cool

2009-10-26T11:09:00.003+01:00

FAST GALLERY estará en la XVII edición de la Feria Internacional de Arte múltiple contemporáneo, ESTAMPA 09, que tendrá lugar entre los días 28 de octubre y 1 de noviembre en IFEMA. Allí daremos comienzo a nuestra cuarta experiencia: FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”. Durante estos cinco días nos encontraremos en un pequeño estand dentro de la sección book-IN, el espacio de la feria dedicado a la exposición, promoción y venta de ediciones de autor.

En FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”, presentaremos nuestro proyecto “KIT”, una iniciativa artística que consiste en una pequeña exposición dentro de una caja de edición limitada, que se podrá adquirir en nuestro estand. El “KIT” contiene las piezas de cinco colaboradores muy especiales: Rafafans ( http://menaje.blogspot.com), Alberto Masa (http://albertomasa.blogspot.com), Hélène Bergaz (http://www.helenebergaz.net), Christian Fernández Mirón (http://www.fernandezmiron.com) y Carlos Monleón (http://cargocollective.com/bloom). Para la ocasión, todos han realizado una pequeña obra para montar un espacio expositivo en cualquier lugar.

Además, en FAST GALLERY n. 4, “Para llevar”, se podrán adquirir desde fanzines hasta vinos de autor pasando por piezas seriadas y otros proyectos de edición que hemos seleccionado. Contaremos con colaboradores como Rara de Raro, Jerseys para los monos, Daniel Entonado, Bubi Canal, Pablo Pérez Sanmartín, Rubenimichi, JHH Fanzine, Galería El Columpio, Autoplacer, Uncode Fanzine, Ilde, Grande Graphix, Argot, New Papers, Olaf Ladousse y 10x15, entre otros.

Cada uno de los días de la feria habrá pequeñas acciones en las inmediaciones de nuestro estand y encuentros con los diferentes artistas del FAST GALLERY "KIT".

FAST GALLERY n. 4, “Para llevar” @ ESTAMPA 09
ESTAMPA 09: Feria Internacional de Arte múltiple contemporáneo. XVII Edición.
Estand: BOOK IN 12

Del 28 de octubre al 1 de noviembre.
Recinto Ferial Juan Carlos I. Feria de Madrid. Pabellón 10

http://www.estampa.org

Fast Gallery VERSUS Disco Inferno.

Además, para el comienzo de esta cuarta experiencia de FAST GALLERY, el miércoles 28 por la noche, celebraremos la fiesta VERSUS, en la planta de abajo del Club Zombie, en colaboración con el colectivo Disco Inferno.

Miércoles 28 de octubre @ CLUB ZOMBIE (Red Box, downstairs), de 0 h. a 6 h.
Djs: Me High y Replicante
Photoshoot by Eduardo B. Muñoz & Arantxa Boyero
Hosted by FAST GALLERY Committee.
CLUB ZOMBIE: Charada Club de baile, c. Bola, n. 13.

http://www.facebook.com/event.php?eid=197118782467&ref=share

Crear RED

2009-10-25T20:30:00.005+01:00

Un proyecto iniciado por Liquidación Total en colaboración con el Goethe-Institut Madrid, el Foro Cultural de Austria y los Agentes Artísticos Independientes de Madrid (AAIM) , plataforma que aglutina espacios e iniciativas independientes de productores de cultura contemporánea de Madrid y que desde el año 2006 mantiene un diálogo con el Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid para el reconocimiento y apoyo de esta escena.

El eje central de trabajo de MODIFI #0 es articular el debate alrededor del estado actual de la producción cultural independiente desde el punto de vista del espacio cultural como lugar de producción de espacio social. Se ha realizado una selección de participantes basada en la diversidad de propuestas, contextos, políticas de trabajo y situación dentro del tejido cultural del país.

En paralelo, a través de MODIFI #0 se pretende estrechar lazos y facilitar y acelerar el intercambio de información y conocimiento entre la escena local de Madrid y otros agentes culturales de dentro y fuera de las fronteras del Estado Español, con las miras puestas en una revisión y replanteamiento de las tácticas y estrategias de producción cultural independiente frente al nuevo paradigma de “industrias culturales”.

http://www.modifi.es

La cultura en cifras

2009-10-08T10:47:00.003+02:00

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde ha presentado las cifras del presupuesto de su departamento para 2010 que contará con 867,2 millones de euros. Según la ministra, se trata de un presupuesto "austero que contribuye solidariamente a la política de contención del gasto público anunciada por el presidente del Gobierno. No obstante, el presupuesto es equilibrado y responsable y avala el cumplimiento de los principales objetivos del Ministerio que se centran en fortalecer las industrias culturales y de la creación; garantizar el acceso de los ciudadanos a la cultura; mejorar la colaboración, cooperación y difusión de las culturas de España y optimizar los recursos y flexibilizar y automatizar la gestión interna".

Es oportuno decir que el Ministerio de Cultura es, tras el de Ciencia e Innovación, el que mayor recorte va a sufrir en 2010: un 11,04%

Del total de 867,2 millones de euros, 558,6 millones irán destinados a los diferentes organismos públicos dependientes de Cultura, repartidos de la siguiente forma:

- INAEM: 169 millones de euros.
- ICAA: 120,5 millones de euros.
- Gerencia de Infraestructuras: 119,1 millones de euros.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: 54,9 millones de euros.
- Biblioteca Nacional: 47,6 millones de euros.
- Museo del Prado: 47,5 millones de euros.

Presupuesto por programas

El desglose del presupuesto del Ministerio por programas es el siguiente:

- Cooperación, promoción y difusión cultural exterior: 19,2 millones de euros.
- Archivos: 52,8 millones de euros.
- Bibliotecas: 95,6 millones de euros.
- Museos: 220,2 millones de euros.
- Promoción y cooperación cultural: 37,6 millones de euros.
- Promoción del libro y las publicaciones culturales: 14,2 millones de euros.
- Fomento de las industrias culturales: 29,6 millones de euros.
- Música y danza: 116,2 millones de euros.
- Teatro: 50,2 millones de euros.
- Cinematografía: 123,1 millones de euros.
- Consevación y restauración de bienes culturales: 39,4 millones de euros.
- Protección del patrimonio histórico: 11,5 millones de euros.
- Otros programas (servicios generales, exposiciones, etc.): 57,4 millones de euros.

Apoyo a los sectores

Cultura destinará 112,4 millones en apoyo a la creación, lo que supone un crecimiento del 11% respecto a 2009.

- Música y danza: 6,53 millones de euros (+16,2%).
- Teatro: 7,01 millones de euros (3,24%).
- Fondo: 89.393 euros (+1,58%).
- Bellas Artes y Patrimonio Histórico: 1,3 millones de euros (+54%).
- Libro: 8,2 millones de euros (+8,7%).

El apoyo a las empresas innovadoras aumenta en 10,4 millones de euros, lo que supone un 84,75% más que el año anterior:

- Acción y promoción cultural: 3,15 millones de euros (+47,2%).
- Formación profesionales del sector: 970.000 euros (+94 %).
- Becas: 1,2 millones de euros (+ 20%).
- Ayudas a la inversión: 3,2 millones de euros (+60%).
- Oferta segura en la red (nueva): 1,9 millones de euros.

Patrimonio cultural más accesible

Cultura destinará 7,34 millones de euros para promocionar el turismo cultural y facilitar el acceso de los ciudadanos al patrimonio histórico-artístico, lo que supone un 93,2% más que en 2009.

- Becas y formación: 312.000 euros.
- Inversión en nuevas tecnologías: 1.481.000 euros.
- Ayudas a la promoción del turismo cultural: 490.000 euros.
- Vía de la Plata: 225.000 euros.
- Ciudades Patrimonio: 270.000 euros.
- Proyectos de difusión y conservación de bienes del Patrimonio Mundial: 2.290.000 euros.
- Canal Cultura TVE: 1.540.000 euros.
- Varios: 735.000 euros.

Asimismo, se "va a dar cumplimiento a los compromisos del Gobierno en materia de infraestructuras culturales", continuando con proyectos como el Museo Arqueológico Nacional, dotado con un presupuesto para 2010 de 8,3 millones de euros; el Centro de Restauración y Conservación de Fondos Fílmicos (en Pozuelo de Alarcón, Madrid), dotado con 5,7 millones de euros, o el Museo Palacio de la Aduana de Málaga, con una dotación de 5,6 millones de euros.

En cuanto a las infraestructuras culturales puestas en marcha, el presupuesto para 2010 es el siguiente:

- Centro Nacional de las Artes Visuales (con sede en el antiguo edificio de Tabacalera en Madrid): 1 millón de euros.
- Centro de la Memoria Histórica en Salamanca: 1,6 millones.
- Centro Nacional de las Artes Escénicas y Músicas Históricas en León: 0,8 millones.
- Centro Nacional de la Moda y el Diseño (en el espacio Matadero Madrid): 3,5 millones.
- Teatro de la Comedia: 3 millones de euros.

H.E.L.L.O.

2009-10-05T16:58:00.002+02:00

H.E.L.L.O da nombre a la instalación específica concebida por Jota Izquierdo para La Gallera. La pieza remite en parte a la fascinación que ejerce sobre el artista la cultura cinematográfica y en especial aquella que, bien sea desde la ficción o desde el registro documental, incorpora sucesos o acontecimientos extraordinarios. Pero más allá de esto, el film de Spielberg representa una brillante excusa para llevar a cabo una reflexión sobre la brecha existente entre la realidad y los mecanismos de desvío y ocultación que operan sobre nuestra percepción.

La Gallera, el antiguo recinto construido a finales del siglo XIX se impone con una fuerte presencia a través de su tipología arquitectónica. Como sucede en todo espacio “escénico”, su estructura espacial estaba pensada en origen para favorecer la visión del espectador desde todos los puntos hacia el centro de acción, en este caso, la arena donde tenían lugar las peleas de gallos.

El espacio opaco de este teatro popular se concentra hacia sí mismo sin permitir otras líneas de fuga que no sean las de la escena central. Jota Izquierdo lo ha despojado de su memoria para convertirlo en una especie de set de cine en el cual la luz, esto es, la obra, disuelve a la arquitectura, la inmaterializa, para establecer un único parámetro de percepción sensorial y psicológica. O dicho de otro modo, la obra se fusiona con el espacio y lo absorbe como elemento configurativo.

Ubicados perimetralmente en los dos primeros pisos del recinto, un conjunto de sesenta focos de tecnología LED generan una escala cromática completa, en cuyas variaciones constantes interviene además la composición sonora de cinco notas que da título al proyecto. Luz y sonido articulan así el espacio y se constituyen como única materia en juego. Pero la contundencia de esta arquitectura lumínica y sonora plantea algunas cuestiones que van más allá de la mera experiencia sensorial, y que tienen que ver con el papel del espectador como receptor de una situación que trasciende lo estético para situarse en los límites de una experiencia más cerebral que física.

En la tradición del trabajo de algunos precursores del cine experimental norteamericano de los años setenta, H.E.L.L.O. nos sitúa no solo ante un espacio que hemos de procesar desde parámetros “neuronales”. También tiene como objetivo poner en conflicto el estatus de la obra, su operatividad y eficacia en el espacio, así como nuestra capacidad para amplificar los niveles de lectura y percepción con los que habitualmente nos situamos ante la experiencia artística.

H.E.L.L.O. es un proyecto de Jota Izquierdo

Comisario: Juan de Nieves

Organiza: Consorcio de Museos

La Gallera, Valencia

Hasta el 22 de noviembre de 2009

Camuflajes

2009-10-05T13:28:00.002+02:00

La exposición "Camuflajes" se propone rastrear y describir la presencia del camuflaje en la creación artística reciente. El camuflaje es signo recurrente de nuestra cultura visual: se ha convertido en señal distintiva de las tribus urbanas, en soporte fashion de las grandes firmas de prêt-à-porter, en atributo favorito de cantantes de moda, en protagonista de películas que retratan nuestra condición.

Y también en noción clave para articular una reflexión estética, política y antropológica sobre cuestiones relativas a la conformación de la identidad y de la subjetividad, o el reconocimiento del engaño, la vigilancia, el control, el simulacro, el disfraz, la construcción de lo real o la manipulación como signos distintivos de las sociedades contemporáneas. El conjunto de obras y artistas seleccionados para esta exposición permite apreciar la variedad de papeles que desempeña el camuflaje en la creación actual: como idea, como motivo de inspiración, como patrón formal, como estrategia artística, como síntoma social, como método femenino, etc.

La colectiva, comisariada por Maite Méndez y Pedro Pizarro, está compuesta por Angeles Agrela; José Ramón Amondarain; Liu Bolin; Manuel Cerda; Chema Cobo; Monica Duncan and Lara Odell; Lalla Essaydi; Leo Fabrizio; Adonis Flores; Joan Fontcuberta; Laurent La Gamba; Rogelio López Cuenca; Maider López; Carmen Mariscal; Laura Marte; Mateo Maté; Carlos Miranda; Sonia La Mur; Juan Luis Moraza; Yasumasa Morimura; Harvey Opgenorth; Desiree Palmen; Domingo Sánchez Blanco; Francesca Woodman; Gina Zacharias; Eleanor Antin; Emilio Fantin; Alfredo Jaar; Ottonella Mocellin; Ria Pacquée; Cesare Pietroiusti y Cesare Viel.

La Casa Encendida, Espacios D y E

Hasta el 1 de noviembre

Relevos y portazos...

2009-10-03T18:27:00.003+02:00

El final de septiembre ha traído un buen número de cambios en distintas instituciones culturales españolas, empezando por el cese por motivos presupuestarios, de artista y gestor cultural Kepa Landa, (Arizcun, Navarra, 1969) como responsable del Arteleku de San Sebastián (Guipúzcoa), dependiente de la Diputación de Guipúzcoa. Por las mismas fechas, la diputación vizcaína nombraba, sin concurso público previo, a la comisaria e historiadora Alicia Fernández (Bilbao, 1962) como nueva directora de la Sala Rekalde, de Bilbao. Fernández, directora artística, desde su creación en 2001, de Getxoarte, sustituirá a Pilar Mur, destituida en abril pasado de su puesto. Ambas actuaciones fueron seriamente criticadas, unos días antes de hacerse oficiales, por una nota del Instituto de Arte Contemporáneo que, al parecer, no consiguió modificar el comportamiento de las instituciones públicas vascas.

En el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) se confirmaba, tras siete meses como director en funciones, a Agustín Pérez Rubio (Valencia, 1972) como nuevo director del museo leonés, del que había sido, desde 2003, conservador jefe con Rafael Doctor como director. La convocatoria pública, que en este caso sí existió y a la que se presentaron ocho candidaturas, fue decidida por un jurado integrado por Emilio Navarro, director del Centro de Arte Contemporáneo de Caja Burgos (CAB); José Guirao, director de la Casa Encendida de Madrid; Beatriz Rub, directora del Kunsthalle Zürich; el comisario Octavio Zaya; y Jaime Morate, coordinador técnico de Proyectos de la Fundación Siglo. El nuevo director pidió, en su primera intervención tras su nombramiento, que "se debería mantener la inversión de 1,5 M de Euros al año, que siempre ha sido el compromiso de la Junta, para los próximos cuatro años".

Por otro lado, Rafael Doctor Roncero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1966), ex responsable del MUSAC y último comisario invitado de la madrileña Noche en Blanco, ha sido fichado para dirigir la Fundación Santander 2016, organismo de gestión de la candidatura de Santander a la capitalidad cultural europea, en la que compite con otras dieciséis ciudades españolas.

Y finalmente, el portugués Miguel Von Haffe Pérez (Oporto, 1967) fue nombrado, también por concurso público al que se presentaron 15 candidatos, nuevo director del Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) de Santiago de Compostela (A Coruña), con el objetivo, al parecer, de conceder más importancia a la parte museística y expositiva que a la de creación y producción propia que el CGAC alentó en los últimos años bajo la dirección de Manuel Olveira. Von Haffe llega a Galicia tras haber pasado por la Fundación Serralves, donde comenzó su carrera profesional, y haber comisariado numerosas exposiciones en España, Portugal y Brasil. El CGAC es un espacio de difusión cultural cuya función es dinamizar el panorama artístico actual y reflexionar acerca de la diversidad de las conformaciones culturales en la sociedad

El sueño roto...

2009-10-02T18:52:00.009+02:00

El sueño roto de una ciudad arrogante.

De una ciudad que ha privilegiado al automovil en detrimento del peatón y que ni siquiera se plantea a la bicicleta como un
modo de transporte.

De una ciudad que ha decidido cambiar las aceras de sus calles, pavimentar las principales arterias del centro y hacer grandes obras arquitectónicas sin apenas uso social, a la vez que cierra el grifo a planteamientos alternativos de vida, arquitectura y urbanismo.

Una ciudad debil, que ha amamantado una poderosa oligarquía que ha secuestrado el interés general y nos extorsiona con domingos de fútbol, verbenas y pelotazos.

Una ciudad mezquina que ha visto como el sector servicios se degrada a un límite insoportable, hasta convertirla en una ciudad-fraude.

Una ciudad egoísta que exige mucho a sus ciudadanos y les da muy poco de vuelta.

Una ciudad muy rica, que ha hecho de la cultura oficial e institucional su eje principal, dedicando migajas del presupuesto a la
educación y las artes promovidas por un tejido alternativo que apenas sobrevive.

Una ciudad creida como cosmopolita y que apenas uno rasca su piel, se encuentra con un cuerpo provinciano y uniformizador que da miedo.

Una ciudad políticamente sedada que no responde a los estímulos. El burro instalado en Atocha por Fernández Sanchez Castillo es el mejor ejemplo de ello.

Donde se quedó el derecho a vivir en una ciudad mejor?

Ahora viene el momento de mirarnos a nosotros mismos, de que desaparezca el espejismo en el que muchos han estado instalados durante años y analizar que ciudad queremos.

Tal vez sería bueno que otros muchos viajaran a otras ciudades como Amsterdam, Estocolmo, Montreal, Sacramento, Viena, Munich, Barcelona, etc y vieran como una ciudad amable, sostenible, ecológica, limpia, dinámica culturalmente y cohesionada socialmente es posible en el siglo XXI.

Es esto tan dificil de entender en el sur de Europa?

Escrito por un madrileño del barrio de salamanca de tres generaciones.

Rostros y ventanas

2009-09-30T10:52:00.003+02:00

En abril de 2007 las autoridades municipales desalojaron a los vecinos de la finca Haggerston, en Hackney, el popular barrio del este Londres, para demoler el edificio, y colocaron placas de madera atornilladas a las ventanas, que con el tiempo fueron deteriorándose, dejando una impresión de ruina total.

Cuando esto ocurrió, un par de vecinos, Lasse Johansson y Andrea Luka Zimmerman, ayudados por un amigo, Fennell Tristán, se embarcaron en un proyecto fotográfico al que llamaron I Am Here (Estoy aquí): Pidieron fotos o fotografiaron a 67 antiguos vecinos residentes en el inmueble, las ampliaron y las colocaron en las ventanas en sustitución de las ruinosas placas de madera oficiales.

Y al parecer, la iniciativa ha resultado un revulsivo para la comunidad, ya que a partir de la instalación de esta original propuesta de arte público, la propiedad ha comenzado a replantearse la demolición de la finca y ha iniciado la reconstrucción y remodelación de algunos de los pisos abandonados, de modo que actualmente ya pueden volverse a ver, como en sus mejores tiempos, algunas de las antiguas ventanas reformadas y en buen estado.

En un piso de la calle Génova...

2009-09-25T19:51:00.004+02:00

Una casa sin habitantes, amplia, versátil, dinámica- , diecisiete artistas multidisciplinares intervienen en cada una de sus
estancias. Todos los rincones de su entorno se transforman y dialogan para cobrar nueva vida. Sin más hilo conductor que las paredes y pasillos del laberinto de quinientos metros cuadrados, cada artista seleccionado en esta iniciativa colectiva trabaja una idea, un proyecto independiente. S/T pretende apropiarse de un espacio cuya memoria interviene en cada uno de los trabajos propuestos, un ámbito privado que se transformará tras nuestro paso en otro proyecto de naturaleza especulativa, como la mayor parte de los múltiples espacios desocupados de nuestra ciudad. Un espacio vacío lleno de vacíos. Hacer esos vacíos nuestros, es el objetivo de esta muestra.

Los nuevos espacios cambian el chip del espacio anterior y se presentan como curiosos contenedores de arte contemporáneo en donde tienen cabida las artes aplicadas, la pintura, la escultura, la instalación, el interiorismo, el videoclip, la obra gráfica y la videocreación.

S/T es un proyecto ideado por la comisaria independiente Cristina Vicario. Si bien parte de la tarea de Vicario ha sido plantear y seleccionar las piezas junto con los artistas, no hay un comisario propiamente dicho. La comisaria ha sido la propia casa que planteaba sus dificultades y limitaciones dando mucho juego para su transformación porque el cuerpo de la exposición son las distintas habitaciones. Este piso de principios del Siglo XIX, con recovecos y cierto aire victoriano, actúa, La mayoría de los artistas tienen menos de 35 años, algunos de ellos trabajan para galerías y muchos han sido premiados y recibido becas de diferentes instituciones. La propuesta de S/T tiene un componente lúdico pero detrás hay rigor, formación y experiencia profesional.

Para participar de S/T ha sido condición ineludible, además, tener ilusión, sentir afecto por el proyecto compartido y una entrega del ciento por ciento. En tiempos en los que las subvenciones y ayudas a la creación son escasos y deben repartirse
entre muchos, las iniciativas independientes, que no dependen directamente de instituciones estatales o privadas, son el recurso para que la creatividad tenga presencia. S/T demuestra que no todo está parado, que se pueden seguir haciendo
cosas cuando la unión hace la fuerza.

Entre las obras: presentación del videoclip del tema “Animales vertebrados”, de Cristina Rosenvinge; un collage sobre el empapelado, hecho de mapas de ciudades del mundo sobre el mapa del metro de Madrid, de Rossell Meseguer; las sutiles esculturas de cerámica de Nuria Blanco; las bestias en cajas de luz de Papín Lucadamo; la divertida propuesta señalética de Ana Lou sobre mosaicos de azulejos de porcelana vidriada; el envolvente mural de Fernando Gutiérrez; las impactantes
fotografías de la serie Candor, de Luis Amavisca; el curioso “fondo de armario” de Lara Elbaz y Rafael Gallego; la naturaleza convertida en piezas orgánicas por Yael Barnatán y Ezequiel de Pablo; una verbena de verano según la ve el colectivo Bruto;
el ser tecno-mitológico que emerge del vídeo de Patricio Martínez, las inquietantes atmósferas lumínicas creadas por Gonzalo Pérez Mata … y más.

Ha sido un trabajo maratoniano pero no había que perder la oportunidad. Todos los artistas se han implicado y han sacado la idea adelante con ganas y entusiasmo. En S/T no hay burocracia sino eficiencia en la labor.

S/T (Sin título)
Exposición colectiva

Artistas multidisciplinares intervienen en una casa deshabitada del siglo XIX.

MAITe CAMACHo/
RoSell MeSeGueR/
GonZAlo PéReZ MATA/
nuRIA BlAnCo/
VIDeo SAlA: DAnIel VeGA/
BRuTo/ elenA RenDeIRo/
STRuenDo/ PATRICIo MARTIneZ/
AnA lou/
lIDIA ToGA/
FeRnAnDo GuTIeRReZ/
PAPIn luCADAMo/
luIS AMAVISCA/
lARA elVAZ & RAFAel GAlleGo/
YAel BARnATAn & eZeQuIel De SAn PABlo/
JuAn PABlo VIllAlPAnDo/

Del 1 al 15 de octubre de 2009
Génova, 7 – 5º izda. Madrid.

Inauguración para prensa, galeristas y gestores culturales: 13h.
Inauguración al público: 20h.

Abierto de 10 a 14h. y de 17 a 20h.
Entrada gratuita.

www.myspace.com/st_sintitulo

El pueblo de los niños rotos

2009-09-08T11:48:00.004+02:00

El macrobotellón celebrado el pasado sábado en Pozuelo de Alarcón que dio origen a una batalla campal y concluyó con un enfrentamiento entre un grupo de 200 jóvenes y la policía ha sido la noticia nacional de estos días.

Desde numerosos medios y plataformas de comunicación, los periodistas "habituales" y los tertulianos "especializados" se preguntan que está pasando con los jóvenes. Hemos sufrido un rosario de pseudo-análisis por parte de periodistas de gama amarillo a naranja a los que mueve la ignorancia y el miedo a cambiar las cosas de verdad, buscando soluciones desde la raiz.

Tampoco hemos podido escuchar una reflexión, normalmente sosegada y de cierto calado, por parte de los sociólogos, esos profesionales imprescindibles para entender la realidad del siglo XXI. En el sector empresarial y sistema educativo anglosajón casi nada se decide sin su consejo u opinión. Son profesionales especializados hiper cualificados en temas de desarrollo educativo y social. Aquí, para muchos, la sociología sigue siendo una carrera "maría" para futuros funcionarios sin estímulo a aparcar en el INE o el CIS.

La reacción política hacia estos hechos de Pozuelo es para echarse a llorar. Desde el alcalde del municipio que se sale de la curva diciendo que han sido alborotadores de fuera, pasando por la concejala de Cultura y Festejos, África Sánchez (alguien que tendría que haber dimitido ya) que sin cortarse un pelo dice que no hay una ordenanza concreta que regule las fiestas. La presidenta regional pide una investigación y más policia en la calle y la delegada del gobierno una reunión para plantear alternativas de ocio para los jóvenes!!

En medio del barullo, Juan Ramón Lucas (RNE) desaprovecha su momento de oro al tener a primera hora en su programa de radio al alcalde de Pozuelo y tras pelotearle sin rubor por la gran labor cultural del municipio!! le ofrece su espacio para que el regidor se cubra de gloria y se quede tan ancho. Eso no es radio pública modelo BBC.

Es importante decir que Pozuelo de Alarcón es un ejemplo escandaloso de mala gestión pública de los fondos dedicados a cultura y un paradigma de pueblo rico en el que las artes no tienen apenas visibilidad.

Que sólo en un barrio de Madrid como el de Lavapiés se haya generado más tejido cultural que en Pozuelo, territorios con una diferencia de renta per cápita que supera en porcentaje a la que hay entre España y Marruecos, y que estas diversas iniciativas artísticas hayan florecido en los últimos años sin apenas ayuda pública ( la privada no sabe, no contesta) debería llevar a una reflexión a esos políticos, periodistas, padres y madres tan ocupados que se hacen muchas preguntas estos días.

Seguro que hacer un viaje en solitario a donde sea, enrolarse como cooperante en un proyecto de ayuda al desarrollo en un país dificil, ir a algunos centros de arte y abrir un poco la mente, hacer un sencillo pic-nic en un bosque, subir a una montaña, viajar en transporte público etc, son alternativas mejores a la experiencia que prometen las marcas de automóviles BMW o Audi, al éxtasis que supuestamente se produce en la visita a los centros comerciales o a la pedagogía televisiva nacional que asegura la formación de nuestras jóvenes generaciones.

Al final va a resultar que en las artes, en la educación con valores ciudadanos, en las opciones de vida no encorsetadas socialmente, en definitiva en la verdadera libertad, va a estar la respuesta a muchas de estas preguntas.

Unos datos sobre Pozuelo de Alarcón:

- Población. 82.984 habitantes. El 19,88% son menores de 16 años.

- Afiliados a la Seguridad Social: 706,08 por cada 1.000 habitantes (frente a 493,71 de la Comunidad).

- Paro en menores de 25 años: 6,17% (11,2% regional).

- PIB 'per cápita': 39.721 euros (30.094 de media regional).

- Alumnos en centros privados: 82,22% (46,46% de media en la Comunidad).

En la frontera de...

2009-09-01T13:19:00.002+02:00

Seppo Renvall, que en la próxima Bienal de Venecia presentará la sauna más grande del mundo, construirá un prototipo hecha con material reciclado para el Festival Surpas que tendrá lugar en Portbou (Girona) del 3 al 5 de septiembre. En la sauna tendrá lugar una actuación sorpresa.

Con esta nueva actividad, y los 60 artistas que participan en la edición de este año, el Festival Surpas se presenta como una buena ocasión para ver buenos exponentes de la cultura libre y popular en un entorno tan especial como el de Portbou, en la frontera franco-catalana.

Una de las características del Surpas es que incluye actividades que se desarrollan durante el festival a modo de “work in progress”. Así, se podrá ver el trabajo de diferentes streetartistas, como Raquel Sacristan, Ilia Mayer o Andrea Michaelsson, un cortometraje colectivo hecho con los participantes en los talleres de creación y edición audiovisual, la construcción de la sauna por parte de Seppo Renvall, una jam-session en una de las proyecciones de cine mudo al aire libre con música en directo o un taller de animación para los más pequeños impartido por Marcel Pie.

En este festival interdisciplinar también se podrán ver diferentes actividades: música transnacional, cine mudo al aire libre con música en directo, una sesión de videoarte, una exposición de arte contemporáneo, audiovisuales para los más pequeños, música electrónica con programa libre, sesiones especiales de DJ y VJ y una sesión de documentales alrededor del tema de la memoria histórica.

Con los documentales Ich bin Enric Marco, En la encrucijada y A l’ombra d’una bandera, el Festival Surpas quiere establecer un debate alrededor de la memoria histórica, inspirándose en la figura de Walter Benjamin, que murió en Portbou mientras escapaba de las SS nazis, y desarrollando un punto de vista crítico sobre ciertos aspectos históricos a partir de sus testimonios.

www.festivalsurpas.org

Sociedad avanzada

2009-07-27T13:20:00.004+02:00

Canadá quiere saber qué opinan sus ciudadanos sobre el 'copyright'. El gobierno pone en marcha una iniciativa en Internet para recopilar ideas sobre cómo legislar en la materia. El último proyecto de ley de reforma del copyright canadiense fue controvertido. Elaborado en secreto, proponía una serie de medidas que modernizaban una ley con más de 10 años. En cuanto salió a la luz fue públicamente vapuleado; ahora el gobierno del país americano no quiere cometer el mismo error y ha puesto en marcha una serie de propuestas para que sea el público el encargado de dar ideas.

El proyecto de ley C-61, presentado el pasado año, fue más discutido de lo esperado. A pesar de establecer multas menores para los internautas que descargasen contenido protegido, comparada con la ley estadounidense, o permitir copias de seguridad (aunque sólo de libros, periódicos, videocasetes y fotografías), contemplaba una serie de derechos para los poseedores del copyright que causaron varias protestas de grupos de consumidores canadienses y de una parte importante de la sociedad.

En concreto el proyecto apoyaba medidas como el DRM (gestión de derechos digitales, en español), una tecnología que controla el acceso a contenido digital y que ha tenido una gran cantidad de detractores (el mismo Steve Jobs, de Apple, llegó a decir que la medida no favorecía la venta de música online).

Ahora el Gobierno canadiense ha decidido poner en marcha una iniciativa ("Consulta de copyright") que permitirá a cualquier ciudadano u organización canadiense expresar su punto de vista sobre el tema. El gobierno asegura en la web del proyecto que "escuchará las distintas opiniones y con ellas en mente presentará un nuevo proyecto de ley".

En el sitio los usuarios pueden encontrar todo tipo de enlaces con información sobre leyes anteriores, acceso a foros de discusión virtuales o elementos multimedia explicando los conceptos básicos a tener en cuenta. Desde la web se puede enviar un cuestionario que responda a las preguntas que hace el Gobierno a sus ciudadanos: ¿cómo crees que deberían modificarse las leyes de copyright, de modo que estos cambios lleven a una mayor competitividad, innovación y creatividad en el país?

La ley que regula la propiedad intelectual en España data de 1987 y fue reformada por última vez en 2006. Una de las medidas más controvertidas ha sido el establecimiento del canon digital, por el cual se grava a los fabricantes de soportes electrónicos con el objetivo de cubrir las ingentes perdidas de ingresos que la industria cultural y de contenidos sufre por las descargas ilegales de usuarios de internet y la piratería de mafias organizadas.

http://copyright.econsultation.ca

Testigo recogido

2009-07-24T15:22:00.002+02:00

Ángeles Albert de León ha sido nombrada hoy viernes por el Consejo de Ministros como nueva directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, a propuesta de la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde.

Nacida en Madrid en 1962, Ángeles Albert es Licenciada en Geografía e Historia, especialidad de Prehistoria y Arqueología, y funcionaria del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos del Ministerio de Cultura. Actualmente se encontraba en servicio activo en la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación.

A lo largo de su trayectoria profesional ha sido directora del Centro Cultural de España en México desde su creación y ha formado parte del Gabinete Técnico de la Subdirección General de Museos Estatales del Ministerio de Cultura, desde donde ha participado en diversos proyectos museográficos para instituciones como el Museo Nacional de Altamira, el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí o el Museo Arqueológico Nacional, entre otros.

En la actualidad estaba destinada en la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, para la que ha ocupado el cargo de Subdirectora General Adjunta de Cooperación Cultural y Promoción Cultural Exterior y, más recientemente, el de Jefe de la Unidad de la Red de Centros Culturales en el Exterior.

Albert se convierte de esta manera en la primera mujer desde la creación del Ministerio de Cultura en 1977 en ocupar la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura, donde llega para sustituir a José Jiménez que días pasados presentó su dimisión a la ministra de Cultura.

El arte de la calle

2009-07-24T12:37:00.004+02:00

La Fundación Cartier de París expone hasta el próximo 29 de noviembre el proyecto Nacido en las calles: Graffiti, una muestra que ocupa la fachada y todo el espacio interior de la galería, además del jardín que rodea el edificio.

Esta exposición pone de manifiesto el extraordinario desarrollo de un movimiento artístico que nació en las calles de Nueva York a principios de la década de los setenta, en un momento de inestabilidad política recesión económica, para convertirse en un fenómeno que se extendió rápidamente por todo el mundo.

El graffiti es ya reconocido por muchos de nosotros como una expresión artística mayor y legítima en cuanto a su práctica. Lo curioso es que tenga que ser la Fundación Cartier la institución que "coloque" este tipo de arte como aceptable y legal, cuando para otros muchos (por ejemplo, la mayoría de ayuntamientos de España) sigue siendo una cuestión entre marginal, amateur o inconsistente.

En fín, que el glamour de la Cartier, seguro que vence la resistencia de algunos. Y, por favor, no confundir, el arte del grafitti con las firmas cutres con rotuladores y las rayaduras en cristales que un enjambre de descerebrados realizan en fachadas de edificios o en el mobiliario urbano.

Precisamente por todo esto, el objetivo de esta exposición es dar a conocer las bases del graffiti, un tema extremadamente amplio y complejo, una forma de expresión que ha llegado a abarcar diferentes técnicas, ideas y estilos. Partiendo de los orígenes del movimiento, el proyecto de la Fundación Cartier ofrece un panorama general con obras de algunos de los mejores autores de esta especialidad, como Basco Vazco, Cripta, JonOne, Barry McGee, Nug, Evan Roth, Olivier Kosta-Théfaine o P.H.A.S.E.2 y, además, incluye un apartado dedicado a la diversidad de la escritura contemporánea para redescubrir el graffiti como arte y como una expresión en continua evolución.

http://fondation.cartier.com

Relevo en cultura

2009-07-23T16:08:00.004+02:00

José Jiménez, director general de Bellas Artes del Ministerio de Cultura se marcha. No nos pilla de sorpresa, pero nos deja muy preocupados. En estos dos años su departamento ha impulsado notables medidas de apoyo al sector del arte contemporáneo y ha realizado una importante profilaxis, implantando el código de buenas prácticas y promoviendo su aplicación en la gestión de proyectos culturales.

Este viernes, mañana, sabremos quien es su sucesor y de que color es el testigo que elije para dirigir el departamento. Ese día el Consejo de Ministros tiene previsto relevarle como director general de Bellas Artes, una vez que ha presentado la dimisión del cargo a la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde. Profesor de Filosofía y catedrático de Estética, Jiménez ya había mostrado su deseo de abandonar la dirección general de Bellas Artes para reincorporarse a su actividad docente, a pesar de haber sido confirmado en el cargo por la ministra tras la remodelación del Ejecutivo en abril de 2009.

Vinculado al anterior ministro de Cultura, César Antonio Molina, Jiménez fue nombrado director general de Bellas Artes y Bienes Culturales en el Consejo de Ministros celebrado el 13 de julio del 2007. En aquel momento era director del Instituto Cervantes de París. Ya en su toma de posesión, el director general anunció su deseo de mantener el compromiso con el mundo del arte aplicando el código de Buenas Prácticas en museos y centros de arte contemporáneo, incluso generalizándolo. Esto respondía a su objetivo de mejorar en lo posible la gestión de los centros de arte y de los museos y cuidar un patrimonio histórico artístico de gran riqueza.

José Jiménez presidió el comité de expertos que seleccionó a Manuel Borja-Villel para sustituir a Ana Martínez de Aguilar al frente del Museo Reina Sofía, tras la convocatoria de un concurso internacional de candidatos. Otro de sus trabajos ha sido la elaboración de la Ley del Patrimonio Cultural de España, pendiente de su aprobación, así como la remodelación del Museo Arqueológico Nacional.

Artistas galegos...internacionales

2009-07-22T11:56:00.006+02:00

Os adjuntamos el fallo del jurado de las becas promovidas por el MACUF Museo de Arte Contemporáneo UNION FENOSA.

Una alegría por este apoyo institucional a artistas emergentes y una oportunidad para creadores con talento que pueden disfrutar en el extranjero de recursos, redes de apoyo, contactos y visibilidad exterior.

Reunido en A Coruña el Jurado de las Becas de Creación Artística en el Extranjero Unión Fenosa 2009, integrado por Antón Castro Fernández, en calidad de presidente, por Alberto Ruíz de Samaniego como vocal, e Iñaki Martínez Antelo, que actúa como secretario, acuerda por unanimidad

Otorgar las Becas a las que se refiere la presente convocatoria a los proyectos presentados por los creadores siguientes por orden alfabético:

NANO4814,para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en NUEVA YORK Y MÉXICO D.F.

FÉLIX FERNÁNDEZ, para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en BALTIMORE CITY – NUEVA YORK - BERLÍN.

DAVID FERRANDO GIRAUT, para el desarrollo de su proyecto de investigación, desplazamiento y estancia en LONDRES.

Suplentes mencionados por orden:

1º VICTORIA DIEHL LÓPEZ
2º ANTÓN CABALEIRO
3º RITA RODRÍGUEZ

El Jurado valora la amplia concurrencia de los candidatos y el alto nivel de calidad de todos los trabajos presentados.

Desde aquí, enhorabuena a todos!!

www.macuf.com

El arte de jugar

2009-07-12T22:18:00.005+02:00

La ministra de Cultura ha afirmado hoy en Gijón, en el acto de inauguración de la Feria Internacional de Ocio Interactivo Gamelab 2009, que los videojuegos forman ya parte del mundo de las artes y ha destacado su potencialidad para desempeñar una importante labor social y configurarse como un elemento de "mestizaje".

González-Sinde ha recordado que la industria del videojuego factura cerca de 1.500 millones y da empleo a 3.000 personas. Ha reflejado, además, que el 57 por ciento de productos de ocio adquiridos por los españoles pertenece a este sector y ha contrapuesto el "miedo" de aquellos que ven los "riesgos" y temen por la disolución de la identidad y la reducción de los espacios de intimidad a causa de las nuevas tecnologías con los que, como ella, vislumbran una oportunidad para ampliar espacios de cooperación.

Por ello, ha mostrado el compromiso del Gobierno central por "propulsar el talento" y convertir al sector en una industria cultural del rango del cine, las artes plásticas o la música. Ha advertido del potencial que suponen y ha destacado que ni siquiera los propios expertos pueden analizar hasta dónde llegará su desarrollo y relevancia. En este sentido, ha considerado que los videojuegos e internet superan las capacidades de "cualquier institución" por su falta de capacidad de control y su capacidad para difundir mensajes.

"¿Por qué un artefacto cultural no tiene el reflejo que tiene el cine: por miedo, por ignorancia...?", se ha preguntado el escritor Vicente Verdú, presente en la feria. Verdú ha añadido que las nuevas tecnologías han modificado el panorama de la interactividad en todos los sentidos y ofrecen un nivel de actuación a los ciudadanos superior al que otorga la política, el sexo, la educación y la vida en general.

Para Guillermo Corral, director general de Políticas e Industrias Culturales, no resulta "llamativo" que el Ministerio considere los videojuegos una industria cultural y ha señalado que lo contrario sería lo que llamaría la atención, dado el carácter "multidisciplinar" y la "capacidad de narración de estas aplicaciones informáticas".

www.gamelab.es

Carrera de galgos

2009-07-12T15:28:00.005+02:00

Finalmente, se produjeron las jornadas de debate sobre el futuro centro de arte Canódromo de Barcelona. Además esto ha supuesto el inicio del Consell y sus actividades públicas. Habrá convocatoria de concurso público para cubrir el puesto de director? Es necesario este centro? Bajo que ejes y programas de actuación? Y el tejido de la ciudad, que dice? Aquí van unas jugosas aportaciones reportadas por los colegas de A-desk*

Carles Guerra: "Es importante preguntarse, no tanto por el espacio físico, sino por como se articulará la arquitectura civil." "Es necesaria una cierta tensión, también para ayudar a definir contextos."

Amanda Cuesta: "Desde el pragmatismo y el sentido común, es necesario asegurarse ciertas condiciones necesarias para el funcionamiento del nuevo centro." "En el proyecto, el bar no existe. Y un bar es un lugar fundamental de sociabilización."

Jorge Luis Marzo: "Alerta ante el verdadero debate (debate secuestrado) que es el de la politización de la cultura." "no tenemos un problema global, sino local." "Es inaceptable que el nuevo centro no tenga el mismo presupuesto que tiene Santa Mònica: 2.3 millones de €." "El nuevo centro debe ser un taller permanente."

Latitudes: "Incorporar la identidad del Canódromo, mantener el nombre e incluso la tipografía." "Debe cubrir un vacío, el que ocupaban espacios como Montcada o CASM. Y una de sus misiones debe ser la profesionalización e internacionalización de artistas, comisarios, etc."

Joan Fontcuberta: "Ideario del nuevo centro de arte, aspectos que debe atender: lo experimental, lo que no se vende; lo inmaterial (ideas, propuestas, cosas que pasan fuera de sus muros); los agentes (artistas, comisarios, el público..); a quien pertenece el centro de arte, se debe pensar en la participación; metodología dirigida a estimular, movilizar con una pedagogía que proporcione herramientas; debe atender al contexto urbano, histórico y cultural. Y, en definitiva, debe ser un instrumento para la integración."

Daniel García Andújar: "El arte es instrumento de transformación social." "Se da por sentado que el centro debe ocuparse del arte emergente, perohay que definirlo. Arte emergente no debe identificarse con una fecha de nacimiento, sino con la voluntad de riesgo, de asumir riesgos."

Bartomeu Marí: "La desaparición de espacios estos últimos años, desde el cambio de orientación de Santa Mònica, la desaparición de la sala Montcada o la remodelación de la Fundació Tàpies, nos ha dejado solos." "Los límites de un centro de arte o un museo no tienen que ser excluyentes." "Ni presupuesto, ni personal, ni metros cuadrados, marcan la relevancia de un centro de arte"

Oriol Gual: "Soy partidario de la biodiversidad. La Capella cumple una función. Si se diluye en un nuevo proyecto esa biodiversidad se empobrecerá".

David Santaeularia: "Espai Zero1 nace antes como proyecto que como espacio real. Espai Zero 1 es un proyecto consensuado, discutido, que parte del trabajo en líneas horizontales y que concibe las propuestas de manera integral." "La exposición es la parte visible de un proceso más amplio." "Un exceso de planificación corre el riesgo de que aparezcan una serie de centros clónicos por todo el territorio."

Gloria Picazo: "De vez en cuando, alguna batalla sí que se gana. Hace seis meses no teníamos nada y ahora podemos estar aquí discutiendo." "Faltan voluntades políticas ambiciosas, que no sean puntuales, sino que tengan continuidad. Es necesario tener una mirada a largo plazo." "Tanto Bòlit en Girona como La Panera en Lleida deben trabajar sobre el territorio, pero no desde un plano teórico. No se trata tanto de compartir recursos (exposiciones itinerantes) sino de considerar el potencial repartido en el territorio." "El Canòdrom no tiene que hacer ni más ni menos que la Panera o Bolit."

Rosa Pera: "Lo que realmente diferencia a unos centros de otros es el contexto: no es lo mismo Girona que Lleida." "Producir nuevos públicos: el público ya existe." "Se ha hablado de que el Canòdrom no tiene sala de actos. Es lo de menos. En el barrio hay cines, Fabra i Coats, asociaciones de vecinos..." "Falta aire fresco."

Anna Capella: "Llevamos desde el cambio de gobierno con mucha ilusión pero también con mucha paciencia." "Lo que reclamamos desde el territorio es que se tengan en cuenta las realidades locales del país." "Y plantearse preguntas: ¿por qué arte emergente? todos somos emergentes aunque tengamos canas; ¿Por qué producción? pensemos también en la colección, en cuidar las obras." "Concurso internacional: espero que los artistas de aquí expongan fuera como los de fuera tienen sitio aquí."

Jordi Abelló: "Me parece una metáfora adecuada recordar que el Canòdrom era un lugar en el que el esfuerzo de los perros, sus carreras, eran observadas y daban beneficios a otros."

Victor Suñol: "El centro H de Vic , que no sabemos si existe, es fruto de un trabajo de 20 años de un colectivo." "La pregunta es: ¿qué se tiene que hacer en función de la existencia del Canòdrom? o ¿qué tiene que hacer el Canòdrom en función de lo que ya hay?"

Clara Garí: "Nosotros, la Nau Côclea, estábamos antes que Macba, CCCB, Bolit, Panera..."

Pedro Soler: "El ecosistema no sólo es Catalunya, es España y el mundo"

Victor Lobo: "¿Qué papel puede tener el Canòdrom en relación con colectivos, asociaciones, fundaciones, gestores...? Se puede generar un ecosistema en el que los grandes se coman a los pequeños. A veces la aparición de un nuevo elemento en vez de sumar, resta."

Pep Dardanya: "¿Relación de Can Xalant con el Canòdrom?: de servicios."

Sergi Díaz: "Triángulo: Sant Andreu Contemporani, proyectos y arte emergente; Fabra i Coats, recursos y servicios; Canòdrom, presentación. Todos contribuirán a reconstruir el mapa de la ciudad (sumando la nueva estación del AVE)." "El futuro del Canòdrom dependerá del equipo directivo."

Tere Badia: "Es significativa la ausencia aquí del Arts Santa Mònica. Para conocer su modelo y su lugar en este ecosistema." "Como siempre nos encontramos con la urgencia de pensar los contenidos de un nuevo equipamiento."

Manel Guerrero (desde el público): "Ars Santa mònica no está en la mesa, porque no nos han invitado."

Xavier Monteys (desde el público): "Nos sentimos como el chofer de Paseando a Miss Daisy. El edificio tiene unos espacios adaptables y que pueden tener diversos usos. En contraste con Santa Mònica este es un edificio abierto. Me opongo a la excitación arquitectónica que supone Santa Mònica"

http://www20.gencat.cat/docs/CulturaDepartament/ICAC/Merce%20Ribas/documents/arxius/Can_11_nwsltr.pdf

Reconocimiento y posicionamiento

2009-07-11T15:29:00.004+02:00

El Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes (CONCA) de Cataluña ha concedido a Francesc Torres (Barcelona, 1948) el Premio Nacional de Artes Visuales, dotado con 18.000 Euros. En 2008 fue Carlos Pazos (Barcelona, 1949) el distinguido con este premio.

Los “Premios Nacionales de Cultura” de la Generalitat de Catalunya, fueron instituidos por el Gobierno catalán el año 1982 y son continuadores de los que la Generalitat otorgó entre 1932 y 1938. Desde el año 1995 se conceden anualmente a personas o entidades que han sobresalido con sus aportaciones o actividades en cada uno de los respectivos ámbitos culturales, desarrolladas durante el año anterior.

En esta edición ha sido  el Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes (CONCA) el que por primer año concede los “Premios Nacionales de Cultura de Cataluña”, a propuesta de los miembros del Jurado.

  El Premio Nacional de Artes Visuales se ha otorgado al artista Francesc Torres por la exposición retrospectiva Da Capo, presentada en el MACBA, que “recoge de forma exhaustiva la evolución de su trayectoria, así como su compromiso social y político. La exposición refleja su capacidad de incorporar nuevas herramientas y lenguajes, así como su voluntad de entender el presente sin olvidarse del pasado”.  

Cataluña, una vez más, da ejemplo de compromiso social con el arte, premiando a un artista no comercial, desde un órgano independiente. Un escenario que ya quisieramos para muchas CC.AA de España. Una utopía!

Los Premios se entregarán el próximo día 3 de octubre en un acto que se celebrará este año en el auditorio Enric Granados de Lleida.

Enhorabuena a Frances Torres y un gran agradecimiento por una trayectoria impecable de coherencia, riesgo y compromiso.

www.francesctorres.com

Una forma de vida

2009-07-06T11:29:00.006+02:00

Lo 'queer' propone un modo de vida particular y en cierto modo militante y tangente, excéntrico y de revisión de la realidad, de modo que no sólo existen artistas queer sino perspectivas o miradas queer.

Queer Portraits es un conjunto de piezas de videocreación de artistas españoles y extranjeros con propuestas muy diferentes, desde el más cercano a la teoría queer hasta el que puede leerse desde una perspectiva queer.

Jugando con dicho término (raro, en castellano) ofrece una colección heterogénea de aproximaciones al tema clásico del retrato en formato audiovisual, así como un amplio abanico de temas propuestos por los artistas en torno a él: identidad, género, actitud, humor, recuerdo y política.

Desde 2005, comisariado por David Trullo y dentro del Festival de Cultura LGTB de Madrid VISIBLE, Queer Portraits ha mostrado trabajos de artistas emergentes que no han tenido cabida en otras muestras y trabajos inéditos en España de artistas nacionales e internacionales consagrados. Algunos de ellos han realizado piezas especialmente para esta muestra.

'Para Sempre', Eduardo Valiña (ES)
'Fag Fighters in Tallinn', Karol Radziszewski (PL)
'Regresa', Gustavo Adolfo Valdez (PE)
'Happy Cruising', Roberto Delgado (ES)
'Cigarettes, reading, masturbation and boys', Diane Torr (UK)
'La Valse 1', Thomas Reydellet (FR)
'Introakto', Post Op (ES)
'Wasted Days', Jerry Tartaglia (US)

Off Limits
c/ Escuadra 11. Madrid

http://www.offlimits.es

European young art

2009-07-06T10:38:00.002+02:00

La ciudad de Montrouge, Francia, será la sede de una nueva edición de la Bienal Europea de Jóvenes Artistas (Jeune Création Européenne), que se celebrará del 26 de septiembre al 25 de octubre de 2009.

El edificio de la Montrouge Fabrique será quien acoja, por invitación expresa del alcalde de la localidad francesa, a los jóvenes artistas emergentes de nueve países europeos en la primera fase de una exposición itinerante que posteriormente continuará su recorrido por el resto de países participantes.

La Bienal de Jóvenes Artistas es una muestra que descubre el panorama de las tendencias innovadoras del arte en nueve países diferentes a través del trabajo de 90 artistas prometedores que dan sus primeros pasos en el escenario internacional de comercio e instituciones de arte.

La base de la organización es una red europea de ocho ciudades piloto europeas cuyo objetivo es apoyar el arte contemporáneo producido por una decena de jóvenes artistas en cada uno de estos países. Además de estos ocho países componentes, uno más, Polonia, ha sido invitado a participar en la primera fase de exposición en Montrouge.

En cada uno de estos 9 países, se ha pedido a un comisario ligado estrechamente a la escena artística y cultural que seleccionara a diez “Genios en gestación” del ámbito exterior a las escuelas de arte. En el caso de España, el comisario elegido ha sido Mario Pasqualotto, profesor y comisario de exposiciones en el Centro Cultural Tecla Sala de L’Hospitalet de Llobregat.

http://www.ville-montrouge.fr/temps-libre/art-contemporain/biennale-de-la-jeune-creation-europeenne/

Pole Position

2009-07-02T12:16:00.006+02:00

Nos llega la noticia de esta convocatoria que despeja definitivamente las dudas sobre el claro liderazgo internacional que el British Council lleva ejerciendo en los últimos años en el ámbito de lo que entendemos como cultura global.

El concurso convocado para seleccionar un "quinto comisario" es, sin lugar a dudas, una oportunidad única para los aspirantes de fuera del Reino Unido que quieran comisariar una exposición de la British Council Collection, que posee 8.500 obras clave del arte británico del siglo XX y XXI.

Los aspirantes están invitados a presentar una propuesta de exposición original, basada exclusivamente en obras de la colección propia de la institución. La propuesta ganadora se materializará en la realización de una serie de cinco exposiciones que se llevarán a cabo en la Whitechapel Gallery, al este de Londres.

En noviembre de 2009, seis candidatos pre-seleccionados, serán invitados a Londres para tomar parte en una semana de trabajo de desarrollo profesional con el Departamento de Artes Visuales del British Council. Durante esa semana, los solicitantes perfeccionaran sus propuestas con el asesoramiento, la orientación y los recursos de personal del propio British Council. Se les dará la oportunidad de visitar la galería Whitechapel para ver la propuesta de espacio de exposición y se reunirán con su equipo de comisarios. Al final de la semana, la propuesta ganadora será seleccionada por un grupo de distinguidos especialistas mundiales en arte, y la presentación del ganador se hará pública en el transcurso de una cena.

Impecable.

La verdad es que los directores de cultura del Instituto Cervantes se tendrían que dar un buen baño de buenas prácticas, hacer un curso de actualización sobre transparencia en la gestión y la democratización del arte, además de entender que la lengua española y lo español en sus múltiples acepciones culturales nos pertenence a todos.

No estaría mal empezar por promover desde esta institución convocatorias públicas abiertas para artistas y profesionales del sector, crear un estatuto de director de centro y establecer concursos para nombrar a estos responsables, como primeros pasos para un cambio que es necesariamente mayor.

http://collection.britishcouncil.org/about/news/2210/2212

Disonancias

2009-07-01T10:02:00.004+02:00

Disonancias es una iniciativa patrocinada por la Agencia de Desarrollo del País Vasco (Spri) y las Diputaciones de Gipuzkoa, Álava y Bizkaia, que trata de fomentar la colaboración entre artistas y empresas. Ya son siete las organizaciones vascas que están trabajado con artistas y realizando proyectos innovadores.

El concepto del que parte este plan de colaboración entre artistas y empresas es cuando menos innovador y desde luego tiene su fundamento. Se parte de la premisa que los artistas son por definición investigadores. En el marco de sus colaboraciones con las empresas, proponen nuevas y diferentes vías de innovación, introduciendo desviaciones y disonancias en los procesos habituales de pensamiento y actuación, aportando creatividad y metodologías de trabajo, y sirviendo de catalizador a los miembros de un equipo.

Para el director del proyecto, Roberto Gómez de la Iglesia, Disonancias suele ser un revulsivo para las empresas participantes y, en parte también para los artistas. El cien por cien de las empresas cambia su punto de vista con Disonancias. Se les abren mundos”, comenta Gómez de la Iglesia. En el caso de los artistas, a menudo rompen sus prejuicios y descubren dimensiones de las empresas que no esperaban.

Este año, la fórmula se ha trasladado hasta Cataluña, donde en la primera edición están participando cuatro empresas. Incluso la Comisión Europea ha distinguido recientemente a Disonancias como buena práctica por su afán de extender la cultura de la innovación y transmitir a la sociedad la importancia de desarrollar entornos creativos.

www.disonancias.com

Inéditos 09

2009-07-01T09:40:00.003+02:00

La Obra Social Caja Madrid presenta la exposición que reúne los tres proyectos ganadores de Inéditos 2009, un programa que este año cumple su octava edición y que busca potenciar la realización de proyectos de exposición inéditos que traten sobre cualquier faceta de la creación artística actual y que destaquen por su innovación, calidad y adecuación a los recursos disponibles.

El programa es uno de los pocos de nuestro país que fomenta la inserción de los jóvenes comisarios en los circuitos profesionales, facilitando a los seleccionados la posibilidad de producir su primera exposición y editar un catálogo del conjunto de la muestra, concediéndoles, además, una ayuda de 3.000 euros como honorarios. Inéditos se ha consolidado como uno de los programas de ayuda al arte joven de referencia en Europa.

Los ganadores de la convocatoria de este año son Emma Brasó y Héctor Sanz Castaño. con el proyecto SIN-TAG. Anónimos, Pseudónimos y Álter egos; Beatriz Alonso y Victoria Gil-Delgado, con Como diría Roland Barthes, ni te cases ni te embarques; y Direlia Lazo con A la vuelta de la esquina.

Durante los últimos años, Inéditos ha mostrado los trabajos de 32 jóvenes comisarios que, de forma individual o en equipo, han presentado 21 exposiciones sobre diferentes aspectos del arte contemporáneo. El jurado de este año ha estado compuesto por José Guirao, director de La Casa Encendida de Obra Social Caja Madrid; Javier Hontoria, crítico; Marta Rincón, responsable de exposiciones de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX), e Isabel Tejeda, comisaria.

La Casa Encendida. Madrid

Hasta el 30 de agosto de 2009.

http://www.lacasaencendida.es/

Orgullo de país

2009-06-29T17:52:00.003+02:00

España es uno de los peores países industrializados de la OCDE en las categorías de buen gobierno y lucha contra la corrupción, según un informe del Banco Mundial (BM), que evalúa la situación en más de 200 países de todo el mundo.

La octava edición de "Los Indicadores Mundiales de Buen Gobierno" muestra que España no sólo no ha mejorado en la última década en los seis parámetros que evalúa el estudio, sino que ha empeorado en apartados como el de la "Efectividad gubernamental", que mide el funcionamiento de la burocracia estatal.

En general, en todas las dimensiones de gobernabilidad, España está por debajo de la media de la OCDE, aunque figura por encima de países como Italia, Grecia y Chipre. Los autores del informe definen gobernabilidad como las tradiciones e instituciones mediante las cuales se ejerce la autoridad en un país, lo que incluye la forma en la que se seleccionan, controlan y reemplazan los gobiernos, así como la capacidad de estos para formular e implementar políticas sólidas.

A eso se suma el respeto de los ciudadanos y el estado por las instituciones que gobiernan las interacciones económicas y sociales entre ellos. En el informe participaron decenas de miles de personas de todo el mundo, desde ciudadanos de a pie, hasta expertos del sector privado, organizaciones no gubernamentales y representantes del sector público.

Uno de los puntos más preocupantes para España es el de la "Efectividad gubernamental", en el que ha habido un deterioro significativo desde 1998, cuando el país estaba entre los 20 mejores del mundo y en línea con la media de la OCDE.

Informe completo (Inglés)

http://www.elpais.com/elpaismedia/ultimahora/media/200906/29/espana/20090629elpepunac_3_Pes_PDF.pdf

Beat It, Beat It, Beat It

2009-06-27T14:11:00.003+02:00

They Told Him Don't You Ever Come Around Here
Don't Wanna See Your Face, You Better Disappear
The Fire's In Their Eyes And Their Words Are Really Clear
So Beat It, Just Beat It

You Better Run, You Better Do What You Can
Don't Wanna See No Blood, Don't Be A Macho Man
You Wanna Be Tough, Better Do What You Can
So Beat It, But You Wanna Be Bad

Just Beat It, Beat It, Beat It, Beat It
No One Wants To Be Defeated
Showin' How Funky Strong Is Your Fight
It Doesn't Matter Who's Wrong Or Right
Just Beat It, Beat It

They're Out To Get You, Better Leave While You Can
Don't Wanna Be A Boy, You Wanna Be A Man
You Wanna Stay Alive, Better Do What You Can
So Beat It, Just Beat It

You Have To Show Them That You're Really Not Scared
You're Playin' With Your Life, This Ain't No Truth Or Dare
They'll Kick You, Then They Beat You,
Then They'll Tell You It's Fair
So Beat It, But You Wanna Be Bad

Just Beat It, Beat It, Beat It, Beat It
No One Wants To Be Defeated
Showin' How Funky Strong Is Your Fight
It Doesn't Matter Who's Wrong Or Who's Right

Just Beat It, Beat It
Beat It, Beat It, Beat It

Hambre

2009-06-23T16:56:00.004+02:00

HAMBRE tiene sus raíces en una serie de reuniones en estudios de artistas que ven la necesidad de compartir procesos creativos y presentar sus experiencias, proyectos, vacilaciones y centros de interés de una manera directa y natural, con la convicción de que esta interacción genera desarrollos artísticos de mayor interés. En un momento dado estas reuniones ponen de relieve la necesidad en Madrid de espacios con un carácter expositivo
enfocado al proceso.

HAMBRE reúne todas estas ideas como germen que desemboca en un formato de exposición adaptado: proyectos con un carácter experimental, con la capacidad de presentar ideas en gestación y trastocar los elementos expositivos establecidos. En definitiva persigue una visión generada desde la base de la creación artística, ofreciendo alternativas a formatos instaurados y abriendo vías complementarias de generación cultural.

Fruto de ello es esta exposición creada enteramente por los propios artistas. Está marcada por algunos elementos especialmente significativos: su temporalidad, sólo dura nueve días, algo que la acerca más a un acto o una representación y que marca cada trabajo expuesto. Junto a esto, el hecho de que se trate de lugares que habitualmente no se usan como escenario expositivo, espacios con otra ocupación y función.

La llamativa temporalidad de la exposición tiene su contrapartida en la creación de una publicación, que no sólo sirve como elemento documental sino que se convierte en un lugar de reflexión sobre los diferentes procesos creativos de cada uno. El catálogo este año contará con textos de la comisaria coreana KyongFa Che y del comisario madrileño Javier Duero.

Artistas participantes:

Antonio Lozano
Busto Bocanegra
Carlos Maciá www.carlosmacia.net
Enrique Radigales www.enriquecimiento.com
Julián Oliver www.julianoliver.com
Luis-Felipe Díaz
Marlon de Azambuja www.marlondeazambuja.com
Nuria Fuster www.nuriafuster.com
Paolo Maggis www.paolomaggis.com
Pablo Valbuena www.pablovalbuena.com
Robert Harding Pittman www.rhpimages.com

Inauguración: 27 de junio a las 20 horas

Hasta 5 de julio de 11H-14H30 y de 17H-20H30

Calle Atocha, 24. Esquina. Madrid

Former West

2009-06-23T12:00:00.002+02:00

Proyecto en red en distintas fases y sedes cuyo objetivo es articular una reflexión crítica sobre la transformación de las formas políticas en el Occidente europeo en el año del vigésimo aniversario de la caída del Muro de Berlín. Former West, traducible como Ex-Oeste o Anterior Oeste, término nunca utilizado en contrapartida al habitual Anterior Este, comienza con la siguiente pregunta: ¿Qué impacto han tenido los acontecimientos de 1989 sobre el arte, la cultura y las políticas del Oeste europeo, cuál es la memoria de este evento crítico en la producción artística y social?

A través de diferentes seminarios, exposiciones y publicaciones, Former West inicia una reflexión sobre la producción cultural del nuevo orden mundial, así como un proceso de transformación y revisión del pasado reciente. En este sentido, significa reactivar las prácticas de antagonismo en su contemporaneidad, sustituyendo el eje de reflexión en torno a la sociedad del espectáculo de 1968 por las transformaciones en modelos de producción y colectividad a partir de 1989.

Este seminario supone el primer encuentro público del núcleo de historiadores, comisarios y artistas que integran Former West.

Participantes:
Claire Bishop
Historiadora y crítica de arte, profesora en Royal College of Art, Londres, y CUNY, Nueva York

Jesús Carrillo
Jefe de Programas Culturales del Museo Reina Sofía

Charles Esche
Director del Van Abbemuseum de Eindhoven

Marcelo Expósito
Artista, ensayista y profesor en el PEI del Macba

Boris Groys
Historiador del arte, profesor en el Centro de Arte y Tecnología de Karlsruhe

Maria Hlavajova
Directora artística del BAK, basis voor actuele kunst, de Utrecht

Jorge Luis Marzo
Crítico y comisario independiente de exposiciones

Piotr Piotrowski
Historiador del arte, catedrático de la Universidad Adam Mickiewicz, Poznan

Kathrin Rhomberg
Comisaria de la Bienal de Berlín y Secesión de Viena

Simon Sheikh
Historiador y comisario independiente, profesor en la Academia de Bellas Artes de Malmö

Georg Schöllhammer
Comisario independiente, editor y redactor de la revista Springerin – Hefte für Gegenwartskunst

Seminario abierto Former West
Fecha: Miércoles 24 de junio de 2009
Hora: 18:00 h.
Lugar: Edificio Nouvel. Auditorio 200
MNCARS, Madrid

Propuestas 2009

2009-06-18T14:42:00.003+02:00

Los miembros del Jurado de PROPUESTAS 2009 han sido Dora García en la categoría de Audiovisual y Nuevas Tecnologías, Pep Montserrat en la categoría de Ilustración, Jordi Colomer en la categoría de Artes Plásticas, Ciuco Gutiérrez en la categoría de Fotografía y Juli Capella en la categoría de Diseño. Despues de examinar los 624 proyectos que se han presentado este año a la Convocatoria de Ayudas a la Creación Visual de la Fundación Arte y Derecho, los miembros del Jurado seleccionaron los siguientes 21 proyectos de creación visual que VEGAP financiará este año con una dotación total de 100.000 € proveniente de la recaudación que VEGAP percibe por la gestión del derecho de copia privada.

AUDIOVISUAL Y NUEVAS TECNOLOGÍAS
Capitalismo amarillo: aprendiendo de México de Jota Izquierdo
En el otoño de 2009, contraté a dos detectives privados para que se espiasen mutuamente de Martín Pena Vázquez
Voltant Pel Món (Around the world) de Carles Congost
Feliú Black Chamber de David Ferrando Giraut

ILUSTRACION
Viaje al Imperio Dulciñam de Martín Romero Outeiral
Crimen y castiga en los romances de Diego de Daniel Sesé
Patagonia de Jorge Fabián González Varela
Sangre de mi sangre de María Dolores Lorente Esquiva

DISEÑO
Abrigo - Maleta Ryan de Patricia Gómez Rojo; Helga María Massetani; Maialen Dissard; Lorea López Apexteguia (Colectivo Artístico "Artita de To")
Miramos pero no vemos de Sandra Bautista Martín
Redretro. (Retroalimenta tus sueños) de Damian Abrayas Matute González
Soy Útil de Guillem Ferran Massip

FOTOGRAFÍA
Identidades Compuestas de Amy Chang
Lola te quiero y ellas de Arantxa Boyero Lirón
Small Dreams de Aleix Plademunt
Carreteras / Monumentos de Alvaro Rojas Sastre

ARTES PLÁSTICAS
Potencial Escultórico de Marlon Souza de Azambuja
La voz contraria de Javier Peñafiel Morellón
Sin título (4 proyectos expositivos) de Hisae Ikenaga
Cueste lo que cueste / un Mundo terriblemente Hermoso de Job Perramón Ramos
Producción de Esculturas en el National sculpture factory (Irlanda) de Alberto Peral

Sobre VEGAP

VEGAP promueve actividades asistenciales en favor de sus socios gracias al Fondo Asistencial y Cultural de la entidad que se nutre del 20% de la cantidad recaudada anualmente en concepto de remuneración compensatoria por copia privada.

"Asesórate" y "Asesoramiento Fiscal Gratuito" son los servicios que VEGAP ofrece con carácter gratuito a sus socios y que se gestionan a través de la Fundación Arte y Derecho con el fin de resolver las cuestiones legales que les surgen a los socios en el ámbito de su actividad profesional y en materia fiscal.

www.vegap.es

www.arteyderecho.org

Miércoles Socialistas

2009-06-17T14:51:00.004+02:00

Los "Miércoles Socialistas” supone un acercamiento hacia el interés que parece estar resurgiendo en los últimos años, y en especial en el momento actual, hacia políticas y estéticas de carácter utópico como alternativa a un sistema que da muestras evidentes de crisis.

Desde una perspectiva lúdica, en las reuniones que dieron lugar a la muestra se trataron cuestiones como la pertinencia o no del pensamiento utópico en la actualidad y sus posibles consecuencias, y sobre el papel de la actividad artística en este contexto.

En esta línea, “Los miércoles socialistas” cuestiona, desde una fe en el trabajo artístico como herramienta social -no necesariamente exenta de cierta ironía sana-, la pertinencia de un arte de grandes pretensiones e intenciones transformadoras, y apuesta por la realización de propuestas destinadas desde un principio al fracaso, pero cuya mera puesta en práctica puede dejar un rastro valioso y positivo.

La muestra, que presenta trabajos individuales de cada uno de los artistas - vídeo, escultura y dibujo- junto a una pieza colectiva, surge como fruto de las reuniones y discusiones semanales que a lo largo del último año ha realizado el grupo de artistas, que incluye también a David Ferrando Giraut, cuyo papel en esta ocasión se desplaza al de coordinador del proyecto.

Los miércoles socialistas; Jorge Cabieses Valdés, Harry Meadows, Gorka Mohamed, con la colaboración de David Ferrando Giraut.

Inauguración, 20 de junio / 20:30 h

Exposición hasta el 26 de julio de 2009

www.otroespacio.org

¿Para qué sirven los artistas?

2009-06-17T14:22:00.002+02:00

Imagen: La artista china Cui Xiuwen en su estudio de Pekín junto a su obra “Angel No. 9,” (2006)

El CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona) y el espacio Conservas acogerán entre los días 1 y 4 de julio una serie de innovadoras propuestas escénicas y visuales generadas en todo el mundo. Inn Motion, organizado por la Asociación Cultural Conservas, llega a su quinta edición con una programación que incluye música, performance, multimedia, debates abiertos, instalaciones, teatro visual y talleres de creación.

Bajo el título ¿Para qué sirven los artistas?, esta ediciónn del festival, de carácter bienal, invita a creadores que se plantean temas muy vinculados a la actualidad social y al papel del arte en este contexto.

El festival, con entrada gratuita a la mayor parte de las actividades, constará de cuatro áreas principales. En un primer apartado, Observación práctica: ¿para qué sirven los artistas?, se verán algunos espectáculos e instalaciones que ayudarán a resolver este dilema, como el estreno absoluto de la obra teatral Las Listas de Julio Wallovich (co-director de la película Smoking Room), que cuenta con un reparto de excepción encabezado por Francesc Garrido. También tendrá lugar el espectáculo Generation Jeans, de la Belorus Free Theatre, la compañía de teatro clandestina más conocida de Bielorrusia.

Un segundo bloque, Área de crisis: que nos devuelvan la pasta, consistirá en un fórum abierto para acercar producciones artísticas que, con la crisis, se han puesto al servicio de las luchas sociales, como las de los colectivos Ubemorgen (Alemania) y Derivart (Barcelona), entre otros.

Una tercera área, Divertimentos, en ocasiones pornográficos, hará que cada noche cierre la jornada de InnMotion unos divertimentos sobre la feminidad y el erotismo, con Manah De Pawn (Bélgica), Jimmy Picker (EE.UU.) y Shulea Cheang (Taiwán).

+info: http://conservas.tk/

Curator's update

2009-06-15T18:42:00.004+02:00

Un post con algunas noticias relacionadas con el sector de curators / directores de centros, todas relacionadas con las buenas prácticas.

Entre 124 aspirantes, el centro de arte LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijión (Asturias), acaba de designar al francés Benjamin Weil (París, 1962) como nuevo comisario jefe del centro a partir de otoño próximo, en sustitución del austriaco Erich Berger, que presentó su dimisión en enero pasado. No sabemos los motivos oficiales de la dimisión de Berger, pero circulan jugosos rumores sobre el tema.

Benjamin Weil ha vivido parte de su vida en Estados Unidos, donde se graduó en el Whitney Independent Study Program en Nueva York (1989). Como crítico y comisario freelance ha elaborado numerosos proyectos que incluyen una contribución de arte público para la sección Aperto de la 45ª Bienal de Venecia (1993). En 1994, cofundó Adaweb, una plataforma dedicada a la producción de proyectos de arte en red y a la documentación de nuevos formatos, colaborando con instituciones como The New School, Documenta y The Museum of Modern Art (MoMA). En 1998, fue nombrado director del departamento de Nuevos Medios del ICA de Londres. En 2000, se trasladó de nuevo a Estados Unidos para asumir el puesto de Comisario de medios en el San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), donde permaneció hasta 2006. Weil ha sido también comisario de la edición 2005 y 2006 de Art Film, una sección de la feria Art Basel.

El CGAC - Centro Gallego de Arte Contemporaneo, de Santiago de Compostela ha realizado la convocatoria del concurso, acogido al documento de buenas prácticas, por el que se pretende seleccionar al próximo director/a del centro, dirigido en la anterior legislatura por Manuel Olveira. Entre las condiciones impuestas los aspirantes, figura la necesidad de acreditar su "vinculación con el mundo cultural y artístico gallego e internacional".

Tambien El MUSAC de León tiene abierto un concurso para la elección de su nuevo director, puesto en la práctica ocupado desde la salida hace unos meses de Rafael Doctor por Agustín Pérez Rubio (Valencia, 1972), conservador jefe del centro desde sus inicios.

Salmon jumping

2009-06-06T19:33:00.008+02:00

El informe sobre La democracia en España 2009 atribuye la ligera disminución de la calidad de la democracia a la situación creada tras las elecciones de 2008 con el deterioro institucional, especialmente en la Justicia. El informe constata una crítica generalizada a la falta de autonomía del poder político con respecto al económico, los grupos de presión y los medios de comunicación. Han caído las valoraciones sobre la capacidad de control del Parlamento, la transparencia de la información estadística y de la política presupuestaria. El deterioro de los índices de gobernabilidad se atribuye a la resistencia del Gobierno a admitir la crisis antes del otoño de 2008 y su política cambiante de alianzas.

El informe se extiende en los principales retos de la democracia española, especialmente la crisis económica, pero también dedica importancia a la corrupción, un "problema muy serio, sobre todo en los gobiernos locales". Valora la corrupción de "poco extensiva, en la que pocos individuos parecen estar directamente implicados, pero parece altamente intensiva" por su alto volumen económico. Los expertos creen que las causas de la corrupción en España son la elevada concentración de poderes políticos en manos de un mismo partido; la acumulación de poder del alcalde y al tamaño de los municipios, lo que facilita la consolidación de redes clientelares y de corrupción. El informe propone como posible solución un proceso de reagrupamiento de municipios, con la eliminación de las unidades administrativas locales más pequeñas y el establecimiento de gobiernos locales de mayor tamaño y más homogéneos, como ha sucedido en países europeos en décadas recientes.

Alguien desde el sector de la cultura puede cuestionar la urgencia de una regulación de nuestra práctica profesional?

Como es posible que existan profesionales que ponen en duda la necesidad del código de "Buenas Prácticas", que es un simple documento consensuado por todos nosotros pero sin valor jurídico alguno?

Se dan los directores de museos y responsables de grandes instituciones públicas nombrados de una manera nepotista por aludidos ?

Y los alcaldes de nuestras ciudades? conocen lo que es un plan de estrategia cultural? entienden el concepto de tejido?

No saben que la cultura es una de las principales industrias de futuro?

Por primera vez tenemos en España una excelente generación de jóvenes profesionales (artistas, comisarios, gestores y productores) que necesitan plataformas y redes de trabajo estructuradas en ese gran espacio que se da entre la gran institución y la pequeña galería de arte.

Demandan recursos, herramientas para trabajar y, sobre todo, unas reglas de juego transparentes y democráticas.

Ellos son los cientos de salmones que tratan de avanzar en ese río revuelto y dificil que es el sector institucional de la cultura en España.

Madrid Procesos 09

2009-06-02T14:00:00.003+02:00

Se acaban de hacer públicos los nombre de artistas seleccionados en Madrid Procesos.

Madrid:
- Julio García Falagan: “Grupo Empresa Falagán”.
- Colectivo Niño Viejo (Begoña Martínez, Jorge Blasco, Miguel Ángel García, Sergio Palau): “Almas Latentes”.

Berlín:
- Andrés Senra: “Auslandia”.
- María Castelló: “Der Rückbau”.

- Julio García Falagan: "Grupo Empresa Falagán"

“Grupo Empresa Falagán” es una reflexión sobre el penoso estatus social del artista.
Uno de los principales problemas de los artistas es el de no poder ejercer su vocación y tener que desdoblarse en otros oficios para poder subsistir.
G.E.F. consiste en la manipulación de soportes publicitarios cásicos de negocios cerrados con el objetivo de anunciar nuevas empresas ficticias dedicadas al arte. Se rotularán estos espacios vacios o abandonados de forma mimética y apenas imperceptible siempre utilizando el mismo nombre.

- Colectivo Niño Viejo (Begoña Martínez, Jorge Blasco, Miguel Ángel García, Sergio Palau): "Almas Latentes"

"Almas Latentes" nace de una serie de pequeñas intervenciones realizadas por el colectivo “Niño viejo” en la ciudad de Valencia, con la intención de acercarnos a un tema muy concreto: La fuerte transformación de las urbes españolas debido al desarrollo económico de los últimos 40 años, la fiebre inmobiliaria y la devastadora proliferación de promotores sin escrúpulos (respaldados en muchos casos por las instituciones).
En el proyecto “Almas Latentes” pretendemos mostrar una propuesta narrativa más directa e investigar a la vez sobre un lenguaje audiovisual diferente basado en el Live-cinema, la instalación y el cine interactivo.

- Andrés Senra: "Auslandia”

“Auslandia” es una reflexión visual y plástica sobre el fracaso de la utopía. El proyecto desarrolla la historiografía de una comunidad utópica que habita en una ciudad-isla postapocalíptica. Berlín es el telón de fondo que me permite recrear este espacio heterotópico ficticio.
El proyecto se presenta expositivamente como una instalación de video, fotografía, dibujo, fotocopias, planos y maquetas.

- María Castelló: "Der Rückbau”

“Der Rückblau” plantea una reflexión sobre el acto simbólico que ha representado el proceso de desmantelamiento del emblemático Palast der Republik en Berlín, escenificado en el centro histórico de la ciudad durante 34 meses.
El título ha sido tomado de los letreros que había alrededor del edifico durante parte del proceso de derribo. Rückbauen vendría a significar construir hacia atrás.

Enhorabuena a todos!!

Wrong character

2009-05-25T10:48:00.003+02:00

Falta de rigor y poco respeto. Eso es lo que la Fundación Gala-Salvador Dalí ha apreciado al revisar el guión de la película que se prepara sobre la vida del artista. Una cinta protagonizada por Antonio Banderas, que encarnará a Dalí, y dirigida por Simon West.

Ambas partes mantienen negociaciones desde hace tiempo, según fuentes de la Fundación, entidad que reclama que el guión se revise."El guión no es lo bastante estricto al mostrar la dimensión del personaje", explicaron dichas fuentes, por lo que pidieron "más rigor histórico y respeto hacia la figura de Dalí".

Desde la Fundación aseguraron que no quieren censurar ningún proyecto artístico pero que no autorizarán el rodaje del film hasta que este sea "más fiel con la biografía de Dalí" y no aborde al maestro con una visión "superficial y anecdótica".

De momento no hay acuerdo entre las dos partes, pero desde la Fundación confirmaron que están abiertos al diálogo y que "si se corrige el enfoque del guión" darán luz verde a la película.

Quien ha decidido y bajo que criterios que Antonio Banderas interprete a Dalí?

Desde aquí creemos que falta mirada, talento y sobre todo...actitud de genio.

We are number 1

2009-05-22T17:48:00.003+02:00

El Congreso estadounidense ha advertido de que la piratería por internet en España ha alcanzado "un nivel epidémico" lo que coloca a nuestro país en un grupo de cinco naciones donde este delito informático es especialmente preocupante. En un informe publicado este jueves en su página web, el Caucus contra la Piratería Internacional del Congreso estadounidense dijo que este año vigilará de forma especial la situación en China, Rusia, Canadá, España y México.

En el caso español, los congresistas estadounidenses afirmaron que los autores "carecen de las herramientas necesarias para hacer valer sus derechos en internet, lo que socava el desarrollo del comercio legítimo por internet y daña el sector tanto en Estados Unidos como en España".

Con respecto a México, el Caucus dijo que aunque el país latinoamericano está mejorando su lucha contra la piratería por internet, "el nivel absoluto de piratería en México y la escasez de medidas que lo disuadan están diezmando este mercado".
El Caucus también valoró que la piratería P2P en España "es percibida como un fenómeno cultural aceptable" y solicitó al Gobierno español que adopte medidas para proteger a los autores.

Este dictamen se suma a un informe (el llamado informe 301) del Departamento de Comercio y la Oficina de Presidencia de EE UU en el que se acusa a España de ser demasiado permisiva y de no haber tomado ninguna medida contra la descarga de archivos con derechos de autor. Ese informe, además, insta a España a ilegalizar los programas de intercambio de ficheros tipo p2p, tales como eMule, BitTorrent o Are.

Arte por un kilo

2009-05-20T18:02:00.004+02:00

A las puertas de la Bienal de Venecia, se celebra en Tesalónica otra bienal, esta vez muy jóven, es su segunda edición. Os pegamos un extracto de su comunicado internacional recibido hoy y que nos ha hecho reflexionar.

2nd THESSALONIKI BIENNALE OF CONTEMPORARY ART
"PRAXIS: Art in Times of Uncertainty"
May 24 – September 27, 2009

Curators: Gabriela Salgado, Bisi Silva, Syrago Tsiara

STATE MUSEUM OF CONTEMPORARY ART
Kolokotroni 21, Stavroupoli 56430, Thessaloniki

http://www.thessalonikibiennale.gr

with the support of the Hellenic Ministry of Culture

More than 200 artists / 39 countries/ 22 city's collaborating institutions/ 20 venues/
12 exhibitions

Main Programme
Rubber sculptures representing human figures that inflate and deflate as though they were breathing are presented by Cesar Martinez at Bezesteni. Mircea Cantor is bringing a flying carpet driven by "Airplanes and Angels" from Romania which finds its place on the ceiling of the entrance to Warehouse C. Women's perfumes made by a French perfume maker based on the scent of women's hair, without any chemical processing, soak the fabrics of Macia Oswaldo at Bazaar Hamam, interpreting "10 Notes for a Human Symphony", the title of the work of art. More than 500 aluminum cans placed in concentric circles, moving counter clock-wise at Warehouse C, a work by Kader Attia, reminding the style of pilgrimage.

.............

Llama la atención la profusión de números (artistas y obras) como reclamo y la explicación superficial y descriptiva de algunos proyectos tratados como elementos de entretenimiento, todo enlazado con el lenguaje típico del parque temático.

En fín, arte y artistas al peso...esto significa que la bienal es buena y aporta ?

Es sólo una forma de comunicar un evento a la audiencia ?

En que estamos?

Certificado de Existencia

2009-05-18T09:22:00.003+02:00

Dijo el fulano presuntuoso /
hoy en el consulado
obtuve el habitual
certificado de existencia

consta aquí que estoy vivo
de manera que basta de calumnias

este papel soberbio / irrefutable
atestigua que existo

si me enfrento al espejo
y mi rostro no está
aguantaré sereno
despejado

¿no llevo acaso en la cartera
mi recién adquirido
mi flamante
certificado de existencia?

vivir / después de todo
no es tan fundamental
lo importante es que alguien
debidamente autorizado
certifique que uno
probadamente existe

cuando abro el diario y leo
mi propia necrológica
me apena que no sepan
que estoy en condiciones
de mostrar dondequiera
y a quien sea
un vigente prolijo y minucioso
certificado de existencia

existo
luego pienso

¿cuántos zutanos andan por la calle
creyendo que están vivos
cuando en rigor carecen del genuino
irremplazable
soberano
certificado de existencia?

Mario benedetti

Equilibrio y presupuestos

2009-05-15T15:03:00.003+02:00

La organización de la Muestra Internacional de Cine Europeo (MICEC) ha decidido suspender la edición de este año por la "drástica disminución de recursos presupuestarios y las incógnitas institucionales, que hacen difícil encontrar una fórmula viable de financiación". La muestra debía celebrar su quinta edición entre el 4 y el 12 de junio en el CCCB, en los cines Renoir y en el Campus de Comunicación de la Universitat Pompeu Fabra (UPF), en Barcelona.

En los últimos cuatros años, el MICEC proyectó más de un centenar de películas inéditas, de directores como Alexander Sokurov, Bela Tarr, Olivier Assayas, Manoel de Oliveira, Pedro Costa, Chantal Akerman, Arnaud Desplechin o Andreas Dresen. Y se completaba con seminarios internacionales y debates sobre la situación y futuro del cine europeo. Según dice la organización en un comunicado, está previsto que en 2010 se pueda realizar una quinta edición del MICEC reforzada y más ambiciosa.

Una cuestión..por que no suspenden algunos partidos de fútbol, cancelan unas cuantas corridas de toros, congelan la mayoría de programas rosas de TV y nos dan una alegría a muchos de una p. vez.

Ya está bien!!

Una falla en Nueva York

2009-05-11T12:17:00.002+02:00

El arquitecto español Santiago Calatrava ha presentado en Nueva York una exposición sobre la estación que ha diseñado para la zona de Manhattan destruida en los atentados del 11-S, y cuyo diseño original ha sufrido algunas modificaciones. El diario The New York Times, ha criticado abiertamente el proyecto, que considera "descorazonador".

El rotativo recuerda que el presupuesto ha pasado de casi 1.500 millones de euros a los 2.350 millones, el arquitecto valenciano "sigue siendo incapaz de superar el fatal error del proyecto: la llamativa incongruencia entre la extravagancia de la arquitectura y el limitado propósito al que sirve. El resultado es un monumento a un ego creativo que celebra la destreza ingenieril de Calatrava, pero poco más".

Para los que hemos tenido que "sufrir" el uso de un edifcio diseñado por el arquitecto valenciano, esto es más de lo mismo. Edificios narcisistas y caros, cero funcionales y que representan una forma de entender la vida y el arte como algo frívolo y vacío.

Podemos remitirnos a la ciudad de las artes y las ciencias de Valencia, cuyo museo es un ejemplo arquitectónico de incompetencia y despilfarro de recursos y suelo público. Un paradigma de nulidad en su uso social y un claro representante de como se entienden los espacios públicos en esa parte del mediterráneo.

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